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Avec ce sujet, Monsieur Huesca, Professeur des universités en esthétique à l’Université de Lorraine, nous a menés  vers des découvertes étonnantes,  illustrant son propos  avec  des vidéos sollicitant beaucoup notre « empathie kinesthésique » comme il l’a nommée ! Nous étions une quarantaine de personnes, et de fait, notre sensibilité a été effectivement très sollicitée, mais  n’est-ce pas ce pourquoi nous sommes attirés par l’Art.

Il a étudié 46 pièces et mené des entretiens avec de nombreux danseurs et chorégraphes, essayant avec patience et tact d’aborder des questions qui ne vont pas de soi, puisqu’en abordant la «nudité », on questionne   l’intime  et la pudeur. 

Comment parler de ce sujet ?  Être juste n'est pas facile. Quand on parle de nudité, ce que l'on croit le plus évident, nous échappe.

Partir d'un a priori : la nudité prend un sens dans une société à un moment donné. Quel sens prend ce mot entre 1995 et 2005 ?

Première remarque : la nudité (ce qui est mouvant, la chair), n'est pas le nu (statique et lisse, référence au Beau). 

Deuxième remarque : à partir de  la pièce Good Boy, chorégraphie de Jérôme Bel, ancien assistant de Philippe Découfflé, jusqu’aux années 1980, années naïves, jubilatoires où, le rire, l’insouciance et la fête de génération spontanée et pas formatée, s’épanouissaient. (cf. le défilé du 14 Juillet1989)

Diffusion du 1er extrait : Jérôme Bel de Jérôme Bel,  chorégraphe et danseur.

C’est une danse très conceptuelle, une Non -Danse diront certains critiques. Pour ces chorégraphes, c’est retrouver le degré zéro de la danse, de la musique, lumière, costume. Résolument nihiliste,  le chorégraphe est sans cesse à la recherche de nouvelles vérités du corps » (R. Huesca), à la recherche aussi du sens qui va arriver sur  la scène. On quitte la nudité parfaite et lisse, marmoréenne,   entité statique représentant le « Beau » (en référence à Hegel) pour aborder un domaine beaucoup plus perturbant,  la nudité vivante, (en référence à Nietzsche).

Explication de cette œuvre :

1 - Emergence du SIDA ; insouciance jusqu'aux années 1980 ; dès 1987-1988, l'atmosphère est plombée ; les corps vigoureux passent d'Eros à Thanatos ; confrontés au  traumatisme du corps pris  en défaut, quelques-uns adoptèrent une la démarche très personnelle pour découvrir que le  corps, dans lequel  le danseur puise sa confiance,  se dérobe : outil de plaisir, il devient à la fois outil de souffrance et même de  mort. … apparaissent alors beaucoup de questionnements sur le corps.

2 - En France, il n'existe pas de culture théorique de la danse, pas de cours d'esthétique de la danse ni d'histoire de la danse ; alors les danseurs et les chorégraphes commencent à lire des philosophes, Michel Foucaud, Gilles Deleuze, Roland Barthes.

Jérôme Bel se prend en main, se territorialise et attire le regard vers des zones spécifiques. Il cache des signes sexuels pour créer une connivence entre les corps. Il fait des pelotes de ses poils et montre des grains de beauté. Les danseurs nus se tirent la peau, les spectateurs le ressentent, ce qui crée une empathie. Ils utilisent leur peau comme un écran  et une mise en question de leur limite corporelle.  J. Bel affirme que pour voir ses pièces, il faut traverser l'ennui.

Diffusion du 2e extrait : chorégraphie de Xavier Leroy.

Danse conceptuelle aussi. La posture du danseur est si complexe qu'on a du mal à reconnaître les parties du corps. Naturellement, un personnage est vu et imaginé debout ; si on ne voit ni son visage, ni son sexe, ni son environnement, on est perdu. Qu'est-ce que voir ? Comment voit-on ? Pourquoi voit-on ainsi ?

Réflexion sur les images pré-établies, le tissu imaginaire du réel selon Merleau-Ponti.

Xavier Le Roy, Alain Buffard questionnent la perception même du corps par le regard de l’ autre, donnant à voir un corps que l’ on ne reconnait pas, il est inconnu alors qu'on croit le connaître…Tout repère spatial permettant le  déchiffrage de la Figure du corps semble impossible dès lors que l’environnement manque. Et notre besoin permanent de produire du sens  à partir de nos sensations est pris en défaut, et nous laisse désarçonnés.

Chorégraphie de Maria Donata d'Urso.

Diffusion du 3e extrait : chorégraphie de Boris Charmax.

Deux couples, l'un effectue une danse-contact, l'autre une danse à distance.

Qu'est-ce que le passé du corps dénudé ? Déconstruction du corps nu, du couple.

Dans un cas, les corps évoluent toujours l'un sur l'autre ; dans le 2e cas, les corps communiquent à distance, en référence à la philosophie de la chair de Merleau-Ponti  :  l'espace qui nous unit.

Diffusion du 4e extrait :  «  Les flux », de Jan Fabre.

