Après les traditionnels  échanges de bons vœux, les deux  groupes, une soixantaine  de personnes, démarrent  la visite organisée par Les Arts 57 au 2^ème étage, immergés dans un espace noir.

L’exposition, répartie sur deux niveaux, 200 œuvres, 100 artistes  est  source  de trois grands vertiges :

le premier visuel : la nuit transforme notre perception,

le deuxième induit des changements de comportement : angoisses, insomnies…

 le troisième  est le vertige du cosmos et la place de l’homme dans l’univers.

Dans l’obscurité, une fois l’œil habitué, d’innombrables  petites lumières agitées, en réalité  de  minuscules lucioles, forment comme une carte du ciel vivante, en mouvement permanent. Cette vidéo de Jennifer  Douzenel  a été  filmée en Malaisie sur un bateau au bord de la mangrove.  « Kelip », titre de l’œuvre signifie luciole en malais.

Se perdre dans la nuit.

Le parcours de l’exposition est conçu comme une expérience de la traversée de la nuit. La première galerie est dessinée comme une ville dans laquelle on déambule, jusqu’à arriver à son extrémité face à un grande espace dédié au monde du rêve et aux liens avec  le surréalisme.

Chef-d’œuvre énigmatique et poétique du genre du nocturne typique du romantisme, (sans doute à l’origine du thème de cette  exposition initiée par Jean-Marie Gallais).  Il combine à la fois une lueur  naturelle, celle de la pleine lune qui se laisse deviner par son reflet sur l’eau, et  la lueur artificielle d’un lampadaire, lui aussi hors champ, projetant  les ombres de deux danseuses.  Un groupe de spectateurs devenu un amas sombre et au premier plan un plancher en bois, renforcent la théâtralité de la scène. Au loin, une autre lumière, minuscule point rouge d’un phare ?

Adrian Ghenie,  La fin du Romantisme, 2009.

En contre point dans la même salle, cet arbre obstacle grand format,  antithèse de la nuit romantique. Ce jeune artiste  contemporain  travaille  au  couteau,  à la spatule…

 Sluijters : scène de nuit fauve. Hommage à la nuit étoilée de Van Gogh, paysage néerlandais typique, canal…

Steichen, peintre et photographe d’origine luxembourgeoise, installé à Milwaukee. Il vient à Paris et photographie à la demande de Rodin, cette sculpture qui avait provoqué tant de polémiques. Photographe d’avant-garde, Steichen fait de ses  clichés de véritables œuvres d’art.

En 1913, revenant dans son atelier au crépuscule, Mondrian ne reconnait plus l’agencement, les formes et couleurs  sur sa toile, l’arbre découpé précisément le jour devient une masse sombre… c’est ce qui va le mener  vers l’abstraction.

La nuit romantique va laisser place à la nuit urbaine éclairée, dédiée au travail et aux plaisirs : halos, reflets, vibrations, clignotements … De sa fenêtre à Londres, Monet est fasciné par l’éclairage et ses reflets multipliant  les taches colorées sur l’eau. Amédée Ozenfant,  lors de son exil à New York (1938 -1955), découvre une ville lumineuse et verticale. Il représente des  gratte-ciels éclairés, mêlant différents plans, différentes perspectives et échelles, même des vues d’avion. Le fond des tableaux est dominé par une palette brune rougeâtre, expression de la pollution lumineuse, qui empêche de voir les étoiles dans une ville la nuit.

Alex Katz, 1927. Bond Street, 1998.

Etonnante huile sur toile réalisée depuis son atelier. De loin, on distingue les phares des voitures, enseignes lumineuses et réverbères. De près, on ne voit que des traits de peinture.

Étonnante découverte dans les années 1950 : les scènes nocturnes parisiennes d’Auguste Chabaud.  Au début du siècle, ce peintre vit à Paris. Il est connu pour ses paysages provençaux, ses portraits et expose aux  différents Salons. En secret, il représente  des nuits parisiennes, des  rues aux contrastes prononcés, des  enseignes criardes de cabarets, d’hôtels, des portraits de belles de nuit aux yeux aguicheurs, une silhouette de prostituée dans l’embrasure de porte.... Entre Fauvisme et Expressionnisme, il n’avait jamais dévoilé les toiles de cette période (1907-1911.)

Cet éclairage public nocturne révèle ce que le jour cache : les vices de l’Homme. La nuit est habitée par toutes  sortes de personnages, inquiétants, étranges… Georges Grosz, artiste engagé dans l’Allemagne  de l’entre 2 guerres, a une influence  considérable. Grâce à  des caricatures présentées  dans un livre « Ecce homo », il dénonce le côté obscur, malsain et cruel  de la société, de notables de jour aux comportements déviants la nuit … La couverture représente un proxénète borgne (1922-23).

Georg  Scholz, La guérite du garde - barrière, 1925.

 La lumière vient de l’intérieur,  le veilleur de nuit est tourné sur lui-même, seul, mélancolique.

Magnifiques photos de Brassaï qui découvre le Paris des années 30, valeur presque documentaire : allumeur de réverbère, deux personnes discutent …   (Ce sont des photos posées, mises en scène…).

Robert Morris, Toile retournée, 2003-04.

Cire sur panneau de bois, il peint avec de  la bougie et y inclut directement les pigments. Par les fenêtres noires, un incendie menace  la maison. Cet artiste est décédé en novembre 2018.

Martin Kippenberger.

Lampadaire aux ivrognes, 1989.

Berlin la nuit, 1981.

Le lampadaire qui attire par sa lumière de même que le A, enseigne lumineuse de Apotheke, (pharmacie) en allemand constituent des repères pour  les personnes  alcoolisées  la nuit.

Philip Guston, Midnight Pass Road, 1975.

Grande toile où passe un fleuve noir : le flux des idées, des  obsessions nocturnes, la nourriture, l ‘heure,… des jambes  suite à l’amputation de celle de son frère,  un autoportrait les doigts sur la tête, lampe, équerre,   l’inspiration qui manque à l’artiste… au premier plan , l’espace de travail, au troisième  plan , une ile, des yeux tournés vers le ciel ( rêve ?)…

Louise Nevelson,  Jardin tropical II, 1957

Assemblage de 15 boites en bois peint découpé.

Pénurie de matériaux lors de la 2^ème guerre, elle erre seule dans la ville de New -York, récupère ces boites, les remplit, les peint … Plus  intéressée par le jeu des ombres,  c’est une « sculptrice d’ombres ». Elle est une des pionnières  de l’installation.

Spencer Finch, Etude de la lumière dans une pièce vide, 2015.

