.

.

.

Suzanne Valadon, Autoportrait, 1911. Coll. part.

Jeudi 11 mai 2023, il y a foule en ce début d’après-midi dans le hall du Centre Pompidou. 14 h, rendez-vous pour les visites guidées réservées par LesArts57. Une cinquantaine de personnes réparties en 2 groupes sont emmenées par Mélodie et Julien que nous retrouvons avec plaisir.

Suzanne Valadon, de son vrai prénom Marie-Clémentine, est née en 1865 près de Limoges de père inconnu. Fuyant la médisance, sa mère emménage à Montmartre et s’installe comme lingère en 1866. A l’âge de 11 ans, elle exerce des petits métiers pour aider à subvenir aux besoins du foyer, fleuriste, travaux de couture, trapéziste dans un cirque …

A partir de 15 ans, suite à une mauvaise chute, elle devient modèle. Elle pose pour Pierre Puvis de Chavannes, puis pour Auguste Renoir, son voisin.  Elle se fait appeler Maria. Elle pose aussi pour Henri de Toulouse-Lautrec. Dévoilant sa nudité à des artistes plus âgés et en référence à Suzanne au bain, observée par des vieillards, il la taquine et la surnomme Suzanne, prénom qu’elle va adopter...

Dans cette jolie toile de Renoir, elle incarne une jeune femme bourgeoise, élégante, qui danse avec un cavalier qu’on devine à peine. La touche de Renoir est reconnaissable, beaucoup de lumière, impression de mouvement, drapé magnifique, …

Pierre-Auguste Renoir, Danse à la ville, 1883, Paris, musée d’Orsay,

Un an plus tard, Toulouse-Lautrec représente la jeune femme avec un tout autre visage.  L’air juvénile peint par Renoir fait place à un modèle plus mature qui fixe l’artiste avec un air de défi. Selon les artistes, elle pose pour le visage seulement ou le corps tout entier. Elle est un modèle très apprécié.

Toulouse-Lautrec, La Grosse Maria, 1884.

Dans cet autoportrait, Suzanne a changé de rôle, après avoir été modèle, muse, amante, elle s’affirme comme artiste à part entière et se présente avec les attributs du peintre. « Il faut être dur avec soi », son regard sur elle-même n’est pas tendre. Dans ce Montmartre bohême, où elle fréquente les artistes impressionnistes, émerge en 1911 un nouveau mouvement à la palette plus colorée, les fauves : Mathis, Derain… elle utilise une palette aux couleurs chaudes, une approche plus naturaliste.

Suzanne Valadon, Autoportrait, 1911. Coll. part.

C’est ce grand nu qui ouvre l’exposition. Il témoigne du caractère frondeur de cette artiste singulière : pour la première fois une femme peint le corps d’un homme nu en position frontale. Sous les traits du couple biblique Adam et Eve qui s’apprête à cueillir le fruit défendu, Suzanne se représente aux côtes d’André Utter, son nouvel amour, ami de son fils et de vingt ans son cadet. Pas de serpent maléfique dans cette composition. Presque grandeur nature, les corps sont harmonieux, limités par un trait ferme, aux couleurs étonnantes bleues, roses ou même vertes les intégrant parfaitement dans le décor végétal.

Eté dit aussi Adam et Eve, 1909, Paris, Centre Pompidou.

Les feuilles de vigne couvrant le sexe masculin ont été rajoutées, comme en témoigne une photo d’époque. C’était sans doute la condition pour qu’elle puisse être exposée au Salon d’automne de 1920, elle n’a cependant pas été à l’abri d’insultes.

Gustav Wertheimer, Le Baiser de la sirène, 1882.

Elle est modèle aussi pour Gustav Wertheimer, peintre autrichien. Autre facette de Suzanne, cette jolie sirène, au corps de porcelaine charme dangereusement un marin pour l’entraîner vers les abysses. Sa formation aux arts du cirque est perceptible dans ce corps en torsion et lui permet aussi de tenir de telles poses plus longtemps. Suzanne, modèle « polyvalent » est vraiment plébiscitée par les peintres.