Il travaille sur les pratiques du studio et de l'entraînement, fait  évoluer ses danseurs dans l'huile d'olive, référence à Deleuze ; on part de sports à points d'appui à des sports de flux (parapente, roller) …Dans des bains d’huile, le mouvement ne se maîtrise plus totalement, on glisse du conceptuel à l’érotique .

On peut aussi  relier cela à un autre rapport aux flux : le sang, les larmes, l'urine.

Diffusion du 5e extrait : Gaëlle Bourges dans « La Belle Indifférence » rapport avec le thème de la femme, faire de son sexe une œuvre d'art.

Une bande son diffuse la voix de Daniel Arasse évoquant les  tableaux de nus féminins, ce qui renvoie à l'histoire de l'art.

Première étape : trois danseuses miment des compositions ; la lumière est blanche en référence au marbre, ce qui désérotise le corps ; la nudité disparaît derrière la parole.

Deuxième étape : la lumière change et devient plus ocre ; la bande son est une voix de femme qui décrit un homme client de prostituées ; les danseuses représentent alors les prostituées. Ce qu'on voit est compris différemment !

Que dire de la nudité des femmes, comment prendre conscience du discours implicite qui dirige nos perceptions du corps féminin, corps de déesses, de prostitués ou de statues, exposés au regard intrusif ou contemplateur. De nombreuses pièces de Gaëlle Bourges, chorégraphe féministe, portent sur la fabrique du regard ; qu'est-ce que voir ?

Diffusion du 6e extrait : Les Gens d Uterpan dans "Parterre". (2009).

 Réflexion sur les enjeux de l'intime. Ils interviennent de manière inopinée avant un spectacle de danse contemporaine. Performance qui n'apparaît jamais dans les programmes officiellement.

Première étape : depuis le haut de la salle, des danseurs habillés descendent en passant sur les spectateurs. Deuxième étape : les danseurs se déshabillent et roulent une deuxième fois, dans « un rapport direct avec le public, le corps et la pratique du danseur ». Les danseurs se sentent très solitaires ; ils sont nus et en contact avec les spectateurs. Rapport entre vulnérabilité et puissance. Peu de monde quitte la salle et malgré l’extraordinaire mise en scène, elle ne provoque aucun rejet ni violence, comme si la nudité nous faisait immédiatement comprendre et ressentir la fragilité de l’humain et notre devoir de responsabilité envers l’autre. (évocation de Levinas et de son « Visage de l’Autre »). Les danseurs ont révélé à Roland Huesca n'avoir jamais subi de gestes déplacés, les spectateurs se sentent responsables, réagissent avec délicatesse.

Diffusion du 7e extrait : "Tragédie" de Olivier Dubois.

Retour d'Eros avec la génération post-SIDA.

Danses dionysiaques et érotiques.

Voilà donc une soirée un peu inhabituelle pour notre association, à la découverte  d’une facette assez ardue  et  posant certainement beaucoup de questions intéressantes auxquelles il y aura de multiples réponses.

Prochaines rencontres avec Les Arts 57:

Lundi 4 juin à 20 h à SAULNY, Salle Muller (salle polyvalente,

thème de "Balade dans les rues de Metz : entre histoire et anecdotes"

Conférence présentée par Monsieur Claude SPITZNAGEL,  passionné de la région, de son histoire, un des auteurs de la revue numérique  "PASSE-PRESENT".

Participation : 3 euros pour adhérents et étudiants ; 5 euros pour non-adhérents

Réservation souhaitée par mail ou par tél :

lesarts57@hotmail.fr   ou tél.   03 87 32 05 03 - 06 84 35 19 96

Sortie le samedi 23 juin 2018 :

Excursion dans l'ancien duché de Bar et en Pays messin. 

7h15 : rendez-vous à SAULNY,

8h00 : VALLEROY , statues d' Amilcar Zannoni.

9h15 : HATRIZE , ferme fortifiée, église.

10h30 : JARNY, Château de Moncel, XIXe siècle, (visite extérieure) et parc à l'anglaise.

12h00 : Déjeuner Chez Delphine, lieu-dit  ferme de Moscou.

14h30 : GORZE palais abbatial, église Saint-Etienne

Toutes les visites seront accompagnées par Catherine Bourdieu.

Retour à Saulny vers 18h30.

Participation :     35 euros adhérents - 40 euros non-adhérents.

L'inscription sera validée après réception de votre chèque de réservation.

                                   Réservation souhaitée par mail ou par tél :

lesarts57@hotmail.fr   ou tél.   03 87 32 05 03 - 06 84 35 19 96

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Encore un grand succès que cette belle rencontre, fruit de la collaboration entre Les Arts 57 et l’association Echanges et Culture de Longeville. 108 personnes venues redécouvrir les Années Folles  et l’Art déco présentés si agréablement par  Catherine Bourdieu, Maitre de Conférences  en histoire de l’art à l’Université de Lorraine.

