Alfred Pellon, La Femme dans les nuages, gravure sur bois.

Très intéressante soirée proposée par Lesarts57 en partenariat avec l’association Echange & Culture de Longeville-les-Metz, et présentée par M. Laurent Commaille, chercheur en histoire contemporaine. La salle se remplit petit à petit. Environ 50 personnes sont présentes à 20h, pour le mot d’accueil de Mme Astrid Chapelain, vice-présidente d’Echange & Culture, qui rappelle le sympathique partenariat culturel entre les deux associations depuis 15 ans déjà. Mme Martine Ziegler remercie tous les acteurs qui ont permis cette rencontre et trace le programme à venir, en particulier la 15^e assemblée générale le 25 mars 2025, à Saulny.

Pour sa 12ème intervention avec Lesarts57, M. Commaille aborde le thème peu connu de l’école messine de peinture pendant la première annexion.

Cette image, souvent reproduite sur les brochures de la ville, et dont l’auteur inconnu pour la plupart d’entre nous, a été réalisée par Alfred Pellon, pourtant l’un des grands artistes de cette nouvelle école messine qui va émerger fin XIXe.

L’Ecole de Metz, ainsi nommée par Baudelaire, est à son apogée dans les années 1850 à 1870 avec de grands noms : Laurent Charles Maréchal, Auguste Migette, Auguste Hussenot. Migette, dont les tableaux historiques figurent au Musée de la Cour d’Or, habitait à Longeville-les-Metz justement mais sa maison a disparu.

Laurent-Charles Maréchal (1801-1887), Autoportrait, 1826. – Auguste Migette (1802-1884) peint par Auguste Hussenot (1798-1885).

Auguste Rolland, Aimé de Lemud, Théodore Devilly, Emile Knoepler, Emile Michel sont d’autres personnalités connues de l’Ecole de Metz. Influencés par le romantisme, le moyen-âge, la peinture du nord (Flandre, Hollande, Allemagne), ils admirent Victor Hugo, Eugène Delacroix, en particulier, pour le coloris, la touche de peinture et la composition.

Auguste Migette, Vue de Sierck. – Emile Knoepfler, Suzanne et les Vieillards.

L’Ecole de Metz disparaît peu à peu, en partie à cause de l’âge de ses membres, mais surtout à cause de la guerre de 1870. La défaite et le rattachement de l’actuelle Moselle à l’Allemagne entraînent l’exode d’une grande partie des artistes et des notables.  Ils partent pour Nancy, Bar le Duc, Paris. Hussenot et Migette restent, mais leur influence décline.

Théodore Devilly, les Adieux, 1885.

Entre 1870 et 1890, Metz est une petite ville de garnison militaire, peu attrayante. Vers 1890, la crainte d’une revanche française s’éloigne. Il faut se replacer dans le contexte de l’époque, une nouvelle génération née après 1870 arrive. L’Allemagne connait un prodigieux développement économique et démographique. Les villes s’agrandissent.

La nouvelle génération s’inscrit dans le système allemand, se pense ancrée dans le Reich, une nouvelle bourgeoisie messine se développe avec des familles aisées, Richthofen, Lazard, Mungenast... Mme Mungenast est une Lorraine originaire du pays de Bitche. En 1890, 25% des mariages sont mixtes entre Lorrains de souche et Altdeutschen. Cette émergence d’une bourgeoisie riche, cultivée et influente est importante pour le développement artistique.

 Les nouveaux artistes, nés en 1870 ont 20 ans en 1890. Il est intéressant d’observer leurs bornes chronologiques, mais aussi leur lieu de formation dans le système allemand. Au XIXe, jusque 1890, Düsseldorf est un haut lieu de formation artistique. Jugé trop conventionnel, il perd des son influence fin XIXe au profit de Munich.  

Le bâtiment de l’académie des beaux-arts de Munich est très impressionnant en 1900 et encore imposant actuellement. C’est le lieu où s’est développé l’expressionnisme allemand et les débuts de l’abstraction avec Kandinsky.

Edmond Louyot est le plus ancien, avec Rinckenbach, des peintres du groupe. Né dans une famille d’agriculteurs à La Lobe, sur la commune d’Arry, il semblait destiné à la prêtrise mais sa passion du dessin l’orienta autrement. Après un séjour à Karlsruhe, à l’École des arts et métiers et un autre à Munich, il effectue son service militaire comme volontaire et obtint ensuite une bourse de l’État pour suivre une formation à Düsseldorf puis Munich. Il passe l’essentiel de sa vie d’artiste à Munich mais exposa et vendit à Metz. Épuisé, malade, il rentre à Arry en 1919 et y décède peu après, en 1920.

Edmond Louyot, Les Lavandières au bord de la Moselle. -- La Moisson à Arry, 1909. – Dans la profondeur des bois, 1919.

Une exposition à Montigny-lès-Metz lui a récemment rendu hommage. Facture classique dans la touche, la couleur et la composition sur la toile des Lavandières, le blanc y est impressionnant sur des bleus très forts. Le paysage de la vallée de la Moselle dans la Moisson à Arry la montre moins boisée qu’actuellement. Et sur le Canal en automne, la touche de peinture épaisse, pas diluée, produits de jolis effets de matière. Dans la profondeur des bois est un de ses derniers tableaux (1919).

Canal en automne.

Bien que né à Barr, dans le Bas-Rhin, Edmond Rinckenbach, à l’approche de la trentaine se fixe à Metz et s’établit dans l’ancien atelier de Hussenot, rue aux Ours. Il en fait le centre de la vie picturale messine, attirant les nouveaux artistes émergents.  Dans ce tableau, il montre la population messine à l’époque charnière. Le Café du Globe, situé 3 rue des Clercs à Metz, était un lieu d’échange et de rencontre des artistes.

Edmond Rinckenbach, Le Café du Globe, 1890.

Il fonde la revue Jung Lothringen - La Lorraine moderne - mais meurt prématurément en 1902, laissant la revue en plan. La revue publie des textes, des poésies, dans les deux langues, certains en allemand et d’autres en français Elle ouvre ses pages à des artistes comme Heinrich Beecke, Victor Mechling, Alfred Pellon.

Grande maîtrise du crayon lithographique. Une grande sensibilité se dégage de ce portrait maternel, et du Pierrot qui regarde la cathédrale.

Edmond Rinckenbach, Lieb Mutterlein, crayon lithographique, 1902.

La nouvelle école messine se place dans le sillage de la précédente, rendant hommage, dans la revue, à de prestigieux membres de l’École messine passée, Laurent-Charles Maréchal et Auguste Migette. Les portraits les représentent âgés, ce qui l’inscrit dans la continuité.

Si Rinckenbach reste très « classique » dans son expression, il est suivi par de jeunes artistes influencés par les nouvelles tendances. Il y a déjà comme de l’expressionnisme, avant l’heure, dans ce portrait de Victor Mechling. Tout l’esprit torturé de l’artiste semble s’y refléter.

Victor Mechling, Das Irrlicht, Le Feu follet.

Alfred Pellon est sans doute, dans les années1900-1914, le plus doué des artistes messins. Son travail montre l’influence très nette qu’a eu le Jugendstil, l’art nouveau, sur lui. Il grave des bois dans le style des gravures viennoises, jouant sur les oppositions de noir et de blanc qui donnent beaucoup de vigueur, au point que ses dessins s’apparentent à ses gravures.

Ce qui caractérise en grande partie l’expression des artistes messins et « mosellans » du début du siècle, c’est l’importance de leur enracinement. Léon Nassoy, par exemple, s’il est allé étudier à Munich, va se consacrer à des œuvres reflétant la vie lorraine traditionnelle.

Léon Nassoy, Intérieur de cuisine à Craincourt, 1913.

Jean Engel, inconnu du grand public, a passé presque toute sa vie dans son village de Rustroff. Professeur de dessin à Sierck, il s’est spécialisé dans la peinture religieuse. Il a ainsi décoré plus de 200 églises en Moselle et en Allemagne. Une jolie fresque est visible dans la petite église Sainte Ségolène de Rustroff, au pays des trois frontières.

Le plus connu de ces artistes est incontestablement Clément Kieffer. Il incarne aussi une certaine continuité entre Alfred Pellon et Jean Morette. Ses gravures sont influencées par la vie lorraine, il fut un maître pour Jean Morette. Un espace lui est dédié à Varize.

Clément Kieffer, Saules.

Mais il y a aussi Albert Marks dont Marius Muselet disait : « Bien rares sont les foyers messins qui ne possèdent pas un Marks ». Dès 1895, il acquiert une certaine notoriété et triomphera lors du Kunstverein de 1905 (Exposition des artistes indépendants lorrains). Ses vues du St Quentin sont nombreuses, pente un peu exagérée mais couleurs fondues, effet de brume délicat. Il continue à peindre après la guerre et atteint son apogée dans les années 1920.

En marge de ces artistes, les sœurs Lazard, appartenant à la bourgeoisie juive de Metz, ont une renommée internationale, dépassant les limites de la Moselle et de l’Allemagne. Elles ont un réseau important, voyagent beaucoup, connaissent Munich après 1906 avec l’avènement du Blaue Reiter et les premières abstractions de Kandinsky.

Lou Lazard, Berliner Straßenszene, 1924. -- Ilse Heller-Lazard, Dresdner Hbf, 1914.

Cette amorce d’Ecole messine et mosellane a connu un effacement des mémoires dont les causes sont multiples :  la première sans doute liée à la situation historique 1870 -1918, et un rejet après 1918 de ce qui a été trop lié à l’occupation allemande. De plus ces artistes sont à l’écart des grands courants, impressionniste, fauve, … de ce qui se passe à Paris. En outre, de par leur origine sociale souvent modeste, ils manquent de « réseau » : le père de Pellon était tailleur de pierre, celui de Louyot, agriculteur, contrairement à des Monet ou Degas par exemple, qui bénéficient de liens sociaux et de réseaux importants.

Pellon rejette le retour de la Moselle à la France, il va continuer à vivre dans le monde germanique, et travaillera en Allemagne. Esprit trop indépendant pour se plier à un moule quelconque. Choix volontaire ou expulsé ??  Il sera néanmoins un peu un artiste maudit en France.