Il essaie de recréer les jeux de lumières  de ses souvenirs d’enfant sur les murs de sa chambre, le soir dans son lit. Un système expérimental  reconstitue  par  le passage des phares de voitures, des lumières d’une ambulance…  en projetant  des lumières sur les murs  de son atelier new-yorkais. 

Chef - d'oeuvre d'André Masson,  le Piège à soleils, représente une machine en train de l'emprisonner  pour permettre la création de nuit,  chère aux surréalistes.

Le titre originel  de la sculpture était « Le Secret du gardénia » devenu   « Spectre» à la suite d’une erreur d’impression dans le catalogue d’exposition (1936). Film pellicule autour du cou et fermetures Eclair pour les yeux qui peuvent s’ouvrir et laisser voir des étoiles.

Pour Max Ernst la porte Saint-Denis est transformée en forêt pétrifiée, abritant des oiseaux cachés.

Dans cette gouache sur panneau de bois de Man Ray,  la lune éclaire les rêves et permet les métamorphoses. A côté de sa signature le symbole  de l’infini  en guise de 0.

Immense rideau de scène utilisé lors des représentations de cet artiste, dessinateur, performeur au corps tatoué. Velours noir sur lequel a été  projetée de l’eau de javel, puis rehaussé de breloques, strass …  représentant des étoiles. Ce fond de scène, d’abord intitulé  « Past Night » (la nuit dernière),  est devenu « Past Knight»  (chevalier du passé) après la disparition de son ami Bernard Pélassy en 2002.

Dans la Galerie 3, l’observation de nuit étoilée amène le troisième vertige, celui du cosmos, de l’infini.

Ecossais né en 1959, grand voyageur, du  Canada  aux Caraïbes, études en grande Bretagne, il  a passé  quelques temps à la cité radieuse de Briey. Artiste contemporain actuellement  très coté.  Le reflet de la voie lactée sur l’eau replace la terre dans l’univers.  Le ciel occupe les 2/3 de la toile, la terre est réduite à une mince bande claire au bord de l’eau, la minuscule  petite fille dans le canoë renforce l’impression de petitesse de l’Homme face à l’univers.

Raymond Roussel, Etoile cosmique, 1923.

Étrange objet, ce petit biscuit en forme d’étoile a été conservé précieusement, à la suite d’un déjeuner  avec son ami Camille Flammarion, dans un reliquaire en argent fabriqué sur mesure.

Après la mort de Roussel, Georges  Bataille le retrouve sur un marché aux puces et l’offre à Dora Maar. En partie à l’origine du texte « les mangeurs d’étoiles », 1940.

Jason Dodge, Above the weather,

Etoffe tissée en Algérie avec un fil de 12 km, pour parvenir aux  limites de la première couche de l’atmosphère, au-delà commence la stratosphère ouvrant la porte sur l’espace.

Pablo Picasso, Femme nue couchée, 1936.

Grand nu réalisé au début de sa rencontre  avec Dora Maar. Le corps disposé en travers, la tête renversée, les doigts reliés par un fil aux étoiles,  comme sur un nuage, chambre ouverte sur le ciel,  la représente en extase.

Céramiques créées avec les matériaux des 5 continents,  récipients  constitués  de roches anciennes profondes recueillies dans  chaque continent. A l’intérieur,  il réalise une glaçure à partir de tout ce qui est au-dessus : insectes nocturnes, plumes,  ossements, morceaux, de carlingue d’avion… broyés, chauffés. Cinq nuits de 5 continents ainsi  matérialisées  par ces bols.

Roy Lichtenstein, Moonscape (Paysage lunaire), 1965.

Sérigraphie sur rowlux.  (sorte de film en polycarbonate moiré).

Raphael  Dallaporta.  La lune s’éloigne de la terre de 3.8 cm/an. C’est un faisceau laser envoyé sur la lune qui permet des mesures précises de la distance terre-lune. Envoyé vers la lune, il  rebondit sur un petit dispositif « coin de cube » laissé par les missions lunaires des années 1970. L’artiste établit  un parallèle avec l’Os de l’Abri Blanchard (Dordogne) daté de 30 000 ans  av J.C.  gravé de points.  Etrangement, des études récentes montrent, que ces marques  correspondraient à l’observation du cycle lunaire sur une période de deux mois. 

Darren Almond, Nocturne in four Parts, (Nocturne en quatre parties), 2017-18,  acrylique sur aluminium.

Fasciné par un ciel nocturne et  aurores australes en Patagonie, il superpose des couches d’encres, de lavis dilué qu’il ponce, produisant de loin un effet étonnant.

Daisuke Yokota, Mortuary, 2016.

Ce photographe japonais s’est souvenu d’une sensation d’aveuglement lors de sa petite enfance. Cherchant à traduire cette sensation d’enfermement sur lui-même, il a  travaillé ces immenses rouleaux photographiques  en chambre noire comme des peintures. L’installation est entourée d’un revêtement noir absorbant  les bruits associés.

Lucio Fontana

Artiste italien mort en 1968 en pleine conquête spatiale, crée des installations en lumière noire, à partir de bois découpé,  plongeant le visiteur  dans un espace sans repère et l’impression d’être  tout petit  dans le cosmos.

 Dans l’idéal, à l’extrémité de la galerie 3, la vue sur la ville de Metz illuminée et la cathédrale de nuit devrait  constituer le point d’orgue de  cette intéressante visite guidée par Benjamin.  C.C.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

Le 14 mars, conférence de  Mr Haefeli, héraldiste, " Balade en pays messin" à Longeville.

lesarts57@hotmail.fr   ou tél.   03 87 32 05 03 - 06 84 35 19 96

blog : http://lesarts57.over-blog.fr

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C’est avec un plaisir évident que «Les Arts 57» retrouvent Laurent Commaille,  Maître de conférences  en  histoire contemporaine à l’Université de Lorraine. Une vraie belle découverte pour 48 personnes que ce grand  peintre contemporain pourtant si  peu connu du public.

 Né en 1945, en Allemagne dans le Bade-Würtemberg, parfaitement bilingue,  Anselm Kiefer  est admis au Collège de France à Paris. C’est un des plus grands peintre-sculpteur contemporain vivant, célèbre et très coté sur le marché de l’art. Il installe son premier atelier en France, à Barjac, près d’Alès, dans une ancienne filature.

Son enfance  passée dans les ruines de l’après-guerre,   Anselm Kiefer  questionne sur le  rôle des nazis qui ont trahi la vocation de l’Allemagne.  Œuvre controversée  et ambiguë, telles ces photos où il endosse l’uniforme d’officier  de la Wehrmacht de son père et arbore un salut nazi (1969). Il recherche le moment fondateur de l’histoire allemande : la bataille en forêt de Teutoburg  (Teutoburger Wald) où le général  romain Varus  est vaincu par  le général  Arminius  (Hermann)  rassemblant les tribus germaniques.