1920-1929 : période des Années Folles. A Paris, Montparnasse et Montmartre  sont les  lieux de prédilection des artistes,  dans des cafés ou cabarets : la Coupole,  la Closerie des Lilas, Le Bœuf sur le toit…

Des écrivains américains (Fitzgerald, Miller, Hemingway) côtoient les peintres de toutes  les  nationalités : Soutine, Modigliani, Chagall, Van Dongen, Foujita, ceux du mouvement surréaliste : Ernst, Miro, Picabia, et Dali, les écrivains : Breton, Aragon, Eluard, Desnos, les sculpteurs : Jean Arp, Germaine Richier, les cinéastes : Buñuel, Cocteau,  René Clair...

Le jazz, la revue nègre avec Joséphine Baker aux Folies Bergères, le Charleston, les musiques de Sidney Bechet, le Music-Hall avec Mistinguett et Maurice Chevalier remportent un succès considérable, favorisé par l’essor de la radio. Nouvel engouement aussi pour le sport : le Tour de France, le football, le rugby, le tennis, les Jeux olympiques de Paris en 1924.

1909-1930 : l’Art déco signifie à la fois une époque, un style et un art de vivre. 

1909 : trois évènements annoncent le mouvement Art déco : les ballets russes de Diaghilev au Chatelet, la représentation géométrique des Paysages espagnols de Picasso, et du Château de la Roche-Guyon de Braque. 

1930 : Salon des artistes décorateurs à Paris avec le Bauhaus (Gropius, Mies Van der Hohe), exposition au musée des Arts décoratifs avec R. Mallet-Stevens, architecture et arts appliqués.

Le mouvement Art déco peut aussi s’appeler Style 1925, expression utilisée à partir des années 1960 dans l’univers des antiquaires, elle rassemble  les arts du décor, l’architecture, la peinture, la sculpture, le mobilier, la mode et  le graphisme  de l’entre-deux guerres. Appellation provenant de l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes  de 1925 à Paris regroupant 21 pays, 150 pavillons, 20 000 artisans et artistes.

Le pavillon le plus représentatif est  l’Hôtel du collectionneur aussi appelé pavillon Ruhlmann du nom du « maître d’œuvre ». Il s’agit de concevoir la demeure idéale d’un amateur d’art fortuné, œuvre d’art totale  réunissant 40 créateurs parmi les plus grands du moment !

Architecte : Pierre Patout, simplification des masses. Façade sur jardin : 2 portiques à colonnes encadrent une rotonde. Bas-relief de la Danse sculpté par Joseph Bernard.

Les principes de l’Art déco  rejettent l’académisme et l’Art nouveau : les lignes ondulantes et végétales sont abandonnées. Les formes géométriques, volumes épurés,  décors plus réduits, et  faibles reliefs n’excluent  pas le goût pour les matériaux précieux, ivoire, nacre, mosaïques, vitraux, marqueteries colorées…

 Les millions de visiteurs découvrent  des modèles d’aménagement,  de décor de la vie quotidienne, le papier peint, le mobilier, les arts de la table mais aussi les carrosseries automobiles, les enseignes des magasins…

L’Art  déco  ou style 1925 gagne  tous les domaines même la mode, avec le symbole de l’émancipation féminine : la garçonne, issu du titre du roman de Victor Margueritte, 1922. L’idéal féminin est androgyne, disparition du corset, les jupes remontent jusqu’aux  genoux,  cheveux courts et maquillage. Des américains inventent le tube de rouge à lèvres d’abord coulissant puis pivotant ;  en 1927 est créé le fameux Rouge baiser, mat, indélébile, permet d’embrasser sans laisser de traces !

   Kiki de Montparnasse, modèle de Modigliani et Foujita,

   muse et compagne de Man Ray : le violon d’Ingres, 1924.

Championne de tennis Suzanne Lenglen.

Ligne de vêtements de sport, le sportwear, créée par               le couturier Jean Patou : jupe plissée de soie blanche               s ‘arrêtant aux genoux, cardigan sans manches, bas à jarretières et bandeau en tulle.

L’architecture Art déco se reconnait dans des villas, immeubles, commerces, cinémas, théâtres, casinos, écoles, piscines, stades, postes,  gares,  musées, monuments aux morts, stations-services, paquebots ….

Villas pour des amateurs d’art et collectionneurs fortunés qui apprécient l’innovation et favorisent l’émergence des artistes.

 Villa Leïhorra à Cibourre, baie de St- Jean-de-Luz, la plus belle du Pays Basque. 1926, pour Caroline Signoret. Axe est-ouest pour suivre la course du soleil. Concept d’art total : architecte Joseph Hiriart crée bâtiment et dispositif décoratif.

Villa E-1027 à Roquebrune-Cap-Martin.

 Accès par le sentier des douaniers, le nom de la villa est un code entre l’architecte irlandaise Eileen Gray et  Jean Badovici, directeur de  magazine.  C’est leur maison de vacances.

 Extérieurement utilise les 5 points de l’architecture moderne selon Le Corbusier : pilotis, toit-terrasse, plan libre par la suppression des murs porteurs, fenêtres en bandeau, façade plaquée sur la structure.