Dans ce tableau, elle est assise sur la margelle d’un puit. En peinture, le nu doit être justifié, ici on lui donne une dimension allégorique, celle de la Vérité ! 

Vojtech Hynais, Varianta Pravdy, 1891-95.

Les ateliers de peinture avec modèle vivant étaient réservés aux hommes. Suzanne s’exerce, dessine son quotidien et prend comme modèle ses proches, sa mère Madeleine, son fils Maurice, né en 1883, reconnu par Miquel Utrillo.

Utrillo pensif, 1911. Grand-mère et petit-fils, 1910. Portrait de la mère de l’artiste, 1883.

Dans ce tableau, Suzanne est au milieu de sa famille, sa mère, son fils et André Utter, jeune peintre, ami de son fils, dont elle s’éprend. Elle se représente à la manière des artistes de la Renaissance italienne, sans concession, le regard franc. Position centrale, robe plus claire, elle est cheffe de famille. A ses côtés son fils Maurice, mélancolique, souvent alcoolisé, maman Madeleine qui veille sur « le trio maudit » et André, son jeune amant. Maurice est né lorsque Suzanne avait 18 ans, son éducation a été confiée à sa grand-mère. Femme libre, elle se moque du qu’ «en dira-t-on ».

Portraits de famille, 1912, musée d’Orsay.

En 1886, après sa relation tumulteuse avec Toulouse – Lautrec, elle a une brève liaison avec Erik Satie. Ce portrait d’une incroyable modernité, est l’une des premières toiles qu’elle réalise, plus habituée au dessin. Jaloux, excessif et éperdument épris d’elle, il lui enverra des missives douloureuses. Après leur rupture, le musicien compose, « Vexation », morceau où le motif doit être répété 840 fois !

Suzanne Valadon, Portrait d’Erik Satie, 1892-1893, Paris, Centre Pompidou

Une impressionnante galerie de portraits représente la constellation des personnes qui, au fil des années, font partie de son entourage, famille, connaissances, certains sont collectionneurs ou veulent asseoir leur notoriété. On y retrouve son goût pour les motifs décoratifs dans la représentation des matières, tissus, tentures, fleurs… Elle crée des fonds animés.

Sur cette toile à la fois portrait et scène de genre, Suzanne peint sa nièce, Marie Coca, accompagnée de sa plus jeune fille Gilberte. Elle aborde le thème du passage de l'enfance à l’âge adulte. Le regard de l'enfant, dirigé vers le spectateur, évoque l’avenir. Sur le guéridon, devant le houx d’hiver, un petit bouquet d’œillets blancs annonce aussi le printemps. En haut, à gauche, représenté rapidement, un ”tableau dans le tableau” : la Répétition d’un ballet à l’opéra d’Edgar Degas. Le traitement de la perspective pas classique, le plancher en particulier, en fait aussi une œuvre résolument moderne.

Suzanne Valadon, Marie Coca et sa fille Gilberte, 1913 - Lyon, musée des Beaux-Arts.

Ce nu masculin du Pêcheur à l'épervier peint par Frédéric Bazille qu’elle a vu au Salon de 1910, a inspiré à Suzanne ce grand format (2m x 3m). L’épervier est le filet pour attraper un ban de poissons. Le modèle est André Utter. La décomposition du mouvement du pêcheur met en valeur la beauté du corps masculin athlétique dans différentes postures qu’elle souligne d’un cerne noir. Là aussi, elle s’empare de sujets proscrits, interdits aux femmes. Cette toile évoque aussi la chronophotographie, en vogue à l’époque, décomposant le mouvement image par image.