La forêt sous la neige, maculée de sang, représente les arbres fondateurs sur lesquels repose la nation allemande, le nom des personnalités  importantes y  est inscrit : Varus,  Hermann…

« Chemins de la sagesse du monde »,  parsemé de grands hommes par exemple le philosophe Heidegger.

La découverte de la poésie de Paul Celan  (1920-1970)  provoque « un tournant» dans son travail.  Ce poète juif, roumain, d’expression allemande, naturalisé français, survivant de la Shoah, porte en lui cette douleur. Son incapacité à mener une vie normale trouve en la poésie une « bouée de sauvetage » mais il se suicide tout de même à 50 ans.   Anselm Kiefer  réalise 2 œuvres emblématiques de grandes  dimensions  (4m de long !!!)  qui illustrent des extraits du poème  de Celan : Todesfuge  :  Margarethe (1981), la blonde allemande  et  Sulamith (1983), qui dans la bible apporte la paix, et dont l’étymologie est liée à shalom = la paix.

Autre allusion à la tradition juive : l’échelle de Jacob  qui amène vers le ciel.        A la base, le serpent qui dessine le signe de l’infini.

Seraphim, 1983-84.

 Huile, paille, émulsion, schellac sur toile.

320,7 x 330,8 cm

Il approfondit encore son travail, ses recherches sur les mythes de l’Asie mineure, d’Égypte, du Moyen Orient…  

Plus de 5m et 24 cm d’épaisseur pour cette toile !   Il utilise toutes sortes de matériaux dans ses œuvres :  argile, fragments de porcelaine,  fil de cuivre, circuits imprimés, plomb, de la colle,  parfois même du sang, des cheveux,  de la paille, des graines de tournesol...  Son ami, Joseph Beuys a raconté qu’il a dû   la vie, après la chute de son avion,  à des nomades tartares qui l’auraient enduit de graisse,  enroulé dans du feutre et nourri de miel,  matières  que l’on trouvera  ensuite  de façon récurrente dans ses œuvres. Il désigne par émulsion des mélanges  d’argile, et de résines acryliques souvent peu  homogènes, et par schellack des laques à partir de gomme arabique permettant les  superpositions  de couches…

Lilith est la première femme d’Adam avant Eve. Dans la Kabbale (interprétation mystique, allégorique de la Bible dans la tradition juive), ne pouvant avoir d’enfant,  elle porte malheur…  Lilith erre sur la ville en ruines, ses cheveux traversent la toile.  Sur la 2^ème version (1997), un avion inquiétant en plomb.

Emanation, 2007,  10 x 4,30m

émulsion, schellack, huile, craie, plomb sur toile de lin.

Intéressé par l’ésotérisme et l’alchimie, il se photographie dans cette position pour établir un lien entre l’humain et le ciel, entre le mystère de la création et  le mystère de la vie.

Athanor, 2007, 10 x 4,30m,

émulsion, schellack, huile, craie, plomb, argent et or sur toile de lin.

Cette toile monumentale, est une commande du Louvre, elle reprend des thèmes essentiels qui lui sont chers.  L’humain en relation avec le cosmos.  Un trait relie l’homme au ciel, la terre à l’univers. L’homme nu est un autoportrait de l’artiste, couché peint à partir d’une photo de lui en méditation. Au milieu du tableau, une ligne argentée, en haut une ligne dorée ; trois inscriptions à la main sur le côté droit, nigredo, albedo, rubedo font références aux   trois étapes de l’alchimie. Nigredo, le noir, c’est le plomb, albedo, l’argent,  et rubedo  le rouge, l’or… L’œuvre est  le lieu de la transformation des éléments, le passage d’un état à un autre. Il superpose souvent plusieurs couches les unes sur les autres, progresse par sédimentation, par recouvrement, enfouissement et résurgence, qui tissent ainsi une sorte de géologie.

Athanor, détail.

Il  revient inlassablement sur son travail, parfois longtemps après. La terre argileuse aux tons rouge-brun, gris-rose, est lourde et craquelée. Dans les craquelures, des coulées de plomb irriguent cette terre dévastée.

Les livres... Une grande partie de l’œuvre d’Anselm Kiefer est constituée de livres, «vrais» livres (comme Teutoburger Wald) ou livres objets, sculptures, symboles, éléments d’une autre œuvre …

En 2015, la Bibliothèque nationale  a consacré une grande exposition aux «livres» d’Anselm Kiefer.

Gilgamesh et Enkidu dans la forêt de cèdres III,  (Gilgamesh und Enkidu  im Zederwald III, 1981)  est l'un des huit livres qu’il élabora entre 1981 et 1983.  Entièrement composé de photographies, ce livre narre l‘histoire de L'Épopée de Gilgamesh, roi sumérien (2.700 av. J.-C.)  et du guerrier Enkidu, récit épique de l’ancienne Mésopotamie, un des premiers grands chefs-d'œuvre de la littérature.

Mesopotamia, 1989, détail.  Livres de plomb.  ( Mésopotamie : civilisation où est née l’écriture. )

Le plomb provient de la réfection  de la toiture de la cathédrale de Cologne.

En 1993, il s’installe à Barjac, dans une ancienne filature de soie, sur un terrain de 35 ha. Il réalise une galerie suspendue, et  fait de cet endroit un champ d’expérimentation, une œuvre d’art total.  Les  tours penchées de Ninive  (ville ancienne du  Croissant fertile, berceau de la civilisation)  sont reliées par des souterrains. Les briques qui tombent, les ruines, les écroulements, sont des éléments qui généreront de nouvelles cultures, où quelque chose peut recommencer. C’est un processus sans fin. Tout évolue sans cesse.

En 2002, un climat hostile  le pousse à s’établir ailleurs. Il déménage  à Croissy-Beaubourg  dans un environnement industriel à  l’Est de Paris, dans les vastes entrepôts  de « La Samaritaine ».

Une exposition lui est consacrée au Grand Palais en 2007. «  Monumenta » renferme des milliers de photos à l’intérieur.  Ruines, décombres, blocs, traversent constamment son œuvre, et témoignent de sa fascination pour la construction -déconstruction qui hante son travail.

Une œuvre sombre souvent tragique, symbolique, religieuse et athée à la fois, mais profonde et fascinante. « … la matière est une enveloppe contenant l’esprit qu’il faut découvrir. » Anselm Kiefer.

Prochaines rencontres avec Les Arts 57 :

en  décembre, plusieurs visites guidées de l'exposition

"Splendeurs du christianisme au Musée de la Cour d'Or."

en janvier, visite guidée au Centre Pompidou Metz, « Peindre la nuit ».