Villa  Cavrois à Croix, près de Roubaix pour Paul Cavrois, industriel dans le textile. Il choisit  l’architecte Mallet-Stevens vu à l’expo 1925. Œuvre d’art totale, avec pour consignes : air, lumière, travail, sports, hygiène, confort et économie ! Elle doit être vaste : 7 enfants + logement du personnel.

60 m de long, 2400 m2  habitables, parc de 5 ha. Matériaux : béton, briques, métal, acier, verre, marbre, planchers en bois précieux, parquet  Noël. Eau courante chaude et froide, horloge électrique et téléphone interne et externe dans toutes les pièces, éclairage savant avec lumière dirigée vers le plafond plus proche de la lumière naturelle. Grandes surfaces vitrées, toit terrasse, pas de décor façade, lignes sobres. Aile des parents, aile des enfants et domestiques.

Cinémas :

Le Grand Rex, Paris 2^ème arr, modèle réduit du Radio City hall de New-York, façade conçue par Auguste Bluysens. 

Le Palace, Beaumont- sur- Oise, 1928 lieux de tournage de la Dernière Séance d’ Eddy Mitchell. Façade style paquebot avec hublots.

Théâtre des Champs-Elysées, 1913, façade plaquée de travertin ornée de bas-reliefs en marbre blanc de Bourdelle. Abrite une grande salle à l’italienne pour la musique et l’opéra (1900 places), 2 salles  de théâtre : la Comédie des Champs- Élysées (600 places), le Studio des Champs- Élysées (230 places), et un restaurant.

Casino de Biarritz 1929, sauvé de la destruction et restauré.

Dans les années 1920-30, les paquebots sont les moyens de transport habituels pour les voyages intercontinentaux, et deviennent des supports  de décor intérieur de luxe au goût du jour.

Le paquebot Ile de France (1927), siège de salle à manger  Pierre Patout.  

Le Normandie, 1935, salle à manger : éclairage assuré par 12 piliers en verre Lalique, 38 colonnes lumineuses. Ce géant des mers  coule en 1942 à la suite d’un incendie.

Les paquebots transatlantiques symbolisent tant le luxe et une vie rêvée que les architectes s’en inspirent : c’est le style paquebot fin des années 30 : volumes arrondis, baies vitrées en longues lignes horizontales, terrasses étagées, hublots.

Dans les années 1930, même  les stations-services en plein essor  en reprennent les caractéristiques architecturales.   L’apparition des congés payés et les progrès de l’automobile  favorisent la mobilité le long de la Nationale 7 en particulier.

Station-service de Valence, Le Relais du Sud,  1937, accès facile, flèche visible de loin, couleur blanche, colonnes en béton armé,  auvent  en forme de proue de navire, percé de hublots lumineux.

Bon nombre de traces de l’Art déco, du style 1925, du style Paquebot, des Années Folles ou même de la mode Garçonne  nous environnent  et sont encore parfois d’une étonnante modernité ou au moins présentent un certain charme. Conférence passionnante et  très riche visuellement comme toujours avec  Catherine Bourdieu.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57,

Lundi 9 Avril, à 20 heures, Salle Polyvalente à SAULNY,

« Danser nu à la fin du XXe siècle. Les enjeux de l'intime. »

avec Roland Huesca, professeur des Universités en esthétique et spécialiste de danse.

Participation : 3 euros pour adhérents et étudiants ; 5 euros pour non-adhérents

Contact : lesarts57@hotmail.fr   ou tél.   03 87 32 05 03 - 06 84 35 19 96

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Après les traditionnels et chaleureux  échanges de vœux, sous notre nouvelle bannière, et équipés d’audioguides, nous sommes une trentaine à suivre Mélodie pour la 1ère visite guidée organisée par Les Arts 57. Pour la 2^ème, ce sera Aurore.

« Japanorama. Nouveau regard sur la création contemporaine » s’intéresse à la période allant de 1970 à nos jours,  Yuko Hasegawa ,  commissaire de l’exposition et directrice du Musée d’art contemporain de Tokyo, porte  un regard  « de l’intérieur » sur la création artistique de son pays et en  propose une vue d’ensemble, un panorama dans différents domaines : arts visuels, architecture, design, mode, illustration, manga, performances …

Début de l’exposition, la galerie 3, un grand espace s’ouvre  sur des œuvres étranges.

Costume lumineux, trace de la performance d’une artiste avant-gardiste  du mouvement Gutaï  en 1956, Tanaka Atsuko, Denkifuku, Robe électrique composée de 86 ampoules et 97 tubes colorés, peints. Cette œuvre  Interroge sur la place du corps en connexion avec de nouveaux supports qui  intègrent  l’évolution technologique. Elle se glissait dans cette robe de lumière, un trou ménagé  pour passer la tête avec un capuchon protecteur, allure futuriste, robotique. Robe si lourde, (50Kg !) qu’elle était suspendue. L’artiste contrainte, évoluait  par gestes lents.

Shôzô Shimamoto, 1950. Période d’après- guerre, le traumatisme d’Hiroshima est encore très présent, grand format fabriqué avec des journaux collés, les perforations, lacérations apparues au hasard expriment les  traces, griffures, brûlures sur le corps.