Ses natures mortes très colorées reflètent son goût pour les motifs décoratifs, les textiles, les textures, les paysages celui de l’observation. La forêt de Fontainebleau ou le paysage corse, compositions en apparence simples, se révèlent en réalité très construites. Elle prend le temps d’observer, de mettre en scène, un peu à la manière de Cézanne, par exemple ses pommes.

Suzanne Valadon, Etude pour la Nature morte à la théière, 1911. Paul Cézanne, Nature morte au tiroir ouvert, 1879.

L’exposition montre de nombreuses œuvres, ayant appartenu à Edgar Degas. Lorsqu’il découvre son talent de dessinatrice, la ligne dure et souple qu’il apprécie, il lui déclare « vous êtes des nôtres ». Il l’initie à la gravure en taille douce sur sa propre presse. Une vingtaine de dessins, acquis par Degas, montrent des scènes de la vie quotidienne. Maurice, frêle petit garçon qu’on voit grandir, sert de modèle à différents âges, dans différentes postures. La ligne sinueuse toujours marquée par un trait soutenu. Des scènes de toilette avec bassine témoignent des habitudes de bain au début du XXème. La signature inversée, observée sur certains dessins, résulte du procédé de gravure.

Caractéristique du trait ”dur et souple” de Suzanne Valadon - selon les mots d'Edgar Degas - cette composition s'inspire des estampes japonaises prisées au début du siècle. Elle reprend le thème de la femme à sa toilette. Le corps adolescent de la jeune fille est représenté dans un geste intime et quotidien. Le contour épais du corps et l'utilisation de la craie rouge évoquent la manière d'Edgar Degas.

 Suzanne Valadon, Nu sortant du bain, vers 1909, Centre Pompidou.

 La dernière section de l’exposition est consacrée aux nus féminins. De tous les maîtres qu’on lui a prêtés, Paul Gauguin est le seul qu’elle accepte lorsqu’on lui demande qui l’a inspirée. Bien qu‘elle ne l’ait jamais rencontré, elle a pu voir ses œuvres présentées en 1889 dans l’exposition au Café des Arts. Dans cette toile de la Vénus noire transparaît le goût des paysages de Gauguin. La posture de ce portrait est cependant classique, sans doute réalisée avec des moments de pose.

Suzanne Valadon, Vénus noire, 1919 Paris, Centre Pompidou.

Elle réalise des nus féminins aux seins lourds, aux cuisses larges loin des standards hérités des regard masculins et des portraits bourgeois. Le corps féminin s’expose au regard dans des postures plus libres. « Ne m’amenez jamais une femme qui cherche l’aimable ou le joli, je la décevrai tout de suite ».  Beaucoup de sensualité se dégage de cette peau aux couleurs étonnantes :  jaune, verte, bleu, rose pastel, blanc… et toujours le cerne noir et les couleurs saturées.

La Chambre bleue, 1923, musée des Beaux-Arts de Limoges.

Œuvre phare souvent montrée, cette toile est d’une étonnante modernité. La posture de cette femme allongée, libérée des conventions de son temps, évoque celle d’Olympia de Manet, et un peu la tradition orientale. Le regard fixe, perdue dans ses pensées, elle ne cherche pas à nous plaire. Dans les années 1920, la cigarette était symbole de petite vertu. Dans cet espace clos, des livres à ses pieds, vêtue d’un pantalon semblable à un pyjama d’homme, d’un débardeur (encore très actuel) sur un drapé et un fond aux motifs végétaux rapidement exécutés, elle illustre parfaitement le titre de l’exposition « un monde à soi ».

Cette très agréable visite, trop rapidement passée, donne un aperçu et surtout très envie de revenir admirer les nombreuses autres toiles de cette exposition remarquable qui rassemble environ 200 œuvres. Cette femme audacieuse, au parcours de vie rude, a côtoyé de grands artistes dans le quartier de Montmartre, artistiquement si actif et vivant, fin XIX e début XX e. Elle en a nourri sa peinture et, à travers toutes ces influences, s’est créé un style tout personnel. Un siècle plus tard, son œuvre reste encore d’une étonnante modernité.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

Jeudi 1er Juin à 20 h, Château Fabert, à MOULINS LES METZ

« Monet et les peintres de la lumière »

Soirée présentée par M. Jean-Yves BEGUE.