A. Pellon, Offenburg, 1919.

Aujourd‘hui, à l’exemple de la gare de Metz si longtemps mal considérée, ces artistes rencontrent une certaine reconnaissance et un intérêt du public. Pellon a bénéficié d’un article dans la revue éditée par les bibliothèques de Metz en 2014, Ilse Heller-Lazard et Edmond Louyot ont été exposés au Château de Courcelles à Montigny les Metz en 2018 et 2024.  Louyot est connu et apprécié dans le Massachussetts (U.S). Le musée de la Cour d’Or a déjà accroché des toiles de certains de ces artistes, d’autres sont encore dans les réserves.

Passionnant, comme toujours, Laurent Commaille nous fait prendre conscience de ce contexte compliqué pour ces artistes dans la Lorraine du début XXe où les jeunes lorrains sont citoyens allemands. La présentation de ce sujet original a ensuite généré des nombreux et intéressants échanges avec le public.

Prochaines rencontres avec Les Arts 57 :

Mardi 25 mars 2025 à 17h,

15^e Assemblée Générale,

salle polyvalente de Saulny.

Le 29 avril, 20h, « Georges Méliès et les arts de son temps »,

présentée par Caroline Renouard,

salle polyvalente de Saulny.

Réservation obligatoire par mail ou par tél.

lesarts57@gmail.com   ou     03 87 32 05 03 

 blog : https://lesarts57.over-blog.

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GIOTTO, La Nativité, 1304, Padoue, Chapelle Scrovegni.

Très jolie rencontre au musée de la Cour d’Or, présentée par Catherine Bourdieu, maîtresse de conférences à l'Université de Lorraine : « La crèche de Noël : histoire, représentations artistiques, et symboles. » Particulièrement bienvenue et attendue en ce mois de décembre 2024, elle a réuni 80 personnes confortablement installées dans le Grenier de Chèvremont, entourées de remarquables sculptures médiévales.

14h30, après une rapide présentation des projets de l’association par Martine Ziegler, présidente de Lesarts57, puis l’accueil par Philippe Brunella, directeur du musée de la Cour d’Or, Catherine commence par une mise au point sur le vocabulaire lié à la naissance de Jésus.

La Crèche désigne la mangeoire dans laquelle le nouveau-né a été déposé, et par extension l’abri et les figures correspondant à cet épisode, tandis que La Nativité désigne les différents évènements autour de cette naissance.

1 Sources utilisées : les textes bibliques.

Deux Evangiles évoquent la naissance de Jésus : celui de Matthieu cite rapidement le lieu de naissance « Bethléem en Judée », par contre celui de Luc est plus précis. « … en ces jours-là, parut un édit de l’empereur Auguste, ordonnant de recenser toute la terre, … Joseph quitta la ville de Nazareth en Galilée pour monter en Judée, à …Bethléem… se faire inscrire avec Marie, son épouse … enceinte. Or, pendant qu’ils étaient là, … elle mit au monde son fils … l’emmaillota et le coucha dans une mangeoire car il n’y avait pas de place pour eux dans la salle commune. »

Josef von Fürich, L'arrivée de la Sainte Famille devant l'auberge de Bethléem. 1838. Berlin.

Scène très rare : Marie est assise sur l’âne, visiblement fatiguée. Joseph, qui, très poliment, a ôté son chapeau, est refoulé par le propriétaire de l’auberge. Derrière eux, une joyeuse compagnie d’hommes boivent et jouent de la musique sur une terrasse ombragée. L’architecture évoque un village ancien mais sans caractère moyen-oriental.

Une autre source, le Protoévangile de Jacques (IIe s.), rapporte que la naissance aurait eu lieu dans une grotte. Ainsi le lieu de naissance de Jésus est-il une étable ou une grotte.  L’étable devient parfois un édifice en ruine illustrant le dénuement de la Sainte Famille.

La présence de l’âne et du bœuf se rapporte au Livre d’Isaïe. Le bœuf, animal pur, représente les juifs convertis au christianisme et l’âne, animal impur, représente les nations converties au christianisme. Ces deux animaux apparaissent dans divers textes, début du IVe s., puis dans les premières représentations artistiques. Peu à peu, on invente que le bœuf réchauffe l’Enfant de son souffle tandis que l’âne a porté Marie. En outre, ce sont des animaux probables dans une étable.

2 Les conventions de représentation.

Elles s’appuient sur des textes bibliques, sur des écrits relatant la vie des saints et sur des traités théoriques d’iconographie. Au Moyen Age, entre 1261 et 1266, Jacques de Voragine (dominicain et archevêque de Gênes) rédige en latin La Légende dorée, qui raconte la vie de saints, de martyrs, celle du Christ et de la Vierge pour les gens d’église. En 1570, le Traité des saintes images est rédigé par Johannes van der Meulen pour faciliter l’application du concile de Trente et fixer les normes de représentation des images. Marie ne doit pas être représentée pendant l’enfantement, Joseph doit être figuré comme un homme d’âge mûr et non comme un homme âgé. Il faut éviter la nudité de l’Enfant. L’âne et le bœuf peuvent être présents. Un autre traité, « Des Peintures sacrées » de Frédéric Borromée, 1624, proscrit la musculature athlétique des bergers qui leur donnerait trop d’importance ! Celui de Francisco Pacheco, « L’art de la peinture », 1649, recommande que l’Enfant soit enveloppé dans ses langes, que la Vierge et st Joseph se tiennent dans la grotte, avec l’âne et le bœuf, que les anges chantent et annoncent la naissance aux bergers.

3 La Nativité.

Elle correspond à un ensemble assez vaste de scènes : l’attente, l’épisode des sage-femmes, la Vierge allaitante, les différentes adorations (anges, bergers, mages). Jésus est tantôt l’Enfant nourrisson, tantôt l’Enfant divin.

L’attente de la naissance. Le thème de la Visitation dans lequel Marie rend visite à sa cousine Elisabeth, elle aussi enceinte, est bien connu. Cependant les représentations de Marie avec le ventre de la grossesse sont moins fréquentes : que ce soit les deux cousines posant leur main sur le ventre l’une de l’autre, la robe fendue au milieu, plus rare, l’Enfant visible en elle, ou encore Marie allongée juste avant la naissance.

Les sages femmes.

L’épisode apparait dans les Evangiles apocryphes (non reconnus par l’église). Saint Joseph était parti chercher une sage-femme pour aider Marie ; mais à leur arrivée, elle avait déjà enfanté.

Jésus est né, Marie est agenouillée, les mains jointes. Les anges chantent, l’âne et le bœuf veillent. A gauche, Joseph arrive accompagné d’une sage-femme. Au loin, un berger.

Martin Schongauer, La Nativité, 1480-1490. Louvre.

Commandé par Philippe le Bon, duc de Bourgogne, ce tableau représente la Sainte Famille, les anges, et par la fenêtre, l’adoration des bergers. Le bœuf et l’âne sont derrière un torchis qui se délite. La Vierge est parée d’un très beau manteau aux plis soigneusement représentés. Sur la bordure est brodée la prière du salve Regina. L’enfant nu, posé sur le sol, rayonne d’une lumière divine. Joseph tient un cierge allumé dont il protège la flamme. Les 3 anges tiennent un phylactère sur lequel est inscrite l’expression latine signifiant : « Gloire à dieu aux plus haut des cieux, et paix sur la terre aux hommes de bonne volonté… ». A droite, les deux sages-femmes vêtues de robes somptueuses. Zelemi, de dos, convaincue de la virginité de Marie tient un phylactère « Une vierge a enfanté ! » tandis que Salomé, debout de face, sceptique, montre sa main droite qui se paralyse, celle avec laquelle elle a voulu vérifier l’état virginal de Marie. L’ange au-dessus d’elle tient un autre phylactère signifiant « Touche l’Enfant et tu seras guérie. ».

Dans cet autre tableau Daret, élève de Campin, reprend de nombreux éléments  interprètés différemment. L’architecture en bois au toit de chaume endommagé, l’âne et le bœuf regardent l’Enfant, les quatre anges sur le toit, saint Joseph tenant le cierge allumé, porte à sa ceinture une bourse, un couteau. Salomé est agenouillée, ses mains pendantes. Zelemi et l’ange lui montrent l’Enfant. Le peintre dote les personnages de nombreux attributs : Zelemi possède un couteau, instrument de la sage-femme pour couper le cordon ombilical, un trousseau de clés. Ces clés symbolisent la virginité de Marie. Salomé porte une ceinture tressée évoquant un serpent et par extension, le péché originel, le couteau de la sage-femme et une longue ceinture qui se prolonge le long du dos et se termine par un nœud, référence à st Augustin qui reprend un symbole connu : dénouer sa ceinture = perdre sa virginité. Sur le toit, à droite, deux hirondelles annoncent le printemps, renouveau associé à la naissance, un chardonneret qui apprécie le chardon épineux, référence à la couronne d’épines. La tache rouge autour de sa tête annonce le sang versé par le Christ. Au loin, un ange annonce la naissance aux bergers.

Etonnant et rare aussi, ce tableau de Lorenzo Lotto représente le bain du nouveau-né. La Vierge tient l’Enfant, c’est bien un garçon et le cordon ombilical coupé n’est pas encore tombé. Salomé a les mains crispées, elle n’a pas encore touché l’Enfant. Au premier plan un grand tissu prêt à envelopper le nouveau-né, différents pots en lien avec le bain, une tasse posée sur une pelle contenant des braises. En arrière-plan, à gauche, une femme accroupie (Zelemi ?) tient une grande pièce d’étoffe devant le feu d’une grande cheminée.

Ce relief met en scène l’arrivée d’une sage-femme. Elle entre par la porte et s’extasie devant le nouveau-né. De part et d’autre, l’âne, le bœuf, la mangeoire et au-dessus les bergers et les rois Mages.

Anonyme, Pays-Bas, Sage-femme dans l’étable, 1470-80, Louvre

La Nativité désigne aussi un épisode postérieur à la naissance et diversement représenté : Marie allongée avec l’Enfant, ou Marie, Joseph et Jésus seuls , accompagnés par des anges. Dans le thème de la Nativité, l’enfant est un nourrisson, dans la Sainte Famille, il est garçonnet.

Marie allongée.

Allongée, protégée par un auvent sommaire, Marie prend l’Enfant emmailloté que lui tend une femme. L’âne, le bœuf, la mangeoire apparaissent sur le côté, st Joseph assis sur le sol. Un ange fait l’annonce aux bergers.