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14 h, vendredi 3 août,  27 personnes étaient au rendez-vous organisé par Les Arts 57 pour une passionnante exposition mettant  en lumière 40 couples d’artistes représentatifs de tous les champs de la création : peintres, sculpteurs, photographes, designers, architectes, danseurs, musiciens… entre 1900 et 1950. Qu’ils soient officiels ou confidentiels, exclusifs ou harmonieux, ces couples mythiques s’influencent mutuellement et enrichissent  leur processus de création.

Lavinia Schulz et Walter Holdt.   

Histoire d’amour éclair entre 1920 et 1925  entre une danseuse costumière avant-gardiste et créatrice de génie et un danseur talentueux.  Les costumes de scène fabriqués avec des objets et matériaux de récupération créent un univers de personnages colorés, masqués, inspirés de fables nordiques, et évoquent des animaux, insectes fantastiques … Très célèbres en Allemagne,  mais détresse financière, relations conflictuelles, et  dépression  les mènent à une fin tragique : elle tue son mari puis se suicide en 1925.

Toboggan Frau, 1923, Costume présenté sur un  mannequin de 1,67 m. Hambourg Museum.

Jean Arp et Sophie Taeuber- Arp.

Ils se rencontrent à Zurich en 1915 au cours d’une exposition où Jean  a réalisé des œuvres textiles qui étonnent et impressionnent Sophie. Dans les tapisseries réalisées ensemble, elle donne les formes géométriques, le quadrillage sous-jacent tandis qu’il y met des formes souples, plus organiques.

Jean Arp et Sophie Taeuber-Arp, Symétrie pathétique, 1916 - 1917

 Ils se représentent l’un, l’autre : elle sculpte des têtes dada en forme d’œuf, porte chapeau en bois, il la peint, danseuse au cabaret Voltaire. Professeur d’art, elle dansait masquée pour garder son anonymat.

En 1920, à Strasbourg,  Sophie Taeuber-Arp reçoit une commande pour la réalisation des Salons de l’Aubette des frères Horn, qui souhaitent construire un complexe de loisirs pour leur ville. Devant l’ampleur du chantier, elle propose à Jean d’y travailler avec elle, et ils invitent leur ami Theo van Doesburg à se joindre à eux. Chacun réalise un certain nombre de pièces de cette œuvre d’art  totale. Sophie Taeuber-Arp prend notamment en charge la décoration du bar.

Le bonheur de ce couple harmonieux prend fin en 1943, alors qu’ils s’apprêtaient à se rendre aux États- Unis, elle meut asphyxiée en Suisse. Éploré, il s’enferme dans un monastère et ne revient que par l’écriture, lui dédiant de touchants poèmes. Puis, il recrée des œuvres communes qu’il invente à partir de celles de Sophie afin de continuer à faire vivre son œuvre.

Jean Badovici et Eileen Gray.

Au début des années 1920, Eileen Gray, artiste et designer irlandaise, figure majeure de l’Art déco, vient d’ouvrir une galerie Faubourg Saint-Honoré, à Paris. Avec  Jean Badovici, jeune architecte, ils créent ensemble dans la baie de Roquebrune-Cap-Martin, la villa E 1027, (combinaison de leurs  noms et prénoms mêlés)

Maison dressée sur pilotis avec une toiture terrasse, larges baies coulissantes, fenêtres en bandeau. (Inspirée par leur ami  Le Corbusier).  Meublée par Eileen dans un esprit croisière et pratique :  table pliante, structures tubulaires permettant d’être déplacés aisément, piètement latéral, un seul accoudoir au fauteuil laissant le bras plus libre, les tissus remplacent le cuir… 

Robert et Sonia Delaunay.

“ En se réveillant, les Delaunay parlent peinture.” «  Apollinaire n’exagérait pas… », commente Sonia Delaunay dans ses mémoires «… c’était vrai…. Nous nous sommes aimés dans l’art… La passion de peindre a été notre lien principal. Cela se confondait avec l’amour de la vie. »  Coup de foudre dès leur rencontre en 1907 chez Wilhelm Uhde, marchand et collectionneur allemand qui avait épousé Sonia pour sauver les apparences. lls se marient, ont un fils Charles (1911).

Belle histoire et osmose dans la création, Robert est  proche des Fauves, ils avancent ensemble dans la recherche des contrastes de couleurs, des rythmes lumineux, de l’étude de la lumière du soleil, de la persistance rétinienne…

Alors que Robert se consacre principalement à la théorie et à la peinture, Sonia étend ses recherches picturales à son environnement : objets, tissus, reliures de livres, textes poétiques et costumes... Elle ouvre sa première boutique de mode et d’aménagement intérieur dont l’activité assure la subsistance du ménage. En 1924, Sonia inaugure l’atelier simultané, entreprise moderne dédiée à la création textile et vestimentaire mais ferme ses portes en 1929 (krach boursier). Elle  collabore avec Metz & Co, grand magasin établi à Amsterdam par des émigrés messins, Joseph et Hendrik de Leeuw, qui commercialise de nombreux motifs. Collaboration idéale : désireux de respecter les couleurs, les contrastes de la créatrice, Leeuw  transforme le produit final en œuvre d’art ! Ses croquis, dessins et aquarelles inspirent aussi son mari  gommant ainsi  la hiérarchie dans les arts.

Aino et Alvar Aalto.

Vitrine consacrée au couple d’architectes designer finlandais. Emulation intellectuelle et artistique, lignes organiques, résolument modernes. En décembre 1935, ils créent  l’entreprise Artek : volonté d’associer art et technologie et  de concevoir un mobilier de qualité, durable, aux lignes simples et chaleureuses. Paravent  en contreplaqué collé puis cintré dans une étuve chaude, sangles de bois de bouleau tissé pour la chaise longue, tabouret souvent copié depuis.   En 1936, leur premier magasin est  conçu par Aino comme un véritable showroom : grandes vitrines ingénieusement éclairées pour mettre en scène  toutes les gammes de mobilier et de vaisselle Artek, plantes vertes, table mise, concept très novateur pour l’époque.

Frida Kahlo  et  Diego Rivera.

Lui, peintre muraliste très connu au Mexique, elle, célèbre pour ses autoportraits touchants, puise l’inspiration dans son expérience personnelle, tourmentée à la suite d’un accident. Mais tous deux militent pour un art populaire et une exaltation de la culture mexicaine.

Cubes inégaux possédant chacun leur entrée mais reliés par une passerelle, ce double atelier commandé par  Diego  est  à l’image de ce couple passionné que tout oppose. Le couple est fusionnel mais  souvent déchiré, il y vit de façon discontinue entre 1933 et 1939, Diego créant et recevant ses nombreuses conquêtes dans le grand atelier rose fermant l’accès  de celui  occupé par Frida.