Réservation obligatoire par mail ou par tél.

 lesarts57@gmail.fr   ou tél.   03 87 32 05 03 

.

.

 .

Gustave Caillebotte, Autoportrait, v. 1889, Orsay

Grand succès pour cette première conférence organisée par LesArts57 à l’Espace Philippe de Vigneulles à Lorry, présentée par Catherine BOURDIEU, maîtresse de conférences en histoire de l'art à l'Université de Lorraine.

Elle a enthousiasmé les 83 personnes, venues découvrir l’œuvre et la personnalité si intéressante de Gustave Caillebotte, (1848-1894), peintre, collectionneur et généreux mécène. En écho à l’actualité, le thème de cette rencontre a été choisi à l’occasion de l’acquisition par le Musée d’Orsay du tableau Partie de bateau.  

Ce tableau aussi appelé Le Canotier au chapeau haut de forme, vient d’être acquis par le musée d’Orsay pour 34 millions d’euros. Le personnage, rame dans une barque sur la Yerres, rivière située tout près de la maison familiale des Caillebotte au sud-est de Paris. Cadrage original, le point de vue du peintre est placé dans la barque, si bien que nous avons l’impression de naviguer avec le rameur. La gamme colorée, fondée sur les bleus, et la touche libre appartiennent à la peinture de plein air. Le sujet jugé très banal, et la composition inhabituelle, provoquent la désapprobation des critiques lors de la présentation du tableau à la 4^e exposition du groupe impressionniste.

Né à Paris en 1848 dans une famille aisée, Gustave Caillebotte obtient une licence de droit en 1870. Il participe à la défense de Paris pendant la guerre franco-prussienne.

En 1872, au cours d’un voyage en Italie, il peint Route à Naples. L’attelage est arrêté sur un chemin poussiéreux dans la plaine. Au loin, le Vésuve. Le jeune artiste maitrise déjà le coloris : noir du cheval et blanc du chemin qui vibrent sous le soleil intense, l’ombre de l’animal est courte et foncée. La perspective, créée par une longue ligne oblique, et l’isolement des figures sont aussi déjà bien représentés.

De retour à Paris, il travaille dans l’atelier de Léon Bonnat, peintre académique très réputé, spécialiste des scènes de genre et portraitiste immensément célèbre qui apporte une grande culture artistique à ses élèves. Degas, l’ami de Bonnat, le met en relation avec les impressionnistes. En 1872, Caillebotte entre à l’Ecole des Beaux-Arts. Deux ans plus tard, son père meurt et lègue une grande fortune à sa femme et ses fils. Ses frères René (1851-1876) et Martial (1854-1910) servent de modèle, respectivement dans le Jeune homme à la fenêtre et Jeune homme au piano.

René meurt à l’âge de 25 ans. Martial, musicien et photographe partage avec Gustave la même passion pour la philatélie, ils commencent une collection de timbres du monde entier, qu’ils revendront très avantageusement à un grand philatéliste anglais et qui est conservée aujourd’hui à la British Library.

En 1876, Renoir incite Caillebotte à participer à la 2^e exposition impressionniste. Les deux hommes nouent des liens d’amitié. Caillebotte lui achète Le Bal du moulin de la Galette. Renoir représente Caillebotte dans Les canotiers à Chatou et au premier plan dans le Déjeuner des Canotiers dont la scène se situe à la terrasse du restaurant Fournaise à Chatou devenu maintenant un musée.

Renoir passe l’été 1881 avec la famille Caillebotte et réalise le portrait de la compagne de Gustave, Charlotte. Caillebotte devient le parrain de Pierre, fils ainé de Renoir né en 1885. Renoir est aussi l’exécuteur testamentaire de Caillebotte en 1894. Il peint les enfants de Martial Caillebotte, Jean et Geneviève, en 1895.