Giotto, La Nativité, XIVe, fresque Padoue, chapelle Scrovegni.

La Vierge est allongée, la tête soutenue par un coussin se tourne vers l’enfant couché dans la mangeoire, la tête aussi soutenue par un petit coussin, elle lui tient la main. L’âne et le bœuf couchés devant sont en proportions réduites par le choix de la composition. Joseph est aux cotés de Marie et derrière lui l’ange fait l’annonce à un berger dont on voit les moutons.

Grés sculpté, XVe, Nativité avec annonce aux bergers, Los Angeles.

Marie, Joseph et Jésus seuls.

Carlo Maratta, La Sainte nuit, XVIIe, Dresde --- Guido Reni, Saint Joseph tenant l'Enfant Jésus dans ses bras, 1620, L’Ermitage.

Marie est seule, l’étable plongée dans l’obscurité. Elle tient Jésus au-dessus de la mangeoire et écarte ses langes, laissant rayonner la lumière divine à partir de l’Enfant. Le vif contraste avec la pénombre crée un magnifique clair-obscur. Trois têtes d’angelots ailés augmentent l’intimité et la spiritualité de cette très jolie scène.

Scène empreinte de sensibilité et de douceur : Joseph tient Jésus dans ses bras, bel échange de regards, la main tendue de l’Enfant, peut-être pour caresser la barbe. Il tient deux roses dans sa main gauche, allusion à un des symboles de la Vierge, la rose sans épine. Bel éclat coloré du manteau orange dans ce paysage naturaliste.

En famille.

Jésus dort dans les bras de Marie. Sainte Anne, la mère de la Vierge s’apprête à le couvrir. Derrière, un homme âgé regarde l’enfant et prie, sans doute saint Joachim le père de Marie. Le petit Jean Baptiste tente de toucher Jésus, sa mère, sainte Elisabeth, le retient par la ceinture et lui montre que Jésus est endormi. La Vierge le regarde avec calme mais fermeté en levant son index lui demande de se taire.

A la lisière entre la scène religieuse et la scène de genre, ce tableau établit un lien avec la réalité du XVIIe siècle grâce à une réaction qui parait plus humaine que divine. D’autre part, le mobilier semble indiquer que la scène a peut-être lieu dans la maison de Nazareth, avec des salles en enfilade, cheminée et poutres au plafond.

Vierge allaitante.

L’église Saint-Martin de Metz abrite un ensemble remarquable en pierre datant du XIVe et sans doute peint à l’origine. Il fait partie d’un programme de recherche sur la sculpture en Lorraine et Champagne que Catherine coordonne. Dans le bras nord du transept, deux reliefs limitent une arcature gothique, à gauche un rideau fermé, à droite le rideau est ouvert sur une Nativité. Lors de l’enfantement, la Vierge est seule puisque Joseph est parti chercher une sage-femme. Il n’y a aucun témoin, le rideau est fermé sur ce mystère. De l’autre côté, à droite, la naissance a eu lieu, Marie est allongée, les épaules soutenues par un coussin. Devant elle, la mangeoire en osier tressé, encadrée par l’âne et le bœuf. Elle soulève l’Enfant qui tend les bras et s’apprête à téter. Les parois du fond, réalisées en faible relief, évoquent des panneaux de bois ajourés à la manière de claustra pour isoler la Vierge.

L’adoration.

L’adoration des anges. Purement spirituel, c’est un épisode inventé pour enrichir la révélation et la reconnaissance de la divinité de Jésus.

Dans un cadrage resserré sur les personnages, Marie dévoile le nouveau-né à deux anges adolescents qui se penchent dans une attitude naturelle, l’un les mains jointes, l’autre les bras croisés sur la poitrine. Joseph se tient derrière la Vierge. La lumière divine qui émane de L’Enfant perce l’obscurité de l’étable, tous les personnages sourient admiratifs.

Gerrit van Honthorst, Adoration de l’Enfant Jésus, 1620, Florence.

Le peintre Van Loo utilise les mêmes codes dans un style différent en ajoutant les rayons de lumière autour de la tête de l’Enfant et des têtes d’angelots ailés. L’interprétation de l’étable rend la scène spectaculaire : des piédestaux abîmés à gauche, des planches posées contre un bloc de pierre près de la Vierge. Au premier plan, la scie du charpentier et la selle.

Carle van Loo, L'adoration des anges, 1751, Brest.

L’adoration des bergers.

Elle est renseignée dans l’Evangile de Luc : « Dans les environs se trouvaient des bergers qui passaient la nuit dans les champs pour garder leurs troupeaux. L’ange du seigneur s’approcha, … leurs dit … aujourd‘hui vous est né un Sauveur… il est le Messie … vous trouverez un nouveau-né emmailloté et couché dans une mangeoire ».

Dans une salle rustique, l’âne et le bœuf au fond, st Joseph à droite. La Vierge est agenouillée sur la mangeoire où l’Enfant est allongé. Leurs dimensions imposantes font penser à une préfiguration du tombeau. A droite, deux grands anges accompagnent deux hommes qui apportent un agneau. Leur ressemblance fait référence à la commande de l’œuvre par deux frères. Jésus qui caresse l’agneau est également une préfiguration de la Passion du Christ.

Zurbaran représente un concert céleste avec des anges musiciens et une chorale d’angelots. En bas de nombreux bergers debouts ou agenouillés apportent des offrandes : des œufs dans un panier et un agneau entravé, allégorie précise là encore.

Grand peintre classique, Nicolas Poussin crée une architecture antiquisante, le thème des ruines était très en vogue au XVIIe. Il place un auvent de fortune pour évoquer l’étable. Des bergers se prosternent devant l’Enfant. Les postures sont théâtralisées. Au- dessus, un cortège d’angelots, ils tiennent des branches fleuries.

Le Nain place, lui aussi, la scène dans une architecture de ruines antiques qui lui apporte de la monumentalité. Joli moment empreint de solennité. La tête du bœuf, très proche de l’enfant rappelle la tradition populaire de son souffle réchauffant le nouveau-né. L’âne, un peu plus loin, porte encore la selle, référence au voyage de Marie et Joseph pour arriver à Bethléem.

L’adoration des mages.

L’histoire des rois mages est évoquée dans l’Evangile selon st Matthieu : « Or, des mages venant de l’Orient arrivèrent à Jérusalem … Hérode fit secrètement appeler les mages … les envoya à Bethléem en disant …quand vous l’aurez trouvé, venez me le faire savoir pour que j’aille moi aussi lui rendre hommage … revoyant l’étoile …ils entrèrent dans la maison, virent l’Enfant avec Marie… et tombant à genoux, lui rendirent hommage. Puis ils … lui offrirent … de l’or, de l’encens et de la myrrhe ». Ces cadeaux représentent les trois natures du Christ : royale, divine, et humaine.

La plus ancienne représentation de la venue des rois mages se trouve à Rome, sur un mur de la chapelle grecque dans la catacombe de Priscilla. Toujours à Rome, dans le cimetière de l’église sainte-Agnès un vestige de sarcophage datant du IVe siècle montre leur arrivée avec les dromadaires, leurs offrandes et l’étoile.

Cette magnifique mosaïque de la basilique St-Apollinaire le Neuf à Ravenne apporte d’autres détails : les costumes et bonnets phrygiens indiquent l’origine orientale. Les présents sont apportés dans des coupes ou vases précieux, peut-être en argent, le nom des mages : « Balthassar, Melchior, Gaspar ».  ils représentent aussi les trois âges de la vie : l’âge mûr portant barbe et cheveux bruns, la jeunesse, imberbe, et le plus âgé avec barbe et cheveux blancs.

La scène centrale est sculptée, les scènes latérales sont peintes. Sur le volet de gauche, l’étoile contenant la figure de l’Enfant Jésus qui tient un Tau (croix de st Antoine) apparait aux rois mages. Au centre, les figures de l’adoration sont sculptées en haut-relief (pas détachées du fond). L’étable, traitée comme une salle en ruines laissant voir le ciel et le paysage à gauche, est pourvue d’un appentis protégeant la Vierge et l’Enfant. La composition astucieuse répartit les mages, et insère l’âne, le bœuf et la mangeoire dans le mur encore intact. Le volet de droite représente le massacre des Innocents. Grande finesse, détails délicats de la végétation peinte, une certaine correspondance entre les costumes et les coiffures des rois mages font de ce triptyque un ensemble remarquable.

4 la Crèche.

D’après la légende, la tradition des crèches, est fondée par st François d’Assise. Il aurait visité la basilique de la Nativité à Bethléem et décidé de mettre en place une crèche vivante dans le village de Greccio durant la nuit de Noël 1223. Ce genre de spectacle existait en Europe à travers les Mystères, ces pièces de théâtre aux thèmes religieux, qui se jouaient devant les églises. Ce modèle de crèche vivante se développe alors en Europe au cours du XIIIe siècle. Saint François décide d’organiser la crèche vivante dans une grotte proche de Greccio dans l’intention de substituer au pèlerinage à Bethléem et Jérusalem, devenu dangereux, un pèlerinage en Italie. Peu à peu les crèches sous forme de figurines se multiplient dans les églises puis dans les familles.

Considérée comme la plus ancienne représentation de la Nativité, ces statues aux proportions réelles ont été taillées dans du tilleul et de l’orme par un sculpteur anonyme de Bologne. En 1370, le peintre Simone dei Crocifissi est chargé de réaliser la polychromie. Sans doute restaurée plusieurs fois, elle est néanmoins parvenue jusqu’à notre époque.

En Italie, une dynastie d’artistes, la famille della Robbia ( XVe – début XVIe) utilise la terracotta invertriada ( = terre cuite vernissée) pour réaliser des œuvres de grande qualité dans les églises.

Andrea della Robbia, Crèche, XVe, Volterra. --- Giovanni della Robbia, L'Adoration de l'Enfant Jésus.1521.

Attribuée à Ligier Richier, cette statue de  L'Enfant Jésus provient de la collégiale st Maxe, Bar le Duc, aujourd‘hui disparue, et décrite par Dom Calmet, historien de la Lorraine,  en 1751.

Ligier Richier, L'Enfant Jésus, Louvre.

Réalisée pour l’église Notre-Dame du Val-de-Grâce, cette oeuvre majeure, emblématique du XVIIe siècle fut transférée à l’église st Roch à Paris. Perfection des postures, des proportions, des tissus et des expressions.