Leonora Carrington, Max Ernst.

Leonora rencontre Max Ernst en Angleterre, elle connait ses toiles, elle a 19 ans, lui déjà marié en a 45. Ils s’installent  à Saint-Martin-d’Ardèche. (1938-1940).  Tous deux  révèlent  leur passion commune pour les légendes, les mondes merveilleux et ésotériques, les  créatures hybrides, fantastiques … : sphinx, sirène, oiseau, fantôme, femme cheval recouvrent murs, portes…

L’animal totem de Max Ernst est l’oiseau  tandis que celui de Leonora est le cheval, signe de fougue, de  liberté mais aussi de transformation et de libération dans la mythologie celtique. La fascination  de Leonora pour les contes et le roman gothique anglo-saxons fusionne avec l’univers germanique, surréaliste et mythologique de Max. Chacun apporte sa culture littéraire et artistique à l’autre. Cet univers en ébullition prend malheureusement fin avec les incarcérations répétées d’Ernst en tant que citoyen allemand. Isolée, elle perd pied et fuit en Espagne, puis se réfugiera à New-York. 

Max Ernst,  La Toilette de la mariée, 1940.

Une somptueuse mariée à tête de chouette, entourée d’une chimère et d’un héron à la lance agressive repousse une autre femme tournée vers l’arrière. Jeu de perspective…, A l’arrière-plan, l’état antérieur du tableau, (lorsque Leonora était encore présente),  influence du contexte de la guerre ?  évolution  de sa situation personnelle ?...

Dorothéa Tanning, Max Ernst.

Max Ernst se réfugie  aux  Etats Unis grâce à Peggy Guggenheim, qu’il épouse en 1942. Celle-ci prépare une exposition de peinture, « Thirty Women», (30 femmes). Peggy avait eu la bonne idée de demander à Max de prospecter dans les ateliers de Manhattan pour son exposition. Quand il découvre  Birthday, autoportrait  surréaliste de Dorothéa Tanning, il en reste médusé. Il quitte Peggy, s’installe  avec  Dorothea à Sedona en Arizona, au cœur du désert, où les cultures indiennes influencent les deux artistes. Peggy Guggenheim en garda rancune et disait à propos de ces Thirty Women, « il y a une peintre de trop! ».

Dorothéa Tanning , A Very Happy Picture,  1947.  (Un tableau très heureux).

 Atmosphère de départ en voyage, un couple (jeunes mariés ?) fusionne dans une tempête qui fragmente l’espace et les aspire vers une destination inconnue.

Max Ernst, Capricorne, 1948.

Majestueuse sculpture composite, peut-être référence à leur relation née au cours d’une partie d’échecs, figure du Roi jouant avec la reine,  gardiens protecteurs de leur demeure. Réalisés avec les restes du chantier de leur maison et des objets utilitaires,  des êtres hybrides entre humain et animal voient ainsi le jour: sirène, taureau, poisson,…

Dorothea Tanning, peintre, muse, forme avec Max Ernst pendant 34 ans, «le couple le plus extraordinaire du surréalisme ». Désert et  arts amérindiens s’insèrent dans leur univers. Art et vie se mêlent à l’intérieur et autour de leur maison.

Dora Maar et Pablo Picasso.

Photographe déjà réputée à Paris, Dora Maar réalise des images intrigantes, à la frontière du rêve et de la réalité,  lorsqu’à l’automne 1935, elle rencontre Pablo Picasso. Indépendante, elle est proche des surréalistes. Ils se photographient mutuellement et elle devient sa  muse, prend des clichés du travail de Picasso sur Guernica.

 Anonyme.  Portrait de Dora Maar de trois quarts, Paris, 1935.

         Dora Maar, Portrait  de    Picasso,  1935-36.

Petit à petit, il prend l’ascendant sur elle. Dora Maar abandonne progressivement la photographie, encouragée par Picasso, elle sacrifie délibérément son talent au profit d’une peinture qui ne peut rivaliser avec celle du « maitre ». Alors que leur relation se dégrade, le peintre continue à multiplier les portraits de son modèle, s’emparant de son image jusqu’à la dislocation, en écho à la destruction progressive de sa personnalité et à l’effondrement du monde en guerre qui l’entoure. Elle devient l’incarnation de l’Espagne qui souffre dans la «Femme qui pleure » dont les yeux sont des coupelles qui se renversent. Consciente de cette emprise, elle photographie les portraits rassemblés dans l’atelier et lui offre la chaise, sur laquelle elle a si souvent posé, en cadeau de séparation.

Ces couples d’artistes, où art et vie fusionnent, terreau  propice à la création, ont largement contribué à l’évolution de la pensée et des mœurs en particulier du rôle de la femme.

Passée bien trop vite, cette heure de visite, il restait  de nombreux  autres couples eux  aussi  très intéressants, à ne pas manquer …  L’exposition «  Couples modernes » sera installée  à Londres au Barbican Centre, du 10 octobre 2018 au 27 janvier 2019.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

Lundi 1 octobre à 20 h à SAULNY, Salle Muller (salle polyvalente),

«  Regards sur Gustav KLIMT »

Conférence présentée par   Christophe RODERMANN

Participation : 3 euros pour adhérents et étudiants ; 5 euros pour non-adhérents

Réservation souhaitée par mail ou par tél :

lesarts57@hotmail.fr   ou tél.   03 87 32 05 03 - 06 84 35 19 96

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Les Arts57 avaient donné rendez-vous  à une trentaine de personnes,  en deux groupes, à 14h et 15h,  avec Mme Rachula, attachée au service patrimoine de la ville de Metz et chef de projet pour cette exposition, organisée par la Ville de Metz, en partenariat avec l’Ecole d’Architecture de Nancy, et le soutien de la Cité de L’Architecture et du Patrimoine de Paris.

Au siècle des Lumières, Jacques-François Blondel (1708- 1774)  est  une figure majeure de l’architecture du XVIII ème.  C’est avant tout un théoricien, il  réfléchit, rédige  des traités, et enseigne, il a très peu bâti : l’ensemble messin est un  précieux et remarquable témoignage. L’exposition  comprend 2 parties : Blondel l’intellectuel  et Blondel à Metz.

Portrait de J.F. Blondel, 1770. Musée Carnavalet, Paris. Dessin à la pierre noire et sanguine, seul petit portrait existant.

Formé à l’architecture par son oncle, ses talents sont multiples, il est d’abord graveur, concepteur de décors éphémères, d’édifices et de projets urbains mais aussi  d’aménagements intérieurs. Il  publie un ouvrage consacré aux « maisons de plaisance », (1737-38), demeures situées à la campagne, commanditées par les familles aisées. 