Le jury du salon officiel ne retenant jamais leurs œuvres, les impressionnistes créent la Société anonyme coopérative des artistes peintres, sculpteurs et graveurs, en 1873. Ce collectif d’artistes va organiser leurs expositions. Parmi eux, il y a Eugène Boudin, Cézanne, Degas, Monet, Berthe Morisot, Pissarro, Renoir, et Sisley. A la 2^ème exposition, galerie Paul Durand-Ruel, Caillebotte expose 8 tableaux parmi lesquels les deux versions des Raboteurs de parquet, Jeune homme jouant du piano et Jeune homme à la fenêtre…

Ce sont de rares tableaux de l’époque représentant les ouvriers des villes avec autant de précision, le monde paysan lui est régulièrement pris pour sujet. Vue en contre plongée et cadrage toujours original.

1878, 3^e exposition du groupe : Caillebotte s’applique à faire de cette exposition un véritable événement artistique. Il sollicite les peintres, choisit et loue le lieu d’exposition, choisit les tentures pour agrémenter les pièces… Il réalise la maquette du catalogue de l’exposition, envoie les invitations, accroche les tableaux avec Renoir et finance les publicités dans la presse. Lui-même expose 6 tableaux et en prête 8 de sa collection, Degas, Monet, Pissarro, Renoir ! Il participe encore en 1879 et 1880 et 1882 mais des tensions sont apparues au sein du groupe.

Dans ses portraits, Caillebotte illustre la vie bourgeoise de son temps qu’il connait bien.

Composition très resserrée dans la leçon de piano, environnement élégant, la professeure à droite bat la mesure. Ces deux femmes ne sont pas identifiées. Il offre ce tableau à Monet qui ne s’en est jamais séparé. Chrysanthèmes blancs et jaunes est le cadeau offert par Caillebotte pour le mariage de Monet, dont il est le témoin. L’homme au balcon n’est autre qu’un ami d’enfance Maurice Brault, passionné comme lui par la construction navale, sur le balcon du l’appartement du boulevard Haussmann. Dans La partie de bésigue, il représente des amis et Martial, son frère, à droite.

Caillebotte a représenté de nombreuses vues de Paris, vues directes ou indirectes, vues d’en haut, vues dans les rues, avec des personnages.

Sur ce tableau, le pont de fer, puissant et monumental contraste avec les immeubles haussmanniens du fond, rétrécis par l’éloignement alors qu’ils sont imposants en réalité. Le traitement de la perspective est original et étonnant : toutes les lignes obliques convergent vers le chapeau haut de forme :   ligne du trottoir, dos du chien, géométrie du pont et immeubles en arrière-plan : le point de fuite est décentré. L’exemple de Manet est perceptible dans le parti réaliste et la facture lisse de la toile.

Sur cette autre vue du pont de l’Europe, Caillebotte décrit soigneusement l’agencement des pièces métalliques du pont mais, par l’intermédiaire de l’homme qui flâne, il attire aussi notre attention sur la gare St-Lazare, dont on devine l’activité. Le thème du flâneur a aussi été développé par Manet. Rue de Paris, temps de pluie, est reconnu comme un des tableaux majeurs du peintre, et reste dans la veine réaliste.

Cet homme sur le balcon observe le boulevard Haussmann. Caillebotte peint en intérieur un spectacle extérieur. Luminosité un peu atténuée dedans, le soleil illumine arbres et façades dehors. La jolie balustrade du balcon et le store rayé apportent du dynamisme au coloris. Sur la Vue à travers un balcon, la balustrade devient l’élément essentiel. A travers les volutes, on voit un fiacre qui passe dans la rue. Point de vue très étonnant à nouveau, on ne sait ce qui est le plus important. Autre fantaisie, Le boulevard vu d’en haut, offre une vue plongeante vertigineuse depuis le 3^e étage de l’immeuble. Choix de cadrage où la ligne oblique du trottoir coupe la toile de manière insolite. Les passants sont représentés par des raccourcis extrêmes et le feuillage printanier de l’arbre, encore discret, apporte beaucoup de fraîcheur.