Passionnante, comme toujours,  Catherine nous a fait découvrir de nombreuses œuvres originales et rares.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

Vendredi 24 janvier à 15 h (rendez-vous à 14 h 30 sur place)

au Musée de la Cour d'Or à Metz.

Visite guidée et commentée du

PLAN RELIEF et ANTIQUITES GALLO-ROMAINES

Réservation obligatoire par mail ou par tél.

lesarts57@gmail.com   ou tél.   03 87 32 05 03 

(groupe complet)

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There is always hope, 2002, Londres.

Jeudi 17 octobre 2024, 20h, belle affluence au temple de Longeville pour la conférence « BANSKY, artiste d’art urbain ». Organisée par Les Arts 57 en partenariat avec Les Amis du temple de Longeville-lès-Metz, la soirée est présentée par Catherine BOURDIEU, maîtresse de conférences en Histoire de l'Art à l'Université de Lorraine devant 71 personnes.

L’histoire du Street Art ou art urbain, est celle d’un art éphémère créé dans l’espace public de manière clandestine et illégale. A la fin des années 1960, aux Etats-Unis comme en Europe, tags et graffitis commencent à se développer. Réalisés avec des bombes de peinture, destinées à repeindre les voitures, ils s’expriment sur des propriétés privées, dans les gares, sur les trains, métros, autobus et s’apparentent à du vandalisme.

En France, l’installation de la base nucléaire sur le plateau d’Albion, déclenche chez Ernest Pignon-Ernest, la création de pochoirs à partir d’une photo d’Hiroshima qui montre l’image de la silhouette d’un passant et d’une échelle imprimés sur un mur par l’éclair atomique. Tandis qu’à Paris, Zloty, cadre aux Galeries Lafayette, peint sur les chantiers de démolition des Halles de Baltard.

Dans les années 1970-80, Jean -Michel Basquiat au graphisme reconnaissable, et Keith Haring s’expriment à New York. Finalement ces artistes qui ont commencé dans la clandestinité et hors des institutions, finissent par être exposés dans les galeries, leurs œuvres sont achetées par les musées !

Quant à Banksy, sa véritable identité n’est pas connue, très bien protégée par son entourage. On sait qu’il est britannique, originaire de Bristol. Il œuvre depuis les années 1990 et s’exprime au pochoir. Artiste engagé, il créé des scènes en lien avec l’actualité qui le touche et informe ses abonnés sur sa page Instagram.

A Bristol, une des plus anciennes peintures murales : Take the money and run, où trois voleurs fuient après un vol, porte sa signature mais a été vandalisée depuis.

1 L’engagement politique.

The Midl Mild West,1999, Bristol. – Rage, The flower Thrower, 2003, Jerusalem. – La jeune fille triste, Porte du Bataclan, 2018.

A Bristol, en 1999, un ours en peluche s’apprête à lancer un cocktail Molotov sur trois policiers. Dans ces années-là, Banksy commence à travailler au pochoir. Il est recherché par la police. La mairie demande de nettoyer les murs dès ses interventions mais peu à peu les habitants s’y opposent. A Jérusalem en 2003, sur un mur de séparation entre Israël et la Palestine, il réalise un personnage à taille réelle qui lance un bouquet de fleurs. L’homme en noir et blanc porte casquette et foulard sur la bouche, le bouquet est coloré. En 2018, sur la porte du Bataclan, il rend hommage aux victimes des attentats du 13 novembre sous la forme d’une jeune fille qui pleure. Volée, la porte est retrouvée en Italie en 2020, les voleurs emprisonnés.

Banksy a désacralisé l’art par l’emploi du graffiti, technique pas considérée comme artistique, par l’utilisation sans autorisation sur des murs, par la création de dessins subversifs sur différents supports…

En Ukraine, il réalise des œuvres au pochoir autour de Kiev. Une gymnaste prend appui et tient en équilibre sur des gravats ou sur le trou dans un mur d’abri, elle porte une minerve et agite son ruban lumineux bien haut. A Kiev, un jeune judoka met à terre un homme imposant, serait-ce une allusion à l’amour du judo de Poutine ? Maison détruite, il n’y a plus d’intimité pour cet homme dans son bain à Horenka. Banksy utilise et détourne des objets rencontrés : ces enfants représentés jouant à la balançoire sur des pièges anti-char, la vieille dame en peignoir et bigoudis sur une chaise. Elle porte un masque à gaz et un extincteur rouge et semble à la fois vulnérable et forte !  La couleur rouge commence à apparaitre plus régulièrement dans ses dessins.

En décembre 2023, il publie une photographie de sa nouvelle création : trois drones sur un panneau stop à Peckam au sud de Londres. Une heure plus tard, des voleurs sont filmés en train de dérober le panneau.

2. Rats.

Grande source d’inspiration pour par Banksy, le rat est une allégorie de l’être humain utilisée pour révéler des défauts de la société. Il est aussi inspiré par Blek le Rat, pseudo de Xavier Prou, graffeur français, pionnier du street-art dans les années 1980. Le symbole du rat est aussi associé à Banksy lui-même, comme les graffeurs, ils apparaissent la nuit et sont pourchassés.

Banksy, Rat Gangster. –  Xavier Prou, Blek le Rat.

Le rat graffeur tient un pot de peinture et un rouleau coloré en rouge. Au-dessus l’inscription « parce que je suis sans valeur » questionne. Le rat peut prend des attitudes humanisées, anarchique à lunettes dorées, rat manifestant, rat accusateur dénonçant le mensonge en fixant le spectateur droit dans les yeux « you lie » (tu mens), rat et déchets chimiques, le contenu d’un baryl déversé sur le trottoir. Rat au cutter masqué peint à Paris en 2018, sur un panneau à proximité du Centre Pompidou, et volé en 2019.

En 2004, le rat tient un radar sonique, un magnétophone et porte des écouteurs. Sonic Rat est représenté plusieurs fois dans les rues de Londres, il dénonce les écoutes contre la population londonienne. Bansky réalise aussi des exemplaires en sérigraphies vendues, numérotées et signées. Les ondes sont visualisées en cercles rouges.

Love rat, Liverpool, 2004, peinture murale d’un grand cœur. La peinture coule, il le reproduit en sérigraphie, un pinceau a remplacé le rouleau.

Slingshot rat ou Rat au lance-pierre réalisé sur un mur en béton à Bethléem au milieu des années 2000. Le mur découpé et volé reparait à la Urban Gallery de Tel Aviv en 2022.  De nombreuses questions se posent sur le lieu où il a été entreposé, à propos de transaction entre voleurs et galeriste, sur le passage de la frontière…

3 Singes.

Laugh Now est apparu pour la première fois en 2002. Une fresque murale de 6 mètres de long représentant le singe répété 10 fois a été commandé par une discothèque de Brighton. Dix chimpanzés se tiennent côte à côte, de face, présentés comme des hommes-sandwich affichant leur message menaçant : « Riez maintenant, mais un jour, nous serons aux commandes. » La peinture noire sur le fond blanc donne aux primates, normalement espiègles, un air sinistre.

Un éditeur gagne un procès contre Banksy qui perd la propriété du pochoir en mettant en évidence le fait qu’il peut être pris en photo par tout le monde. Chez Christie’s Londres, une peinture sur carton réalisée par Banksy, Laugh now est mise en vente en 2021.

Laugh now – Singe au détonateur, Londres, 2006.

4. Policiers.

Sur le mur du pub du Prince Albert à Brighton, 2 policiers s’embrassent sur la bouche : militantisme en faveur de l’acceptation de l’homosexualité par la société ? remise en question de l’autorité ? … Le pochoir est vandalisé, le pub le fait transférer sur toile et le remplace par une copie, l’original est vendu dans une vente aux enchères à Miami !

5. l’art.

La Joconde, sourire toujours énigmatique, porte un blouson, des écouteurs et tient un Bazooka. La jeune fille à la perle de Vermeer est représentée sur le mur du Dockside Studio à Bristol. La perle est remplacée par un boitier mural, de jeune fille à l’oreille percée, elle devient la jeune fille au tympan percé. Sur un autre dessin Banksy assimile ses propres pochoirs, que l’on effaçait régulièrement, à la valeur qu’ont pour nous les peintures rupestres et que nous serions horrifiés de voir détruites au karcher pour nettoyer une grotte !

6. Les enfants.

Les enfants sont aussi un support d’engagement pour Banksy. Dans Pas de jeux de ballon, des enfants jouent à la balle avec une inscription interdisant de le faire, idée que même les enfants doivent transgresser les règles de la société. En 2013, l’ensemble, retiré du mur, a été divisé en trois parties et vendu au profit des enfants défavorisés. L’année du jubilé de la Reine (2012), un pochoir montre un enfant en train de fabriquer des drapeaux britanniques, Slave labor dénonce le travail des enfants dans l’industrie textile. Ce pochoir a été arraché du mur par le propriétaire qui l’a vendu aux enchères pour 1 million de dollars !

No ball games, 2009, Londres. — No Future, 2010, Southampton. – Slave Labor, 2012.

Petite fille jouant avec un pneu enflammé : ce dessin orne un mur de la cour d’une école de Bristol pour remercier les élèves qui avaient donné le nom de Banksy à un bâtiment. Le dessin, réalisé pendant les vacances d’une manière enfantine aurait été effacé par le gardien si Banksy n’avait pas laissé une lettre l’authentifiant et permettant aux enfants d’ « y ajouter des trucs ».

Season’s greetings, (Meilleurs vœux), 2019, Port Talbot, pays de Galles.

Ce petit garçon semble jouer avec des flocons de neige et tirer la langue pour les avaler. En réalité c’est une poubelle en feu qui projette des cendres. Cette œuvre est une charge contre la ville la plus polluée du pays de Galles. Le propriétaire, un marchand d’art, louait le pochoir à la ville. Il attirait des touristes. Mais la location est jugée chère par la municipalité, le dessin est démonté en 2022 et remonté à l’université d’Irpswich à 100km de Londres.

Un petit garçon joue avec une poupée représentant une infirmière, il a jeté Batman et Superman à la poubelle. Réalisé en 2020 sur le mur de l’hôpital de Southampton, le pochoir est un hommage aux soignants lors de la pandémie de covid. En mars 2021, Banksy vend le tableau aux enchères pour 19 millions d’euros pour soutenir les soignants.