Il ouvre sa première école privée d’architecture vers 1740. Il enseigne à des élèves, des artisans et des « hommes du monde », amateurs éclairés susceptibles d’être des commanditaires.  Grande innovation : en un seul lieu  «  l’Ecole des arts » dispense non seulement des cours théoriques mais aussi pratiques :  dessins,  tracés,  plans, gravures,  maquettes,  modèles réduits en bois,  taille de  la pierre,  visites de bâtiments ou chantiers.  Professeur très apprécié  et  reconnu,  il formera la plupart des bons architectes  des  décennies  suivantes.

De 1752 à 1756, il recense  les plus beaux édifices du XVII ème  dans «  L’Architecture françoise ».  Il redonne vie à l’architecture classique aux canons antiques, s’opposant   à l’art rocaille alors très en vogue   ( place Stanislas à Nancy ).

Proche de D’alembert, il contribue à l’Encyclopédie, rédigeant plus de 500 notices, gravures, articles  pendant une dizaine d’années (1748-1757).

M. Quentin de La Tour, Jean Le Rond d’Alembert, 1773,  musée du Louvre.

L-M. Van Loo, Denis Diderot, 1767, musée du Louvre.

Grace au marquis de Marigny, Abel Poisson, frère de la marquise de Pompadour, directeur général des bâtiments du roi,  Blondel rejoint l’Académie royale d’architecture au Louvre en 1755. Il commence la rédaction de son « Cours d’architecture » en 1771 (achevé par son ami Pierre Patte après sa mort en 1774), ouvrage de référence pour ses élèves.

Veuf, il se remarie (1760) avec la jeune Manon Balletti, 20 ans, issue d’une famille  d’artistes, bien connue de Casanova. Dilemme pour la jolie Manon qui choisit Blondel, homme plus âgé offrant plus de stabilité. Ils auront un fils Jean-Baptiste.

Début XVIII ème, Metz est encore une cité médiévale aux ruelles étroites.  Nommé gouverneur en 1727, le duc de Belle-Isle, petit-fils du surintendant Fouquet,  entreprend des  travaux titanesques : fortifications, casernes, aménagement de l’ile du petit Saulcy avec l’opéra-théâtre, ouverture de nouvelles voies de circulation … Il veut embellir la ville et en faire une cité digne de la France.

Portait du maréchal-duc de Belle-Isle, d’après Hyacinthe Rigaud, 1741. Musée de la Cour d’or. Metz

Il fait faire un état des lieux avant les grands aménagements : plan tracé à la main proche du plan cadastral, 1734-36.  Chaque parcelle répertoriée avec le nom du propriétaire… Et un code couleur étonnant : rouge pour les propriétaires privés  /  bleu et jaune liés au culte, bâtiments  et jardins  /  vert : armée  /  orange : protestant  /  gris : communauté juive.

Le secteur de la cathédrale est encore  infranchissable en carrosse,  les maisons sont si proches qu’elle n’a pas d’entrée   dans l’axe principal mais par le portail de    la Vierge de côté (celui de l’église initiale Notre-Dame de la Ronde).

Gravure représentant les festivités organisées dans la cour de l’évêché   pour le passage d’Henri IV à Metz en 1603.

En 1754, il entreprit de dégager les abords de la cathédrale, en quelques mois les édifices disparaissent, le bas de la colline Ste Croix  est arasé.  Mais le maréchal Belle-Isle décède en 1761, laissant le centre de la cité dévasté. C’est dans ce contexte de gravats  que Blondel arrive, envoyé à Metz par la puissante  famille Choiseul afin de trouver un terrain et d’établir les plans de la future abbaye royale de St Louis. L’architecte choisit un emplacement en contrebas de la cathédrale (actuel irish pub). Ce projet ne verra jamais le jour, mais les plans, coupes, et  élévations de l’église abbatiale sont publiés dans son cours d’architecture.. Blondel dans ce contexte chaotique, s’intéresse  à la situation et présente à son successeur, le maréchal d’Estrées, un plan d’aménagement de trois places, la construction d’un hôtel de ville d’un corps de garde, d’un parlement, d’un évêché et de logements pour le chapitre.

 La cathédrale ainsi dégagée pourra être dotée d’une entrée principale digne de son rang. Dans cet espace compliqué, Blondel réussit à proposer un projet  où  toutes  les  façades  se répondent en parfaite symétrie. La place d’Armes, place d’apparat permettant le mouvement des troupes concentre les quatre pouvoirs :  religieux (cathédrale),  municipal (Hôtel de ville),  militaire (corps de garde = actuel office de tourisme), et royal pour le Parlement en face. Celui-ci  ne sera pas achevé et migrera à Nancy avant la révolution.

La  cathédrale gothique est intégrée à cet ensemble classique par une galerie d’arcades pour répondre à la symétrie de l’ensemble. Il  la dote d’un portail majestueux, financé par Louis XV , en souvenir de sa maladie puis de sa  guérison  lors de son passage à Metz en 1744.

Portique de la cathédrale de Metz …sur les dessins de Blondel, 1764, graveur Barbe.

La révolution met un coup d’arrêt aux aménagements. Le palais de l’évêché ne sera jamais terminé et transformé en marché couvert en 1830.  Après l’incendie de la toiture de la cathédrale ( 1877),  les autorités allemandes en confie la restauration  à Paul Tornow.   Le portail de Blondel démantelé est remplacé par un portail néogothique.

Le plan relief de Metz réalisé en 1821-27 est conservé aux Invalides, à Paris. Une réplique, réalisée en 1990, au 1/600 mesurant 32 m2, (9,22m x 7.50m)  est visible au 144 route de Thionville, à Metz. Elle permet d’apprécier en particulier les travaux de Blondel dans leur état début XIX ème.  Par son ampleur, sa qualité, le projet de Blondel est considéré comme l’un des plus originaux et permit  d’embellir et  de valoriser la ville à la fin du XVIII ème siècle.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

Vendredi 3 Août, 14 h au Centre Pompidou, visite guidée  de l’exposition

« Couples modernes ».

Rendez-vous sur place dans le hall d'entrée à 13 H 40,

Participation pour la visite guidée : 5 euros pour adhérent - 8 euros pour non-adhérent

Cette visite est selon le protocole imposé par le Centre Pompidou Metz,

limitée à 30 personnes,

Réservation souhaitée par mail : lesarts57@hotmail.fr

ou par tél : 03 87 32 05 03 - 06 84 35 19 96

A Saulny, de bon matin, un bus attend  les 40 participants à la journée organisée par Les Arts 57. C’est Catherine Bourdieu, Maitre de Conférences  en histoire de l’art à l’Université de Lorraine, qui sera notre guide attentionné.