La famille Caillebotte possède un domaine familial de 11 ha à Yerres, non loin de la rivière ce qui permet à Gustave de pratiquer le jardinage et les activités nautiques, ses deux passions. 

A l’ombre d’arbustes en bacs, coiffé d’un chapeau de paille, Martial, le frère du peintre, assis de dos, lit. Sous l’oranger, la jeune fille est Zoé, leur cousine. Au fond, dans l’allée au soleil, un chien fait la sieste. Le mobilier de jardin est l’œuvre de François Carré, créé en 1866 et très répandu pendant très longtemps.

Tableau très original encore, Caillebotte s’attarde sur les impacts des gouttes d’eau sur la rivière, représentés par des cercles de dimensions variées. Composition en strates superposées en biais, appel de couleurs entre le chemin sur la berge au premier plan et l’autre berge où est amarrée une barque. Entre les deux, la rivière où se reflètent les troncs des arbres, thème purement impressionniste.

En 1876, Caillebotte devient membre du Cercle de la voile de Paris, au Petit Gennevilliers, situé en face d’Argenteuil, comme Monet, Renoir et Sisley avant lui. Il les rejoint souvent à Chatou et à Argenteuil. En 1878, il achète un premier voilier, L’Iris, pour participer à des régates. C’est lui qui donne à Signac le goût de la navigation à voile et ils remontent ensemble la Seine jusqu’à la Grande Jatte, île où Seurat travaille.

Comme sur le tableau qui vient d’entrer à Orsay, nous nous trouvons dans la barque des canotiers. Le peintre décrit soigneusement l’équipement :  les appuis pour les pieds, ainsi que les attitudes et les efforts des rameurs. Le soleil rend les bras éclatants et fait briller le bois de la barque.

Les périssoires sont des sortes de canot, mesurant de 4 à 8 mètres selon le nombre de rameurs. Leur construction peu élaborée les rend instables et dangereux, ce qui a inspiré leur nom. Ces tableaux contiennent tous les principes de l’impressionnisme : reflets dans l’eau, petites touches, effets de lumière.

Après la mort de leur mère, la propriété de Yerres est vendue en 1879. Gustave et Martial achètent un terrain au Petit-Gennevilliers sur la rive gauche de la Seine, face à Argenteuil, et y font construire une maison. La propriété entièrement aménagée, comporte : la maison d’habitation typique de la région, en pierres meulières, un pavillon indépendant pour l’atelier, le jardin, la serre, la maison des jardiniers, un abri de jardin, un poulailler, une volière et un chenil.

La maison de l’artiste au Petit Gennevilliers, 1883, coll part.

Richard Gallo, ami du peintre, journaliste, se promène avec son chien sur la berge de la Seine en face d’Argenteuil, tout près de la maison des frères Caillebotte. Remarquable composition fondée sur la juxtaposition de lignes horizontales (les berges et le chien) et de lignes verticales (Gallo, les maisons et les arbres). Au premier plan, Gallo et le chien avancent, ils sont en mouvement, à l’arrière-plan, les maisons et les arbres sont immobiles. Le coloris aux harmonies claires, bleues, blanches et vertes est très subtil. Le maître et son chien, traités dans une harmonie de noir, s’en détachent. Les taches claires qui apparaissent sur le costume de Gallo résultent de la décoloration du tissu sous l’effet de la lumière du soleil filtrée par le feuillage des arbres, spécialité de Renoir. Superbe travail aussi sur les reflets des immeubles dans l’eau.

Fasciné par l’horticulture, Caillebotte fait de son jardin un laboratoire, une œuvre d’art, c’est un jardin savant. Il y installe des arroseurs automatiques, cultive des plantes originales, correspond beaucoup avec Monet. A sa mort, on y recense 350 plantes.