La styliste Rei Kawakubo, créatrice de la collection « Comme des Garçons »,  1969, propose des vêtements à trous, élimés appelés « Hiroshima chic » qui choquent beaucoup à cette époque. Elle revisite les canons de la beauté, très différents des occidentaux à la silhouette idéale, en ajoutant des prothèses aux épaules, aux hanches …

Chrysalide qui s’ouvre sur un corps en petits morceaux, représentation allégorique. Corps détruit par les radiations, cerveau connecté au cocon, après destruction, la machine puis la nature reprennent.  Mais espoir dans la renaissance d’une nouvelle génération.  Il vit à Paris, avec peu de moyens : le sachet Monoprix peut représenter  une critique de la société de consommation, mais aussi un clin d’œil à la vie française.

Sur le mur, au fond : série d’images qui paraissent  violentes, moignon sanguinolent, notion de douleur d’un membre fantôme, d’amputation, en fait vue de près, la jeune fille écrase des framboises dans sa main,… l’artiste joue sur l’ambiguïté de :

• la vision de près,  de loin,
• l’état d’éveil, de sommeil  (yeux ouverts ou mi-clos sur certaines photos),
• l’innocence de l’enfance ou la conscience de l’adulte : petite fille ou ado à posture déjà adulte ?

 Au sol, grande œuvre surprenante, à la manière des jardins secs : figure le cerveau, réseau de connections, les globes oculaires, idée conceptuelle alliée au travail manuel du tricot en grand format !

Kenji  Yanobe.  Enfant, il est fasciné par l’expo universelle d’Osaka de 1970, ayant pour thème «Progrès humain dans l’harmonie ». Il imagine des sculptures permettant à l’humanité de survivre en milieu hostile. Hanté par les tremblements de terre, les attentats au gaz sarin et la bombe atomique, il crée des capsules anti radioactivité et des combinaisons de protection. Certaines, initialement activables par des monnayeurs pour les visiteurs. L'argent récolté permettait de financer de nouvelles machines ou des œuvres caritatives. Sweet Harmonizer  II,   1995,  est un scaphandre pouvant  même accueillir un couple plongé dans un gaz euphorisant, gains récoltés pour la recherche sur le Sida.

Kunihiko Morinaga, designer de mode, réassemble plusieurs vêtements, combine plusieurs chemisiers,  utilisant les ouvertures de col comme emmanchures, confection manuelle délicate. En photographiant au flash, le modèle révèle des couleurs  joliment disposées, tandis que sur le tailleur au motif pixellisé, ce sont des bordures réfléchissantes,  surprenants  tissus  technologiques !  Il mêle  travail artisanal raffiné  et technologie de pointe,  reconstruit le futur à partir du passé.

Takashi Murakami, artiste très connu, s’inspire des mangas, organise des expos dans les grands magasins, mêle commerce et beaux- arts (porte-clés Vuitton), tableau « superflat »  = superlisse, fleurs en aplats : référence aux estampes japonaises bidimensionnelles, leur ajoute des visages souriants, smileys très contemporains, issu de la croyance animiste qu’il y a  un esprit en toute chose.

Haruka Kojin : installation de fleurs artificielles, pétales collés sur rhodoïd, travail très méticuleux, recrée des motifs ; vu de face : impression d’un seul plan, or en réalité, il en existe plusieurs. Question de la bi-tri-dimension.

Yayoi Kusama.

Infinity Mirror Room, prêté par le musée de Nancy.

Dame âgée de 80 ans maintenant, installation intégralement tapissée de miroirs, petit bassin d’eau au sol multipliant à l’infini les reflets des lampes. Trouble de la perception, impression de perdre ses repères, vertige, émotion…

Le Pop Art japonais a d’abord été influencé par le Pop Art américain avant de s’en affranchir. Affiches très colorées, contenant de nombreux symboles, (Mont Fuji, Empereur, …), mais révèlent aussi  un art plus personnel et sentimental.

Au 2^ème étage, la scénographie change. Conçue par la prestigieuse agence SANAA (comme le Louvre-Lens), murs courbes, des bulles représentent les différents ilots de l’archipel, chacun consacré à un thème. Exemple dans celui de «  Poétiques de la résistance », l’artiste détourne le support avec un message politique. Chaque thème a la fois séparé et relié aux autres physiquement ou visuellement permettant la fluidité du parcours.

Yuken Teruya, originaire d’Okinawa, base militaire occupée  par les américains, ile stratégique proche du Vietnam. Kimono en lin bingata : peinture au pochoir,  traditionnelle d’Okinawa. Parmi les motifs floraux, on distingue des avions de combat, des parachutistes militaires.

Découpe minutieusement la silhouette d’un arbre dans un sac jetable de Mac Donald rendant le papier à ce qu’il était à l’origine, cellulose du bois. Le M de Mac Do est visible dans le feuillage.

Yoshitoma Nara, artiste néo-pop (années 1990) connu pour ses figures enfantines,  et de jeunes filles délurées, à la fois « Kawaï »  et inquiétantes. Sentiment d’impuissance et rébellion face à un  monde adulte décideur.