Première étape : le cimetière russe de Valleroy.

Sous un soleil naissant, petite marche bienvenue pour se rendre à la nécropole.   Pendant la deuxième guerre mondiale, pour résoudre les problèmes de main d’œuvre dans la sidérurgie et  les mines de fer, les allemands ont eu recours à une main-d’œuvre forcée : en janvier 1943, 314 prisonniers soviétiques sont installés dans les camps des mines de Jarny,  Auboué, Joeuf, Homécourt, Giraumont et Valleroy.

Conditions de travail pénibles (obligés de produire 5 tonnes de minerai par jour, par mineur), manque de nourriture, et,  malgré la solidarité des mineurs français qui tentent de les aider,  partageant leur nourriture et leur donnant des wagonnets chargés, beaucoup meurent d’épuisement.

 54 prisonniers russes sont enterrés à l’orée du bois de Vroailles, dans la commune de Valleroy.  A la fin de la guerre, un groupe d’anciens combattants, résistants, prisonniers et déportés leur fait aménager de véritables tombes. En 1970, le comité pour la construction d’un monument  parvient à trouver le financement et s’adresse à Amilcar Zannoni, mineur et sculpteur  local. Zannoni  est  arrivé d’Italie en 1924 avec sa famille, à l’âge de 2 ans. En 1945, il travaille à la mine de fer de Moutiers et commence à sculpter en 1959.

Ce monument est conçu à partir de symboles : prisonniers faméliques tournés vers leur patrie, terre de Russie,  urne pour la flamme. 3 silhouettes monumentales filiformes. Corps simplifiés, tète et pieds géométrisés en acier rappelant le travail dans la mine de fer,  regards et bras tendus vers l’Est, la Russie. Derrière eux un grand  un disque creux, à gauche un cube de granite surmontée d’une figurine qui tient une sphère. C’est une petite urne contenant un peu de terre ramenée de Minsk. A droite, un support pour la flamme. Au fond, derrière les croix, un tintinnabule  «  amène un peu de vie » grâce au vent.

Deuxième étape :  Hatrize.

La maison forte. C’est une bâtisse pourvue d’un système de fortifications, enceinte, créneaux, tours, parfois fossés. Elle appartient à un des proches du seigneur. Celle de Hatrize fut sans doute construite au  XVI ème siècle pour Didier de Landres, écuyer du comte de Vaudémont nommé prévôt de Briey. Bâtiments  édifiés autour d’une cour en trapèze, elle permettait de surveiller le passage de la rivière. Echauguettes (petite tourelle placée en encorbellement à l'angle avec mâchicoulis et meurtrières) et canonnières témoignent du système défensif.

Eglise St Martin.

Porte d’une ancienne ferme seigneuriale.

Attenante à l’église, près du petit cimetière. La ferme seigneuriale construite en 1630, située rue de Verdun a été démolie en 1950. Blason sculpté et armoiries   de la famille Colart.

A l’extérieur, sur le côté de l'église, une porte murée avec un linteau roman orné de rangées de losanges, des croix pâtées  gravées en intaille.

L’Ossuaire, XVI ème siècle, arcade ouest. L’arcade sud avec des crânes pris dans la maçonnerie date de 1747. On retrouve le même dispositif dans l’ossuaire d’Olley.

Première église bâtie au XIIème siècle, de style roman, puis reconstructions successives…,  en 1741 : tour-clocher.  Chœur à 2 travées : avant-chœur roman, et seconde travée gothique à fond plat.

Nef gothique, voûte à  liernes et tiercerons. Lierne = nervure partant de la clé de voûte et reliée aux  tiercerons = nervures qui  rejoignent de l’angle de la voûte.

Statue de St Blaise, petits pains à ses pieds.  Son histoire apparait dans deux écrits : Les Actes de St Blaise  et la Légende dorée (ouvrage le plus lu au Moyen Age après la Bible). Blaise de Sébaste, médecin et évêque, arménien, martyrisé, décapité en 316. Alors qu’il est en prison, une femme lui amène son fils s’étouffant avec une arête dans la gorge, il le sauve. Dans la Légende dorée : réfugié dans une caverne, nourri par des animaux qu’il soigne, il est capturé par des soldats. En route pour la prison, il guérit un enfant ayant avalé une arête, et persuade un loup de rendre le porc volé à une veuve. En prison, la femme lui fait porter du pain, la tête du porc et une chandelle.  Intercesseur en cas de mal de gorge, il est fêté le 3 février. Un pèlerinage existait  à Metz dans la paroisse St Eucaire  depuis le XV ^ème siècle (réactivé au XIX ème). On y bénit les enfants mais aussi des petits pains.

Petit retable en bois polychrome, 2^ème moitié du XVIème. Colonnettes à chapiteaux soutenant des arcs. Ecoinçons ornés de feuillages et têtes d’anges pour celles  qui encadrent  le Christ. Grande fantaisie dans les costumes  des apôtres vêtus à l’antique : plis différents, postures variées, individualisation des visages. Même si le sculpteur semble peu adroit, il connait les grands modèles. Les apôtres sont représentés avec leur attribut, à la place de Juda,  cependant, une femme munie d’une hache !

Ancien devant d’autel, ce bas-relief représentant «  La Cène » date du XVIème siècle. De part et d’autre, des serviteurs préparent et servent le banquet. Au milieu le Christ sous un dais, magnifié.  Apôtres répartis autour de la table. Table mise, victuailles, à droite Judas avec la bourse contenant les 30 pièces d’argent.

Jarny, château de Moncel.

Dès le XIIIème, on trouve l’existence  d’un château ou d’une maison forte  appartenant à Guerrin  de  Moncel, seigneur et chevalier de la maison d’Apremont. La famille est présente dans ces lieux de 1288 à 1342. En 1822, le domaine (château et 400 ha de terres et forêts)  est acheté par Emile Bouchotte, riche propriétaire.  Il fait restaurer l’édifice abimé pendant la révolution de 1789. Grande maison de plan carré, toit en ardoise, agrandie en 1905 par 2 pavillons édifiés sur les côtés. Etat-major des armées allemandes pendant la première guerre mondiale, il accueille des séjours de Guillaume II. Après la guerre, il est utilisé pour loger les directeurs et ingénieurs de la mine de Droitaumont. Le château de Moncel et son parc sont la propriété de la ville de Jarny depuis 1980. Il abrite la Maison de l’Environnement où sont hébergées  plusieurs associations (dont la LPO).  Le parc de 17 ha, classé Jardin de France est conçu comme un parc à l’anglaise.