Nouvel exemple de composition audacieuse, dans un arrière-plan presque entièrement vert, ces iris bleus vus en contre-plongée de très près, une digitale au milieu. Les tiges sont coupées par le bord du tableau. Cette très jolie harmonie en bleu et vert est à peine réchauffée par quelques touches jaunes. La touche est libre : empâtements pour les iris, longs coups de pinceau pour les feuilles et coups de pinceau courts, en tirets parallèles et verticaux pour le feuillage du fond.

Iris bleus, jardin du Petit-Gennevilliers, 1892, coll part. 

La maison du Petit-Gennevilliers se trouve non loin du Cercle de la Voile de Paris et à proximité d’un chantier naval avec lequel il collabore, dessine les plans de 22 voiliers et expérimente plusieurs innovations. Il devient vice-président du Cercle de la Voile, s’investit aussi à la Société des régates de Cabourg. Il participe à des compétitions nautiques, des régates, traverse la Manche. Il séjourne souvent à Trouville. Gustave Caillebotte a eu 32 bateaux et 14 voiliers.

Gustave Caillebotte meurt en 1894 à l’âge de 46 ans. Son legs provoque des querelles entre les tenants de l’académisme (en particulier William Bouguereau) et ceux de l’impressionnisme. Finalement, les Musées Nationaux acceptent en 1896, une partie seulement des tableaux de sa collection parmi ceux de Degas, Manet, Millet, Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, Cézanne !

Passionnante, comme toujours, Catherine nous a permis de découvrir cet artiste au grand cœur, oublié pendant longtemps, qui excellait dans tout ce qu’il entreprenait, philatélie, horticulture, nautisme… 

Elle rappelle qu’en 2024, nous célèbrerons les 150 ans de l’impressionnisme : c’est en 1874 qu’a eu lieu la première exposition du groupe. L’association Les Arts 57 s’associera bien sûr à cet anniversaire dans sa programmation.

Bibliographie :

Marie Berhaut, Caillebotte, sa Vie et son Œuvre. Catalogue Raisonné des Peintures et Pastels, Paris, La Bibliothèque des Arts, 1978, 270p.

Fabienne Boursier, La représentation du jardin dans l’œuvre de Gustave Caillebotte : une peinture documentaire entre illustration et art, mémoire de M1, Université Paris I Panthéon-Sorbonne, 2013-2014, 101 pages.

Sophie Monneret, L’impressionnisme et son époque, Paris, Robert Laffont, 1987, 2 vol. 997p. et 1185p.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

l'AG de l'association Les Arts 57,  le mardi 21 mars à 18h30

salle polyvalente, à l'entrée de Saulny.

lesarts57@gmail.fr   ou tél.   03 87 32 05 03 

.

.

.

Temps gris ce jeudi 12 janvier mais c’est avec grand plaisir que LesArts57 retrouvent leurs adhérents pour la 1^ère rencontre de la nouvelle année 2023. Nous sommes 31 personnes réparties entre Benjamin, qui commence la visite, et Julien qui emmène le 2^ème groupe.

"Mimèsis. Un design vivant" est une exposition qui explore le design, son évolution depuis les années 1920-1930, et surtout son lien avec la nature qui nous a inspiré depuis la nuit des temps. Tandis que le 1er groupe suit le parcours chronologique, Julien nous emmène dans l’autre sens devant une œuvre atypique qui questionne.

Cet objet étonnant à taille humaine possède 4 pieds, 1 dossier, 1 assise, c’est bien une chaise. Sa forme inhabituelle et son aspect interrogent : est-elle ancienne ou récente ?

Un indice : elle est très légère, donc sans doute récente. Elle incarne le design : bel objet adapté à sa fonction.