Le terme « Kawaï »souvent utilisé au Japon et à l’étranger pour qualifier quelque chose de « mignon » révèle souvent dans la création artistique des messages critiques sous- jacents.

Diorama du collectif CHIM  Î POM,  «  Super Rat », 2008  représente le quartier futuriste très connu de Tokyo : Shibuya , envahi  par des rats  Pikachu devenus monstrueux . Véritablement capturés  (voir vidéo), naturalisés, teints en jaune, le plus célèbre des pokemon sous des apparences sympathiques ou humoristiques dénonce l’importance de cette population nocturne dans les rues que les autorités ne veulent pas reconnaitre.

Suite aux catastrophes, une nouvelle conscience sociale émerge, des projets naissent pour rassembler, recréer du lien, organiser des occasions pour aller vers l’autre, partager, participer, collaborer…Faire ensemble, réfléchir est plus important que le résultat :

 -  construction commune d’une pyramide  métallique avec paratonnerre  sur 2 monts face à face,  puis détruites, il n’en restera que la trace photographique.

- jouer un morceau de musique  à de nombreuses  mains, tous ensembles sur le même piano.

- performance collective : emprunter l’escalier de secours de la « Japan Fondation », immeuble aussi haut que la vague du tsunami !

- idée de force  collective : à l’aide de longues poutres et nombreux porteurs, réussir à soulever une maison !

Ryoji  Ikeda (1966).

Vu à distance, ce panneau d’1 m2  semble  monochrome. De plus près, on observe des petites cases de gris différents, en  « zoomant» avec  smartphone ou appareil photo, une série de chiffres apparait !!!  L’artiste en collaboration avec un mathématicien, a représenté la suite infinie des décimales du nombre  Pi :    .

Vêtements confortables créés pour la jeunesse « otaku », jeunes s’isolant, phénomène lié aux jeux vidéo.

Dans la philosophie zen, la relation entre  les choses est  étroitement liée aux notions d’espace et de temps. L’espace ne peut être  perçu que par le temps et la contemplation. Dans cette œuvre de Kohei  Nawa , « Force », installation monumentale,  une sorte de rideau  noir questionne , fascine, joue sur notre perception : est ce liquide ? solide ?  Des filets d’huile de silicone mélangée  à de l’encre noire coulent verticalement, remonte dans le mur en circuit fermé comme une fontaine. Pluie noire tombant sur Hiroshima, référence historique ?  Utilisation de l’encre de Chine, référence traditionnelle ? Notion de code barre, référence  moderne technologique ?...

Au-delà des clichés: « Zen »et « Kawaï», cet aperçu de  l’art contemporain japonais imprégné de traditions, résolument tourné vers l’innovation technologique,  marqué par toutes les catastrophes qui laissent de profondes cicatrices, Japanorama dénonce  la société de consommation, les catastrophes écologiques, et  impulse des tentatives d’entraide.  Ch. Cl.

Prochaines rencontres avec Les Arts 57 :

Assemblée Générale Ordinaire , le mardi 13 février 2018

Centre Socioculturel de Saulny, 18h30.

Conférence "L'architecture des années folles, art déco", le jeudi 15 mars, 20h.

avec Catherine Bourdieu, à Longeville-les-Metz.

Inscription par mail ou tel : 03 87 32 05 03

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Ce mardi 4 décembre, Monsieur Jean François Marchand, tourneur sur bois, nous a ouvert la porte de son petit atelier  caché dans la banlieue messine

La pièce est entièrement vouée au tournage : au mur, une ribambelle de gouges, bédanes, racloirs, tronquoirs, outils de creusage, impeccablement alignés du haut en bas des murs, des étagères couvertes d’objets délicats de toutes tailles et souvent étonnants, et au beau  milieu, trois tours à bois entre lesquels nous nous groupons pour suivre les explications et démonstrations de Monsieur Marchand. Cet amateur passionné  s’est formé depuis 2004, auprès  de maîtres  artisans, tels que JF Escoulen, ou Luc Caquineau.  Il en parle  avec admiration  et humilité

Avec   une certaine fierté, il affirme son amour du travail rigoureux et sa recherche de la perfection de la forme (« si  ce n’est pas parfait, je jette »). Sa dextérité est étonnante : certaines tiges tournées, par exemple cet objet appelé trembleur,  tellement il est fin, mesure 1,2 mm de diamètre par endroits, et la longueur de la  pièce totale peut atteindre 50 cm et plus… «Pratique assidue obligée » nous dira en souriant Monsieur Marchand.

Autrefois, le tournage était requis pour faire des barreaux, des pieds de chaises, de tables, des escaliers, il existe encore des tourneurs à façon, capables  d'exécuter des séries de fuseaux d'escaliers ou de pieds de tables, de restaurer des meubles anciens. Mais ils ne sont plus nombreux. Les grandes séries sont fabriquées par des machines. Le design du mobilier a changé, les objets usuels en bois ont été remplacés par du plastique.