Pause méridienne bienvenue chez Delphine, près de la ferme de Moscou entre Gravelotte et Rozérieulles. Repas goûteux, généreusement servi.  Ambiance conviviale et gaie.

Gorze.

Abbaye bénédictine fondée vers 747 par Chrodegang (712-766), évêque de Metz. Le chant grégorien s’y développa  à partir des années 760. Abbaye et château abbatial furent incendiés en 1552 lors du siège de Metz, l’église abbatiale détruite  un peu plus tard (en 1582). Par contre l' église paroissiale résista. Placée sous la direction d’un abbé auquel  on avait  adjoint un  groupe de chanoines, (ce sont des religieux voués au service d’une église qui habitent dans des maisons du village), elle devint  une collégiale, mais des tensions existaient entre abbé et  chanoines.

Entre 1696 et 1700, l’abbé Philippe  Eberhardt  de Löwenstein  de  Bavière, disposant de biens personnels importants fit construire une résidence  digne de son rang. L’architecte Pierre Bourdict désigné dans les archives comme « sculpteur du roi et architecte de Monseigneur l’Abbé de Gorze » édifia un palais en forme de U.

Côté rue : 41 m de long, 10 travées,  3 niveaux d’élévation, corps central rectangulaire avec  2 pavillons latéraux plus hauts d’un niveau, alignés sur le corps central. 2 gros chasse-roues servent de contrefort aux extrémités de la façade,  fenêtres  avec grilles à tombeau, à droite porte de la chapelle.

Côté cour : 2 ailes en retour, pavillons carrés aux angles. Au nord (droite en entrant) la chapelle, au sud,  les écuries autrefois. Sur le corps central, les clés des  fenêtres au 2^ème niveau sont ornées de têtes  de  divinités :

à gauche : Vulcain avec foudres, marteau et tenailles,

  au centre : Minerve casquée, chouette dans le panache, bouclier à tête de Méduse, lance, compas, rapporteur, autre bouclier décoré d’une place forte,

  à droite : Mercure, casque ailé, pièces de monnaie, livres, lance, caducée (attribut de Mercure : baguette entourée de deux serpents entrelacés et surmontée de deux courtes ailes).

Au fond de la cour, un mur qui retient une terrasse. Au milieu, un  bassin, de part et d’autre, menant au jardin, des  escaliers divergents  gardés  par deux  sphinges, tête et buste de femme,  corps de lionne. Sous les escaliers, deux superbes bas-reliefs représentant  la légende de Jason et  Médée.  Grande finesse  dans la composition et la réalisation. A droite le Mariage de Jason et Médée. Eprise du héros, la  fille du roi l’aida  à s’emparer de  la Toison d’or. Carquois et flèches  déposés à ses pieds, allusion à Cupidon ? , nuages, palmiers, petit chien …. Grande richesse de détails, beaucoup d’inventivité …  

A gauche,  furieuse d’être trompée, Médée s’enfuit dans les airs  sur un char tiré par deux dragons, après le meurtre de leurs  deux fils.  Aux extrémités, deux niches : l’Abondance d’un côté et de l’autre Jason, guerrier portant la Toison  d’or.  

En haut de l’escalier un jardin à la française.

Au fond avec un nymphée qui devait former une cascade, l’eau sortant de  8 niches. Une maison de soins est construite à l’emplacement  du potager, des vergers et des bois autrefois situés à l’arrière. Stalactites entourant certaines niches évoquant ainsi  des grottes, vieillards barbus mais musclés, jeunes femmes idéalisées s’appuyant sur un cheval marin, un dauphin, fonds décorés de palmiers, roseaux, vignes, oiseaux, enfants, maisons, chapelles, beaucoup de fantaisie dans ces décors.

La richesse décorative essentiellement profane de ce bel ensemble baroque fait oublier que ce palais fut construit pour un abbé qui y résida peu  (+1720). Mis à la disposition des parlementaires messins  au XVIIIème siècle pour de grandes fêtes, le palais abbatial fut transformé successivement en hôpital militaire,  caserne de cavalerie puis centre de soins et d’hébergement (1978) et de nos jours, établissement public départemental de santé de Gorze (EPDS).

Eglise collégiale St Etienne.

Eglise paroissiale construite en 1077, elle a résisté aux destructions  environnantes. Romane à l’extérieur, elle est  gothique à l’intérieur, le bulbe plus récent (1824) a remplacé une toiture à quatre pans.

La façade nord, percée de deux portails celui de la Vierge et celui des prêtres (XIIIème ?).

Portail de la Vierge : un porche ajouté plus tardivement  sur lequel  figure une Vierge à l’Enfant assise sous un dais et  entourée d’anges agenouillés.

 La petite porte, réservée aux prêtres est surmontée  d’un tympan figurant le « jugement dernier »: sous un arc en plein cintre et dans une arcade trilobée : un christ juge, assis, lève ses mains ouvertes, à ses pieds, à droite, un défunt se dresse hors de son tombeau, les yeux ouverts, à gauche, un « damné », yeux fermés se fait dévorer.

Intérieur :

Trois nefs éclairées de hautes fenêtres. Dans le chœur de majestueuses boiseries en chêne sculpté (1744) s’enroulent autour des piliers de la croisée du transept. (Hauteur : 3,80m !). 7 compartiments délimités par des pilastres contiennent  6 grandes toiles (112 x 190) représentant des scènes de l’Ancien et du Nouveau Testament  autour du compartiment central. Très  beaux vitraux, 1861, E. Remy de Nancy. Autel néogothique harmonieux. Stalles en bois art nouveau sur le côté. Des bannières représentant  des confréries lors des processions, rares témoignages de  soie  brodée de fils d’or et d’argent très bien conservées.   Au-dessus de la porte royale, est suspendu un Christ en bois polychrome attribué à l’école de Ligier Richier. (Restauration en  1764). Au fond, une tribune d’orgue datant de 1910, 4 anges musiciens. En dessous une piéta entourée d’une grille raffinée avec rameaux floraux.

Magnifique journée,  Catherine nous fait découvrir  si près de chez nous des lieux  intéressants chargés d’histoire et de savoir-faire artistique ancestral.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

Vendredi 3 Août, 14 h au Centre Pompidou, visite guidée  de l’exposition

« Couples modernes ».

Rendez-vous sur place dans le hall d'entrée à 13 H 40.

Participation pour la visite guidée : 5 euros pour adhérent - 8 euros pour non-adhérent

Cette visite est selon le protocole imposé par le Centre Pompidou Metz,

limitée à 30 personnes.

Réservation souhaitée par mail  :  lesarts57@hotmail.fr

ou par tél : 03 87 32 05 03 - 06 84 35 19 96