 Game changer, 2021.

Sur un mur de Nottingham, une fillette joue au hula-hoop, avec un pneu de vélo devant une vieille bicyclette attachée à un poteau et dont la roue arrière manque justement ! Inspiré du message anglais « When live gives you lemons, make limonade » = « Quand la vie te donne des citrons, fais-en de la limonade », ou transformer les inconvénients de la vie en quelque chose de meilleur : ici à défaut de pouvoir rouler sur ce vélo, la fillette s’amuse en s’adaptant ! Message d’espoir optimiste en cette période troublée, l’œuvre attire de nombreux curieux et fans de l’artiste, elle donne une certaine notoriété à la devanture du petit salon de coiffure.

Parfois, Banksy détourne de vrais objets pour installer ses pochoirs : pour faire le rat qui effraie la petite fille, il utilise un petit bout de mur où le crépis est tombé pour faire le corps du rat, ajoute la queue, les oreilles et moustaches. La rampe d’escalier pour la fillette aux bulles de savon, le tag effacé pour la vieille dame aux écouteurs, perplexe, elle observe le socle où il n’y a rien…, irrévérencieux pour celle qui éternue !

7. Scènes diverses.

Par une fenêtre ouverte, un homme cherche quelque chose, près de lui une femme en sous-vêtements et un homme nu suspendu sous la fenêtre. Œuvre peinte sur le mur d’une clinique soignant les problèmes sexuels. La ville souhaitait nettoyer les nombreux graffitis apposés sur les murs. Après une consultation en ligne, les habitants ont souhaité à 97% que ce graffiti soit préservé. Le conseil municipal de Bristol a alors accordé une autorisation rétroactive, ce qui fait de cette scène la première œuvre légale de street - art en Angleterre !

En 2010, voyage à New York, Banksy revisite quelques grands symboles de l’Amérique : Good Doctor, Lincoln SDF, la statue de la Liberté enfant…  Première distorsion : imaginer une statue comme un être humain qui a été enfant. Deuxième provocation :  en esquissant un geste impoli, il suggère qu’avant d’être cette allégorie de l’Amérique, elle a traversé une période moins empreinte de noblesse.

I love New York, 2010, Cedar Street, New York -- Lincoln SDF -- La statue de la Liberté enfant.

Sur le mur d’une maison de jeunes à Bristol, un couple s’enlace mais au lieu de se regarder, ils regardent leur portable par-dessus l’épaule de l’autre. C’est une critique de la société contemporaine où le téléphone portable isole les individus.

Mobile lovers, 2014, Bristol.

8. Des performances ou d’autres actions illustrent aussi les démarches subversives de Banksy.

En 2004, il crée cent mille faux billets de 10 livres. Il remplace le portrait de la reine par celui de Lady Diana, remplace l’inscription « Bank of England » par «Banksy of England » et au verso place un portrait de Darwin avec l’inscription « Trust no one », « Ne faites confiance à personne », il les distribue pendant le carnaval à Nothing Hill, au Reading festival. Une valise pleine est déposée et dans une station du métro de Londres. En 2019, un exemplaire est acquis par le British Muséum !

En 2004-2005, il installe des œuvres qu’il a créées dans des grands musées :

- Boite de soupe tesco et Portrait de Kate Moss rappelant les boites de Campbell’s et portrait de Marilyn au MoMa, N Y.

- Chasseur préhistorique poussant un chariot de super marché et son cartel citant l’artiste Banksymus Maximus, au British muséum qui décide de le conserver.

- Insecte porteur de missile au musée d’histoire naturelle.

- Joconde smiley au Louvre.

En 2005, exposition à Londres Crude Oils ou Huiles brutes. Il détourne et modifie des tableaux achetés aux puces.

En 2015, il crée un parc d’attraction, près de Bristol, nommé Dismaland, parodie de Disneyland (Dismal = lugubre) : accueil désagréable, château lugubre, pêche aux canards autour d’un pélican englué de mazout… ce parc, était en réalité une exposition d’artistes avec des concerts organisés pendant l’été.

La petite fille au ballon, réalisé à Londres sur le pont de Waterloo en 2002. Une petite fille lasse s’envoler un ballon en forme de cœur. Derrière elle une inscription « There is always hope », « Il y a toujours de l’espoir ». En 2014, Tony Baxter, directeur d’une entreprise d’événementiel fait prélever le pochoir au motif que sans lui l’œuvre était en voie d’effacement et n’aurait pas subsisté longtemps.

There is always hope, 2002, Londres. -- Love is in the bin, 2018.

Le 5 octobre 2018, une reproduction du pochoir est vendue pour plus d’un million de livres. C’est un tableau à l’acrylique que Banksy avait donné. Juste après son adjudication, un mécanisme interne se déclenche et déchiquète l’image jusqu’à la moitié. Le collectionneur conserve l’œuvre. Le 12 octobre suivant, Sotheby’s présente l’œuvre avec un nouveau titre « Love is in the bin » « L’amour est à la poubelle », elle prend une valeur nouvelle car elle est à la fois une pièce unique et la première œuvre créée pendant une vente aux enchères !

9. Série sur les vacances en août 2021.

Il réalise 9 pochoirs dans le sud-est de l’Angleterre.

10. Nouvelle série en août 2024 à Londres.

Conçus pour apporter un peu de légèreté aux londoniens, pendant l’été, il leur offre un nouveau pochoir dans la ville, chaque jour de la semaine.

Lundi 5 août : Bouquetin, Richmond (ouest de Londres) ; mardi : Eléphants, Chelsea ; mercredi : Singes à Shoreditch (est de Londres) ; jeudi : Loup hurlant sur une parabole à Peckam (sud) volé par 3 hommes masqués. Piranhas transformant une guérite de police en aquarium. Rhinocéros escaladant une voiture abandonnée. Pélicans au-dessus d’une vitrine de Fish and chips. Gorille libérant les animaux du zoo le 13 août.

Avec le temps, les pochoirs de Banksy sont devenus mythiques. L’identité préservée de l’artiste, des apparitions qui le montrent sans qu’on puisse l’identifier (capuche, masque, gants), l’attribution du statut d’artiste, les vols réguliers de ses pochoirs dont la valeur ne cesse d’augmenter, ses interventions en réaction à certaines pratiques et la création de deux musées, à New York et à Paris (44 rue du faubourg Montmartre, 9^e), sont des paradoxes pour cet artiste qui a une volonté de transgression et une ironie certaine envers les institutions.

Il semble que ses pochoirs font l’objet d’imitations ou d’hommages. Deux sont apparus à Bordeaux mais pas identifiés sur son compte Instagram ce qui plaide en faveur d’une imitation et témoigne de son influence parmi les artistes.

L'artiste est inventif et prolifique, mais en restant anonyme, il ne peut être reconnu comme auteur de ses œuvres.

Très belle et surprenante découverte  grâce à Catherine, vraiment passionnante comme toujours.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

Conférence le mardi 19 novembre à 20 H à Saulny.

Salle Muller (dans la salle polyvalente) de Saulny

Soirée présentée par M. Kelem COLL

" Matisse. D’une méconnaissance de l’art à sa maîtrise totale."

 Réservation obligatoire par mail ou par tél :

 lesarts57@gmail.com  ou tél.   03 87 32 05 03 

Pour cette rentrée, jeudi 5 septembre, la rencontre organisée par LesArts57 est au centre Pompidou-Metz. A 15h, Romain emmène le groupe de 24 personnes, découvrir l’exposition « Voir le temps en couleurs, les défis de la photographie. »

Aujourd’hui, des milliers d’images circulent, l’exposition va permettre de revenir aux fondamentaux. Le but pour Sam Stourdzé, commissaire de l’exposition, grand spécialiste de photographie et directeur de la Villa Médicis à Rome, est de « voir comment les avancées techniques ont permis aux photographes de conquérir l'esthétique ». L’exposition est construite en trois parties : Voir puis le temps et enfin la couleur.

La première photographie connue est Point de vue du Gras de Nicéphore Niepce. Prise depuis la fenêtre de sa maison, elle est datée de 1826. Réalisée à l’aide d’une chambre noire et d’une plaque d’étain de 16 x20 cm recouverte de bitume de Judée. Temps de pose d’au moins une journée.

Etymologiquement photographie signifie écriture de la lumière. La camera obscura (ou chambre noire), dont les origines sont difficiles à dater (Antiquité, Léonard de Vinci… ?), permet au moyen d’un petit trou percé dans une paroi de la chambre noire, de projeter l’image de la réalité renversée et inversée.

Dés l’entrée de la galerie 2, la photographie de cette ville à l’envers surprend. L’artiste cubain contemporain Abelardo Morell se réapproprie le principe de la camera obscura en transformant des pièces en chambres noires. Il capture l’image de l’intérieur et en réalise des photographies grand format.

La visite se poursuit dans une petite salle obscure qui permet de découvrir l’installation de Hans Peter Feldmann. Elle projette les ombres des objets sur le mur, rappelant le mythe de la caverne de Platon, où les images se substituent à la réalité. Collectionneur de bibelots, il les met en scène : des mécanismes font tourner les petits plateaux circulaires. Les ombres apparaissent multiples et dansantes sur un écran.

VOIR.

Révéler un sujet pour le fixer en une image sur papier est l’un des premiers enjeux de la photographie. Elle permet ainsi de faire circuler les images, de montrer des œuvres d’art, des paysages auxquels on n’a pas accès.  Elle est très vite reconnue comme un outil de préservation des biens culturels.

Près d’une copie officielle de La Joconde réalisée par un peintre italien au XVII e, et prêtée par Le Louvre, figure une photographie de Gustave Le Gray, 1854-55. Peintre de formation, il manipule les agents chimiques pour varier les tonalités dans ses tirages. Il revendique une pensée esthétique de la photographie.

Images documentaires aussi, les clichés des œuvres de Botticelli (fin XIXe) pris à la Galerie des offices à Florence, certains sur des tirages au charbon plus sombres, contrastés et résistants, d’autres sur  sur papier albuminé  offrant une meilleure brillance.

Autre rôle important de la photographie au service de la restauration des œuvres, elle permet de localiser les zones à réparer par exemple dans La Cène retrouvée très abimée.