Il ne faut pas s'imaginer que l'on peut, en faisant de petits objets, pouvoir en vivre. D'ailleurs  les tourneurs d'art de grande réputation vendent la plus grande partie de leur création  à des collectionneurs étrangers .Les tourneurs sont  souvent des artisans d’art, créant des coffrets, des petits pots, des  coupes, des toupies, des stylos, des plats, et des objets dignes des cabinets  curiosités, tel cet escalier miniature, à l’axe déporté,  cet escalier dit «  d’araignée » ou cette « boule de Canton »(boule contenant d’autres boules creusées à l’intérieur d’une seule pièce de bois.)

Le tournage peut se faire sur os ou ivoire (interdit par la loi aujourd’hui), mais principalement sur bois. D’ailleurs l’atelier est rempli de l’odeur des multiples essences : buis, fruitiers, érable, loupe d’orme, que l’artisan sait reconnaître d’un coup d’œil.

Chaque morceau de bois est unique, il se révèle au façonnage,  le grand plaisir  étant de découvrir des trésors insoupçonnés sous l’écorce : bois « échauffé » (un champignon a dessiné des lignes magnifique dans la matière) inclusions colorées roses ou rouges dans les fruitiers.

Au bout de deux heures, nous sommes toujours aussi  curieux et attentifs. Nous quittons la petite maison, enchantés de cette belle rencontre, et   ravis de notre découverte !

Et comme un vrai photographe nous accompagnait, de très belles photos nous rappelleront notre sortie.

    Prochaine rencontre avec Les Arts 57 : visite guidée de l'exposition Japanorama,

au centre Pompidou Metz, le 12 janvier 2018.

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C’est toujours avec plaisir que  «  Les Arts 57 » retrouvent  Christophe  Rodermann, maître en droit et histoire de l’art, et  guide conférencier du patrimoine. Nous étions 48 à découvrir avec intérêt la médecine à travers le prisme de la peinture, seule façon de témoigner avant que n’arrive la photographie. 

La quête de la représentation du corps  humain a longtemps utilisé la statuaire antique. Issu d’une famille de médecins,  André Vésale (1514-1564) dans son traité d’Anatomie « De humanis corporis fabrica» bouleverse  les représentations, vision mécanique du corps …

Fin XIX ème, tout artiste dans sa formation académique, suit des cours d’anatomie. Quand il réalise un dessin,  il met en  place le squelette, l’habille de muscles puis de vêtements !

Plus ancienne représentation d’un acte médical,  IVème s. avant notre ère sur un vase grec : Achille pansant le bras  de Patrocle, dessin d’une grande finesse. Musée de Berlin.

Fresque de Pompéi, datant du 1^er siècle, conservée par la lave du Vésuve (79 après J.C), redécouverte par les fouilles milieu XIXème.  Relate un des épisodes de l’Enéide de Virgile : Enée héros  de Troie, blessé au cours d’une bataille se fait soigner. Le chirurgien tente d’extraire la pointe de la flèche avec un scalpel ou une pince. Venus vient secourir son fils, apporte une gerbe d’herbes médicinales. Le guerrier  entoure de son bras un jeune garçon, son fils qui pleure. Jolie composition d’une  grande précision.

Domenico Ghirlandaio, (1449-1494), portrait d’un vieillard et d’un jeune garçon, 1488, Louvre.

 Double portrait de ce vieillard atteint d’une dégénérescence nodulaire du nez (rhinophyma), et du jeune garçon. Contraste entre la laideur du vieillard et la beauté du jeune garçon, beaucoup de bienveillance et d’amour dans l’échange de regards.  Par la fenêtre, un paysage reconstitué en perspective atmosphérique (les couleurs s’éclaircissent  avec l’éloignement).  Étonnant portrait réaliste, pas idéalisé, très touchant.  

Fernando Del Rincon,(1450-1517), Miracle des saints Côme et Damien, 1490, Madrid.

Première représentation d’une  transplantation !  les jumeaux médecins pratiquent l’amputation d’une jambe dans une demeure florentine et la remplace par celle d’un maure. Le patient anesthésié tient un rameau, un des frères tient un récipient à onguents, l’autre pratique les soins. Leurs tenues raffinées  sont typiques du 15^ème siècle. Pourtant, ils ont vécu au 3^ème  siècle, médecins altruistes ils furent décapités en 303, ce sont les saints patrons des médecins.

Pour se faire soigner, Dürer envoie ce dessin à son médecin accompagné de ces mots « j’ai une grosseur à cet endroit qui me fait souffrir. De quoi s’agit-il ? ».

Les Quatre Cavaliers,  1498 (l’Apocalypse), allégories :

L’archer de la Guerre, le glaive de la Maladie, la balance pour la Famine, et la Mort qui en résulte.La maladie représente la grande peste noire arrivée en 1347 au port de Marseille infecté par les rats des marchands génois et qui décime 1/3 de la population de l’Europe.

 Raphaël (1483-1520), Transfiguration, 1517. Dernier tableau peint par l’artiste mort prématurément, achevé par un de ses élèves, 1520.  Manière très moderne de peindre : couleurs, mouvements, donnent vie aux personnages. Il choisit de représenter 2 épisodes de la bible :

Partie sacrée, en haut : Christ flottant inondé de lumière, entre  les prophètes Moïse et Elie, qui tient les tables de la loi. Les apôtres Pierre, Jacques et Jean en dessous.

Dans la partie inférieure, l’enfant épileptique amené par ses parents, et que les apôtres n’arrivent pas à guérir.

Jan Sanders Van Hemessen (1500-1560), Le Chirurgien, 1550, Prado, Madrid.

Opération en pleine rue fondée sur une croyance qu’un petit caillou était enfermé dans le cerveau d’un esprit fou. Le chirurgien charlatan extirpe une petite pierre glissée par supercherie. Une femme prépare des onguents pour la cicatrisation. Cette pratique permet  la vie sauve au chirurgien  qui sinon serait accusé de sorcellerie.  

José de Ribera (1591-1652), la Femme à Barbe des Abruzzes, 1631.Tolède. De Ribera voyage en Italie, s’installe à Naples.

Personnage exceptionnel qui a réellement existé, à 37 ans cette femme qui avait déjà eu 3 garçons, est atteinte de « virilisme », avec une barbe de plus en plus épaisse.

A 52 ans, elle  donne naissance à  son 4^ème enfant à Naples. Le Duc, vice-roi de Naples se fit présenter ce prodige. Au 17^ème s. , les cabinets de curiosités rassemblent tout ce que la nature peut produire d’extraordinaire, de bizarre… dans naturalia ( minéraux , animaux , végétaux…), artificialia ( créations humaines : horloges, automates …) et exotica (objets venus d’ailleurs).  

Aucun doute sur la féminité de Magdalena Ventura  qui allaite son enfant. Sur la pierre, est gravée l’histoire de cette femme.

Rembrandt (1606-1669) La Leçon d’anatomie du Dr Tulp, 1632, La Haye.

 Ce médecin d’Amsterdam réputé donne une leçon dans une pièce sombre, voutée. (Remarquable clair –obscur). La pratique d’une autopsie n’est pas encore très  courante, elle relève du secret, un personnage tient la liste des participants à la séance. Au premier plan : le traité de Vésale. Le docteur  veut montrer l’action des muscle fléchisseurs des doigts et mime le mouvement avec sa main gauche.

 La leçon d’anatomie du Dr Joan Deijman, (1656), Amsterdam.

 Peinte beaucoup plus tard avec un réalisme saisissant. Un incendie a détruit une grande partie de la toile, il ne reste que ces 3 personnages. Rembrandt place le cadavre à la manière du « Christ mort» de Mantegna (1490), le corps tout entier est représenté en «raccourcis ». Les viscères ont déjà été ôtés et le chirurgien  s’intéresse aux hémisphères du cerveau, l’assistant tient dans sa main la calotte crânienne osseuse.

Jacques –Louis David (1748-1825), Marat assassiné, 1793, Bruxelles.

David rend hommage à son ami, impression de découvrir la scène avec lui. Souffrant d’une maladie de peau, (eczéma ?),  Marat calmait sa douleur en s’immergeant  dans l’eau. Représentation  discrète mais bouleversante  de l’eau rougie de sang. C’est un tableau funéraire : la baignoire en cercueil, le pupitre où il écrivait en pierre tombale.  Ce sujet de  "fait divers"  va devenir  peinture d’histoire !

Thomas Eakins (1844-1916), la clinique du docteur Gross, 1875, Philadelphie.

Opération au milieu des étudiants, aucune mesure d’hygiène, l’anesthésiste tient un tampon d’éther au niveau du visage, un assistant maintient les pieds, d’autres tiennent les écarteurs et passent  les instruments…

 André Brouillet (1857-1920), cours sur l’hystérie de J.M.Charcot, 1885-86. Lyon.

Charcot soigne l’hystérie par l’hypnose, parmi ses étudiants, un certain Sigmund Freund.

Enrique Simonet (1866-1927), Et elle avait du cœur, 1890, Madrid.

Jeune peintre, met en scène une prostituée, pour réaliser un nu dans une salle d’autopsie. Cœur très réaliste car il a  bien  étudié de vrais cœurs, …superbes lumières, reflets sur l’eau de la bassine, linge déposé sur l’ouverture décalée préservant la beauté du modèle…

Pablo Picasso (1881-1973), Science et Charité, 1897, Barcelone.

Picasso n'a que 16 ans lorsqu’il peint cette scène. Il réalise le portrait de son père peintre et professeur de peinture sous les traits du médecin, la malade est  atteinte de tuberculose.

Vicente Borras (1867-1945), Vaccination d’enfants, 1913. Madrid.

Véritable peinture sociale, celle de la salle d’attente rassemble des dames de différents milieux.

De l’antiquité à nos jours, blessures, maladie, mort, soins, actes médicaux ont inspirés les artistes. Leurs œuvres constituent de formidables témoignages sur la vie des gens, leurs maux, et permettent d’entrevoir les immenses progrès de la médecine. 

Norman Rockwell, (1894-1978),Avant la piqûre, 1958. Stockbridge, Massachusetts.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 

Janvier 2018, visite guidée au Centre Pompidou Metz.