Avec l’œuvre Repeint, une photographie agrandie à près d’un million de fois d’un échantillon de peinture prélevé sur un tableau de la Renaissance italienne du Louvre, Dove Allouche réalise une autre œuvre d’art étonnante, esthétique, témoin du temps qui passe.

Dove Allouche, Repeint_29, 2019-21. Matrice organique, carbonate de calcium, fer, grains de terre, feuille d’or, blanc de plomb, vermillon.

Constantin Brancusi, mécontent des prises de vues de ses sculptures à l’exposition de New York en 1914, décide qu’il les photographiera lui-même. Conseillé par Man Ray, il met en scène ses sculptures dans son atelier, ne laissant au hasard aucun détail : position du socle, jeux de lumières, fond de couleur… pour obtenir les meilleures images de ses sculptures, archives précieuses maintenant.

La photographie permet aussi de voir ce que l’on ne peut pas saisir à l’œil nu. Ce cliché pris grâce aux rayons X, découverts par Röntgen en 1895, montre le squelette du pied dans une chaussure.

Albert Londe, Radiographie positive d’un pied chaussé, 1898.

Viennent ensuite les conquêtes de l'infiniment petit et de l'infiniment grand. Impossible à voir à l’œil nu, le joli ordonnancement de cellules végétales de Laure Albin Guillot dans les années 1930, ou le camaïeu coloré d’une lame mince de gypse photographiée en 2019. Prises au microscope, ces photographies mélangent science et art.

Laure Albin Guillot, Planche tirée de l’album Micrographie décorative, 1931. – Dove Allouche, Tirage d’après une lame mince prélevée sur un bloc de gypse, 2019.

L’infiniment grand des montagnes ou des astres nous offre aussi des clichés incroyables. La netteté des photographies des frères Bisson dans les années 1850-60 dans le massif du Mont Blanc est remarquable. Utilisant la technique du collodion humide, procédé qui nécessite un vrai laboratoire ambulant pour développement immédiat sur place et le transport de 250 kg de matériel, ils prennent près d’une centaine de vues étonnantes. La disposition des explorateurs encordés, tout petits, donnent une idée de la difficulté du terrain et de l’échelle du glacier.

Frères Bisson, Ascension du Mont Blanc, 1860. – Savoie, La Crevasse, 1862. Epreuves sur papier albuminé d’après un négatif sur verre au collodion humide.

L’observatoire de Paris a prêté les tout premiers clichés de la Lune pris au télescope par les frères Henry dans les années 1890. La sensibilité des plaques leur permet d’obtenir un degré de précision qui dévoile la surface de la lune de façon inédite. Et que dire des incroyables photos prises depuis l’espace dans les années 1960 :  des vues de la terre, les premiers pas de l’homme sur la lune ou de la sortie extravéhiculaire non attachée… ces photographies icônes de la conquête spatiale nous montrent un monde auquel nous ne pouvons avoir accès.

Elles inspirent des artistes. Hugo Deverchère réalise des vues terrestres d’un désert de sable en Asie. En utilisant une technique de captation des astronomes (par caméra infra-rouge) et en développant les images par le procédé cyanotypique, il obtient de magnifiques photographies des dunes qui évoquent celle de la Nasa.

LE TEMPS.

Figer le temps, jouer avec le fait de prendre des photos rapidement ou à l’inverse très longuement. En 1857, Gustave Le Gray réalise des vues marines et pour rendre mer et ciel aux intensités lumineuses si différentes sur un même tirage, il assemble deux négatifs, un pour la mer, l’autre pour le ciel. Ce sont les premiers photomontages privilégiant l’aspect esthétique à l’aspect réaliste. (Le ciel ne se reflète pas dans l’eau et il était possible de retrouver le même ciel sur différentes photos !)

Prenant le contrepied de l’instantanéité, Le photographe contemporain Hiroshi Sugimoto choisit des temps de pose longs. C’est la trainée blanche de la lune qui dessine l’horizon, l’aspect cotonneux fascine. 

Hiroshi Sugimoto, Mer de Tasmanie, Baie de Marian, 2017.

Réussir à suspendre le temps, figer l’instant sur un cliché, c’est Eadweard Muybridge et Etienne-Jules Marey qui parviennent à prendre des images successives à quelques fractions de seconde d’intervalles (27 images/seconde pour le vol du goéland). Les clichés ainsi obtenus fixent différentes étapes d’un mouvement, imperceptibles à l’œil humain comme la décomposition du mouvement du saut d’un perchiste, de la course d’un cerf, du vol d’un oiseau. Le musée d’Orsay a prêté d’étonnantes planches de chronophotographies rarement visibles : course d’un porc, ruade d’un âne, saut d’un chat …  Leurs travaux serviront bien des domaines : sciences, médecine, arts … Degas, (entre autres) s’appuie sur ces découvertes pour ses sculptures.

Plus tard, le scientifique américain Harold Edgerton, inventeur du flash stroboscopique en 1926, produit des images saisissantes. L’appareil stroboscopique envoie la lumière en flashs au millionième de seconde près. Les magnifiques photographies de la goutte de lait qui jaillit, de la balle de pistolet qui traverse une pomme, la balle de tennis dans la raquette…. sont devenues iconiques.

EN   COULEURS.

Parmi les multiples essais pour relever le défi de la photographie couleur, c’est à Louis Ducos du Hauron, que l’on doit les premiers essais couleur en 1877. Il superpose trois plaques négatives pigmentées en jaune, rouge et bleu.

Un peu plus tard, les frères Lumière, en inventant le procédé des plaques autochromes, industrialise la photographie couleur en 1907. Ce sont des plaques de verre saupoudrées de microscopiques particules de fécule de pomme de terre teintées en trois couleurs.

Un dispositif permet de découvrir « les plaques précieuses d’Auguste Ponsot ». Ce physicien cherchait à améliorer le procédé Lippmann qui utilise l’ensemble des ondes lumineuses du spectre et produit des photo couleurs de grande qualité : les photographies interférentielles. En ouvrant les couvercles on peut observer ces plaques de verre colorées datant des années 1905-06 : inscrites au titre des Monuments historiques.

En 1912, le banquier, mécène et philanthrope Albert Kahn lance le projet des Archives de la planète, inventaire visuel destiné à archiver un monde en transformation. Pendant plus de vingt ans, des opérateurs se rendent dans de nombreux pays. Grace au procédé des plaques autochromes, ils photographient les paysages, les hommes et leurs activités et produisent près de 72 000 photos, précieux témoignage ethnographique.

Alors que la photographie couleur en est encore à ses balbutiements, au début des années 20, en Angleterre Yevonde Middleton expérimente beaucoup en utilisant le nouveau procédé Vivex (superposition de 3 négatifs cyan, magenta et jaune). Les clichés, hauts en couleurs, excentriques, de cette incroyable pionnière, en font une photographe reconnue dans les années 1930. Elle reçoit de nombreuses commandes publicitaires et de portraits. Elle produit une série de portraits de femmes de la haute société en costume mythologique.

Saul Leiter fut l’un des pionniers de la photographie contemporaine couleur à une époque où seul le noir et blanc était digne d’intérêt. Il capture la vie quotidienne des rues de New York dans un style unique et novateur. Il recherche les instants et les scènes fugaces. Ses images souvent floues dévoilent des cadrages originaux.

Toute la fin de l’exposition est dédiée à la couleur. Bien sûr il est impossible de tout montrer, mais dans les années 1970, l’Ecole de New York rassemble des photographe modernes, elle est bien représentée avec Helen Levitt, Stephen Shore, et Joel Meyerowitz. 

Si l'exposition débute par les reproductions photographiques de peintures, elle se termine à l'inverse par des peintures réalisées sur la base de photographies par Gerhard Richter dès le début des années 1960. Il efface les coups de pinceaux, brouille les limites entre photographie et peinture, la boucle est bouclée !

Un grand merci à Romain pour son enthousiasme, ses explications claires dans le ce domaine qui a fait partie de sa  formation aux beaux-arts, spécialité photo.  Cette belle et riche exposition mérite qu'on prenne le temps de s'y attarder, de regarder les étonnantes vidéos et d'admirer ces oeuvres superbes.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

Conférence : jeudi 17 octobre, 20h, au Temple de Longeville

« Banksy, artiste d’art urbain »

Soirée présentée par Catherine Bourdieu.

 Réservation obligatoire par mail ou tel.

lesarts57@gmail.fr   ou tél.   03 87 32 05 03 

Tout le monde est au rendez-vous ce matin frais du 1^er juin, salle polyvalente de Saulny. Nous sommes 46 à nous installer dans le bus. Assis, ceintures bouclées, notre chauffeur Patrice peut démarrer, il est 8h. Après une petite pause confort sur l’aire de Valmy, la jolie basilique Notre-Dame de l’Epine apparait dans la campagne champenoise.

Première étape :  la Basilique Notre-Dame de l’Épine.

10h 30, sur le parvis nous attendent Aurélien et Sœur Marie-Estelle pour les visites guidées. Une communauté de 6 Bénédictines de l’ordre du Sacré Cœur de Montmartre est installée au prieuré au cœur du village. Les Sœurs travaillent en collaboration avec les prêtres et les laïcs qui font vivre le sanctuaire. Elles ont une mission de présence, d'accueil et de prière. Aurélien emmène le premier groupe à l’intérieur tandis que Sœur Marie-Estelle nous présente les origines et la façade extérieure du sanctuaire.

On raconte que des bergers, la veille de l'Annonciation, le 24 mars 1400, auraient découvert une statue de la Vierge à l'Enfant dans un buisson d'épines, dégageant une forte lumière. On est en pleine guerre de Cent ans, (1337 - 1453), le pays est ravagé, la région pauvre, beaucoup de bosquets, de buissons. Une chapelle dédiée à Marie existait. Les gens du village et des environs s’y rassemblent, elle devient un lieu de pèlerinage. 

La guerre et la peste qui sévissent expliquent en partie le regain de ferveur religieuse. On construit de nombreuses églises au Moyen Âge. Les offrandes des pèlerins apportent de la prospérité économique. Les pèlerinages deviennent encore plus importants si des reliques sont présentes, soit de saints locaux, soit des éléments plus prestigieux ramenés par les croisés. Elles servent de support de spiritualité nécessaire à l’intercession avec Dieu. La statuette de la Vierge à l’Enfant en pierre date du 13^e- 14^e siècle. Une tradition des « répits » de nourrissons s’est installée, c’est-à-dire le retour momentané à la vie d’enfants mort-nés, le temps de les baptiser. Cette pratique n’était cependant pas reconnue par l’église. L'Épine semble être resté un pèlerinage traditionnel et surtout un lieu de recours spécialisé dans les demandes en lien avec la maternité et la petite enfance.

Située à 8km de Chalons, elle est connue comme but de pèlerinage important en Champagne et au-delà, à partir de 1405. La construction de l'église actuelle débute vers 1406 et se poursuivra jusqu'en 1527 pour le gros-œuvre. Le chantier démarre par le milieu de l’église et se termine par la façade de style gothique flamboyant à deux tours. Elle comporte trois portails. Un grand Christ en croix, couronné d’épines, se détache devant une petite rose et une galerie flamboyante. Des décors végétaux nombreux et variés, feuilles de laitue, de choux ornent les sculptures.

Sur la tour sud, plus élevée, deux cercles de pierre sont couronnés de huit lys, à la fois symbole de la Vierge Marie et de la royauté. Après la guerre de Cent Ans, le roi Charles VII victorieux accompagné de son fils, le futur Louis XI, alors petit garçon, vinrent remercier la Vierge Marie. Plus tard, en 1471, Louis XI offrira 1200 écus d’or. La flèche nord, arasée en 1798, pour permettre l’installation d’un télégraphe Chappe, a été reconstruite en 1868, grâce à la générosité de Napoléon III. En remerciement, une couronne portant 8 aigles a été installée sur le tambour octogonal de la tour. Plus de 120 gargouilles médiévales remarquables protègent la basilique.

Avant de pénétrer dans la basilique, Sœur Marie-Estelle nous montre une pierre gravée en 1610 : les troupes royales stationnant au village ont été affectées par l’assassinat du roi Henri IV.

A l’intérieur, une plaque rappelle qu’en 1914 lors de la bataille de la Marne, il était question de détruire les flèches trop repérables pour l’ennemi, le capitaine Louis d’Hangouwart, en demandant un délai de réflexion, les sauva de la destruction.

La nef, voûtée d’ogives et dotée de fenêtres hautes, est d’une jolie couleur blonde caractéristique de la pierre de Savonnières (Meuse). Un superbe jubé délimite l’espace sacré. Datant du 15^e siècle, il est surmonté d’une balustrade ajourée avec épines.

Il porte une poutre de gloire, érigée au 16^e : un grand Christ en croix, couronné d’épines, avec, à ses pieds, les statues de Marie et Jean. A ses extrémités, la croix fleurit en fleurs de lys, signe annonciateur de la vie qui jaillit après la mort. Sur le jubé, les insignes de la clochette et du pavillon, donnés par le pape Pie X, rappellent que l’église de l’Epine a été élevée au rang de basilique en 1914. Lors de la visite d’un pape, son entrée est accompagnée avec la clochette et il est abrité sous le parasol ou pavillon. Tandis qu’une cathédrale est l’église principale d’un diocèse où se trouve une cathèdre, siège de l’évêque.

L’arcade droite du jubé abrite une niche contenant la copie de la statue de la Vierge du buisson. L’originale du 14^e siècle est exposée lors des grandes fêtes mariales.

Etonnant, le puit creusé pour le chantier en 1406 est encore présent. Profond de 27m, on y puise encore de l’eau pour les baptêmes ou pour les fidèles qui souhaitent boire son eau, on lui prête des vertus de fécondité et de guérison.

A l’arrière du jubé, caché dans la décoration, un escargot choisit les tables de la loi plutôt que la feuille de salade, symbole de « la foi en progrès » car l’escargot ne recule jamais !  

Dans une des chapelles, une superbe Mise au tombeau provenant d’un couvent de Chalons, a ainsi été sauvé de la destruction à la Révolution. Ce groupe sculpté, aux personnages à taille réelle, est daté de 1550. Il représente la scène de l’ensevelissement du Christ, le soir du Vendredi Saint.

Nicodème et Joseph d’Arimathie l’ont détaché de la croix. Le Christ est étendu sur le linceul. D’une grande vérité anatomique, il a les mains posées sur le périzonium. Deux anges portent les instruments de la Passion : la tour de flagellation et la croix. Marie est soutenue par Jean, tous deux sculptés dans le même bloc de pierre. Deux saintes femmes et Marie-Madeleine aux longs cheveux, portent déjà les aromates pour embaumer le corps au matin de Pâques. Des larmes sont sculptées sur les visages. Tous les regards convergent vers le Christ. Malgré la douleur, cette sculpture dégage beaucoup de paix et de sérénité.  

Sœur Marie Estelle nous conduit devant un petit monument étonnant, voûté d’ogives : le trésor ou tabernacle - reliquaire daté de 1543. Les reliques y sont conservées parmi lesquelles un morceau de la Sainte Croix, un fragment de la grotte de la nativité rapportés de Terre Sainte par un pèlerin… La partie tabernacle abritait les hosties, coté interne. La fresque, côté externe, représente la Vierge Marie entourée de ses nombreux symboles bibliques, lys, rose, jardin clos, puits, palmier, tour de David, temple de Salomon, …A ses pieds, des offrandes dans un panier.

Notre-Dame de L'Épine a toujours frappé les voyageurs et inspiré les écrivains, en particulier Victor Hugo : « …surprise étrange de voir s’épanouir…dans ces champs, …cette splendide fleur de l’architecture gothique… »  (Lettre à un ami, 1842). Elle a été classée monument historique en 1840 et inscrite en 1998 sur la liste du patrimoine mondial par l'Unesco au titre des chemins de Saint-Jacques-de-Compostelle en France.

La visite guidée intérieure terminée, nous avons encore un peu de temps pour admirer l’extérieur et ses gargouilles incroyables, « particulièrement compliquées et curieuses. Elles se composent de deux monstres dont l’un porte l’autre sur les épaules… » Victor Hugo, Lettre à un ami, 1842.

A 11h30, nous rejoignons le bus garé sur une petite place, pour nous rendre au restaurant « La Victoire » à Valmy. Convivialité et bonne humeur sont au rendez vous de ce repas dont le chef, d’origine grecque, a proposé des assiettes généreuses. 

Deuxième étape :  Valmy.

Repas si agréable que nous avons pris un peu de retard sur l’horaire prévu, 14h passées, il est temps de nous rendre sur le site historique de Valmy. Invisible de loin, le centre d’interprétation, semi-enterré, est construit à même le flanc de colline. Il préserve ainsi le panorama à 360° dont le point culminant demeure le moulin. Maîtrise d’œuvre et scénographie ont été confiées à l’architecte Pierre-Louis Faloci.  

Une entaille dans la butte nous conduit vers « Valmy 1792 ». Arrivés dans le hall d’accueil, deux groupes se reforment, l’un démarre par le centre d’interprétation, l’autre se rend au moulin. Le musée propose un parcours expliquant les enjeux et le déroulement de la bataille.

Le couloir chronologique rappelle le contexte politique et social de la France, le long duquel des alvéoles évoquent différents thèmes. La première concerne : le Paris révolutionnaire : prise de la Bastille, Déclaration des droits de l’Homme, fuite à Varennes…

Les modules suivants présentent la mise en place des troupes, l’équipement des soldats, des collections d’armes… Les uniformes français sont soit blancs pour les soldats professionnels (royaux) soit bleus pour les soldats volontaires (moins expérimentés). Le point d’orgue de la visite est certainement la magnifique maquette animée de 4 x 2,50 m, restituant la topographie des lieux. Elle reconstitue les mouvements des troupes depuis les premières heures de la bataille jusqu’au crépuscule. L’ambiance des combats est simulée par des détonations. La stratégie des généraux très bien expliquée, les signes et politesses entre gens bien éduqués pour envoyer les hommes au front est étonnante.

En 1791, sous la pression de l’aristocratie française émigrée et craignant que les idées révolutionnaires ne se propagent à toute l’Europe, Léopold II d’Autriche et Frédéric Guillaume II de Prusse enjoignent le peuple de France à ne pas attenter à la souveraineté de Louis XVI. Cette annonce passe pour une provocation. Au grand étonnement de toute l’Europe, l’Assemblée nationale française déclare la guerre au « roi de Bohème et Hongrie », Léopold, aussi Empereur du Saint Empire Romain Germanique en avril 1792.

Au mois de septembre 1792, les troupes austro-prussiennes commandées par le duc de Brunswick prennent la direction de Paris. La coalition progresse rapidement et arrive à hauteur de Sainte-Ménehould. Plus rien ne semble pouvoir arrêter leur progression jusqu’à Paris. Sur ordre de l’Assemblée nationale, le général Dumouriez, à la tête de l’armée du Nord (30 000 soldats), réagit et élabore un plan de bataille audacieux. Le général Kellermann (armée du Centre, 35 000 hommes) le rejoint. L’objectif : couper les Prussiens de leur précieux ravitaillement venant de Verdun et les forcer à mener combat en Argonne. Le 20 septembre 1792, le théâtre des opérations est fixé : Brunswick affrontera les armées de Dumouriez et Kellermann sur les hauteurs du village de Valmy.

Galvanisés par l’enthousiasme de Kellermann au cri de « Vive la nation » et soutenus par les puissants canons Gribeauval, les révolutionnaires maintiennent leurs positions et contre toute attente, tiennent en échec la coalition. La bataille est perdue pour les Prussiens. Goethe, présent sur le champ de bataille écrira que « de ce lieu, de ce jour, date une nouvelle époque de l’histoire du monde ». La 1ère République est proclamée à Paris le lendemain, le 21 septembre 1792.

Goethe, présent sur le champ de bataille écrira que « de ce lieu, de ce jour, date une nouvelle époque de l’histoire du monde ». La 1ère République est proclamée à Paris le lendemain, le 21 septembre 1792.

Pièce d’artillerie rare : le fameux canon Gribeauval est exposé. Il ne reste que très peu d’exemplaires complets (affût en bois et tube métallique) dans le monde. Ce type de pièce était utilisé par l’armée française lors des guerres de la Révolution puis dans les armées napoléoniennes. Derrière la baie vitrée, on aperçoit le moulin de Valmy.

La bataille de Valmy est restée dans la mémoire populaire pour sa charge symbolique. Elle a vu s’affronter deux visions du monde : d’un côté la monarchie absolue incarnée par l’Autriche et la Prusse, de l’autre la liberté et l’égalité des droits affirmées par la Révolution Française. 

Le temps imparti pour la visite du centre historique terminé, le parcours du groupe se poursuit au pied du moulin, au sommet de la butte.

Pauline nous accueille au moulin. Nous admirons ce superbe panorama à 360°, site de la bataille. C’est le 4^ème moulin depuis la construction du moulin originel au XVIe siècle. Les moulins à vent permettaient la transformation du grain en farine, il y en avait un tous les 10km environ. Point de repère idéal pour l’armée adverse, il est détruit pendant la bataille de Valmy sur ordre de Kellermann. Le meunier sera indemnisé, son moulin reconstruit. Cependant, ce moulin à vent n’a pas pu soutenir la concurrence des moulins à eau qui se multiplient au début du XIXe siècle. Il est rasé. Plus tard, Valmy devient un lieu de mémoire, symbole de la victoire de la Révolution. En 1947, un nouveau moulin venu des Flandres est inauguré … mais balayé par la tempête de 1999.

En 2005, un nouveau moulin sur pivot, construit dans les ateliers de Villeneuve d’Ascq, est inauguré. Contrairement aux moulins provençaux dont le toit tourne avec les ailes, pour celui-ci, c’est toute la structure qui tourne. Pour mettre les ailes au vent, il est orientable par la poutre de l’escalier, la cage tourne, l’escalier suit. Sa forme plus trapue est typique des moulins de Champagne au XVIIIe siècle, différente des moulins flamants plus élancés. Son mécanisme est complet, parfaitement fonctionnel et peut produire la farine. Il est mis en mouvement et ouvert au public quatre fois dans l’année : à Pâques, en mai, au 14 juillet et aux journées du patrimoine. Malheureusement, ses ailes sont tombées en 2022, victimes d’un champignon qui a rongé la tête de l’arbre moteur. Une équipe d’architectes travaille à leur reconstruction qui devrait se concrétiser en 2025. Ils réfléchissent à un dispositif permettant d’évacuer l’humidité et ferait tourner plus régulièrement les ailes. 

Les ailes sont portées par un énorme arbre en chêne provenant de la forêt d’Orléans. Elles ne tournent que recouvertes de toile. Un ingénieux système de cordages pour monter les sacs de grain, des roues dentées en bois, pignon, lanterne désaxée qui entraine la meule tournante sur la meule dormante, une trémie pour vider le grain entre les meules, un deuxième système à couteaux dans un tonneau de brassage pour obtenir une mouture plus fine… témoignent d’un magnifique travail de conception, de réalisation et de travail du bois !

Pauline est passionnante mais l’horloge tourne, nous n’avons plus le temps de nous rendre au monument de Kellermann : une statue en bronze représentant le général victorieux, bicorne en main, et sabre au poing. Il souhaitait que son cœur repose là où il a mené sa plus grande bataille, il est conservé dans un petit obélisque à proximité, son corps se trouve au cimetière du père Lachaise. Sur le parcours, un petit monument abrite les cendres de la princesse Ginetti, son arrière-petite-fille qui a beaucoup œuvré pour honorer la mémoire de son aïeul.

Troisième étape :  le musée de la Princerie à Verdun.  

Sous une fine pluie, nous rejoignons le bus. Un trajet d’environ 45 mn est nécessaire pour arriver à Verdun. Le musée de la Princerie est situé sur les hauteurs, dans la vieille ville. Approche difficile du bus, pour cause de travaux dans la ville, de sens interdits, … finalement garé en contrebas, il nous faut gravir à pied une montée pour parvenir au musée.

Cette ancienne bâtisse Renaissance est située à l’emplacement supposé de la maison du Princier. Le princier était jusqu’au 14^e siècle le plus haut personnage religieux après l’évêque.Les chanoines De Musson construisirent en 1525 cette belle demeure avec cour et jardin d’agrément. Rachetée par la ville après la 1^ère guerre, le musée y est installé depuis 1932. Tandis qu’un premier groupe démarre la visite intérieure, nous découvrons la cour, sa double galerie élégante aux arches en anse de panier. Elle accueille une impressionnante collection de taques de cheminées.

Guidé par Cindy, le deuxième groupe peut entrer. Le fond du musée était essentiellement composé d’animaux naturalisés et de minéraux. Depuis, les collections se sont enrichies par des pièces se rapportant à l’histoire de Verdun et de ses environs depuis la préhistoire jusqu’au XXe siècle.

Cette salle d’entrée présente des trésors médiévaux. Au centre, les gisants de François de Sainctignon et de son épouse, bailli de l’évêché de Verdun et chambellan du duc de Lorraine au 16^e siècle. A leurs pieds, deux chiens allongés, symboles de fidélité. Dans la 1ère vitrine, un beau crâne sculpté en marbre attribué à Ligier-Richier (16^e s.). Au fond, de belles statues médiévales ayant gardé leur polychromie d’origine en particulier saint Roch, saint guérisseur populaire invoqué contre la peste qui a durement frappé la Lorraine au 16^e s. Touché lui-même, il en montre les signes sur sa cuisse.

Un remarquable peigne liturgique en ivoire, d’origine anglo-normande, finement sculpté en bas-relief, daté vers 1120, cet objet était utilisé uniquement par l’évêque avant un office religieux. Il aurait été offert à Henry de Winchester devenu évêque de Verdun en 1117.

Dans la petite chapelle gothique au fond, une rare Vierge à l’Enfant en bois polychrome provenant d’une église meusienne et datée du 12^e s.

La salle suivante est consacrée à la préhistoire, de nombreux fossiles y sont exposés parmi lesquels une mâchoire de crocodilien, (jurassique, 150 millions d’années) une dent de mammouth, (paléolithique, -300 000à - 40 000 ans) … trouvés dans la carrière d’Haudainville (Meuse).  Différents outils provenant d’agriculteurs éleveurs trouvés dans des sites meusiens (néolithique, -6000 à -2000 ans) témoignent de l’implantation humaine très ancienne sur ce territoire.

Une autre salle dépeint Verdun et ses environs à l’époque gallo-romaine. Des objets de la vie quotidienne sont exposés des bijoux, accessoires de vêtements, colliers, torques, fibules, en bronze, objets en verre, en os, céramiques. Pour la partie mérovingienne, travail de l’or de l’argent, orfèvrerie d’une plus grande délicatesse, …

Nous pressons un peu le pas, le musée ferme normalement à 18h mais Cindy, nous offre généreusement du temps supplémentaire. A l’étage, une petite salle consacrée au mobilier lorrain, une autre à l’histoire de Verdun. Cité épiscopale au rayonnement important, elle est l’un des « Trois-Evêchés » avec Metz et Toul. Ville de garnison, rôle militaire mais aussi cité sur l’eau, Verdun a su exploiter la Meuse pour alimenter son commerce et ses activités artisanales et industrielles.

L’ Allégorie de Verdun, sculpture en plâtre de Henri Frédéric Varenne, maquette préparatoire pour celle située sur le fronton de la gare de l’Est à Paris. Femme casquée tenant épée et bouclier aux armes de la ville.1929.

Emblème de la ville, la dragée est née à Verdun au XIII e s. Afin d’améliorer la conservation et le transport des amandes, un apothicaire eut l’idée de les enrober de sucre. Très vite, elle devient une friandise luxueuse prisée à la cour. Les boites et leurs couvercles peints à la main par des artistes devenaient des objets au décors raffinés, particulièrement appréciés. Au 19^e s., 72 tonnes de dragées sont produites chaque année par trois fabriques Lizer-Mayeur, Baudot et la plus célèbre Braquier.

La cristallerie Model développe un art verrier original à partir de 1930 : opalescence, effet de givre…

Les salles suivantes présentent peintures, dessins, accrochage temporaire, travaux d’enfants en collaboration avec les écoles … Le fonds de peinture est constitué par des portraits d’apparat des 17^e s. et 18^e s., des œuvres peintes au 19^e s. par des artistes locaux : Hector Leroux ou Jean-Jacques Henner et Jules Bastien -Lepage, particulièrement apprécié !

Composition pyramidale, la jeune fille songeuse aux traits idéalisés, entourée de putti sont des éléments issus de l’enseignement académique. Cependant de nombreux détails témoignent d’une recherche de réalisme dans le travail de Jules Bastien-Lepage. La position assise avec lassitude, les habits de travail, mains sales et pieds nus de l’enfant témoignent d’une journée de labeur. Une grande attention est portée à la représentation du paysage, arbres et fleurs de la campagne meusienne, et, en arrière- plan, le village-rue typiquement lorrain. Cette œuvre est un bon exemple des influences multiples du peintre, qui se détache de l’enseignement classique pour tendre vers plus de naturalisme.

Jules Bastien -Lepage, La Chanson du printemps, 1874. (Présentée au Salon de 1874.)

Une exposition temporaire « correspondances » propose de renouveler le regard de certaines œuvres à travers une approche différente, plus sensible. Certains tableaux anciens sont associés à des œuvres contemporaines dans une juxtaposition qui interroge, interpelle…

Cet artiste alsacien est tombé en admiration devant le désert de sel bolivien en 2013. Lors de pluie, la surface se transforme en miroir. Il photographie sa sculpture en briques de sel, 3 m de diamètre. Planète éphémère qu’il nomme Elina :  du grec Hélè pour le soleil et Na pour le sodium.

Des ruines antiques côtoient des bâtiments modernes dans des paysages semi-imaginaires. Les ruines de Trèves dévoilent la vallée de la Moselle et les restes antiques de Jouy. Fantaisie du peintre, ce tableau s’inscrit dans la tradition des caprices, genre pictural né en Italie au 18^e s.

Ces deux grandes toiles placées à proximité l’une de l’autre, par exemple, questionnent sur l’imaginaire de ces deux artistes à des périodes différentes !  Ce petit musée mérite qu’on s’y attarde davantage, d’autant que l’accueil y a été très bienveillant malgré le dépassement horaire.

Chacun à son rythme, nous redescendons pour retrouver notre bus par des chemins différents et découvrons des aspects de la ville de Verdun qui rappellent de bons souvenirs à certaines qui connaissaient bien les lieux. Préparée par Catherine, que nous remercions encore, cette belle journée si conviviale, intéressante, à la découverte de ce patrimoine pas si éloigné, a beaucoup plu à tous les participants.