La création d’un objet design répond à 4 besoins :

• être utile : un dossier pour maintenir le dos, une assise pour asseoir le bassin.
• être esthétique même si c’est subjectif, l’objet doit intéresser, attirer l’attention.
• convenir à tous.
• être original, novateur dans la pratique ou dans son utilisation.

Depuis la nuit des temps, nous allons puiser des idées dans l’environnement, nous nous inspirons de la nature pour créer, nous faisons de la mimesis ! Le plus vieil objet date sans doute de l’ère des cavernes, il était en bois, ou en paille ... Avant les arts décoratifs industriels, dans les années 1920, peu d’artistes fabriquent des objets du quotidien, utiles.

Au 20 ^ème s., moins impacté par les anciens, le design se métamorphose : les matériaux, les formes, les couleurs sont étonnantes. Dans les années 50, « le plastique c’est fou ! ». Par exemple un siège auto contient du plastique, du caoutchouc, du métal, des colles chimiques… Les matériaux proviennent de pays différents, ils ont parcouru des km et des km … Les principes politiques, écologiques, environnementaux veulent maintenant sortir des industries polluantes, se tourner vers le verre, se rapprocher de la nature, retrouver des alternatives plus durables, moins énergivores… La technologie, l’ordinateur, les imprimantes 3 D … permettent, dans les années 1990, des réalisations remplissant davantage ces critères. Les designers se tournent vers la biofabrication.

Si cette chaise était sculptée, le sculpteur l’aurait formée par soustraction de matière dans le bloc initial. Or, ici, le process est réalisé par addition de matière. Cet aspect brut, ressemblant à un récif corallien, est obtenu par un mélange de mycélium de champignon et de chanvre. Cette impression par addition de résidus naturels donne un côté boisé, stratifié. On peut stopper la croissance de la chaise, elle peut être recyclée dans un centre de tri, se décomposera facilement, retournera à la nature. Une autre chaise pourra être refabriquée de la même façon… production locale, moins polluante, mycélium et chanvre trouvés sur place.

Les algues constituent aussi un biomatériau intéressant. Samuel Tomatis crée des objets à partir de toutes sortes d’algues : vertes, rouges… ramassées sur des plages de Bretagne ou de Guadeloupe. Elles sont récupérées, séchées, réduites en poudre.  Les qualités de viscosité des algues leur confèrent, en outre, des propriétés de colle naturelle et de patine. Un déchet organique est ainsi transformé en un matériau solide, durable, utilisable dans la création d’objets design et biodégradable à l’infini.

Cette petite commode, elle aussi très surprenante, est réalisée en cocons de vers à soie, collés avec de la résine d’abeille. En durcissant, ce liant ressemble à du verre. Marlène Huissoud, fille d’apiculteur, explore les possibilités offertes par les insectes pour créer cet objet noir au design innovant, résultant pourtant de lents processus naturels.

Fernando et Humberto Campana, designers brésiliens, imaginent un revêtement de façade pour revitaliser les espaces urbains, trop bétonnés qui manquent de nature. Pele, « peau » en portugais, propose un revêtement de bois et billes argiles, maintenues par un treillis, susceptible de se végétaliser naturellement par l’arrivée de graines, d’insectes.

Le studio néerlandais conçoit aussi des objets arts de la table : tasse, coupelle, carafe, fiole, flacon… par bio-impression 3D ; à base d’algues et de biopolymère de sucre, réalisant ainsi un bioplastique recyclable !!! 

Cette salle consacrée aux arts numériques expose d’autres œuvres magnifiques dont le processus de fabrication imite le dynamisme de la croissance d’organismes vivants.

Mathias Bengtsson utilise une technologie innovante d’impression de titane utilisée dans l’industrie aéronautique. Pour fabriquer cette très jolie console, un logiciel simule la croissance organique, par division des cellules, recréant le mouvement fluide de lianes qui s’enroulent les unes autour des autres.

Mathias Bengtsson, Growth Table Titanium, 2016.

Cette superbe petite table noire, très légère (1.5 kg), rappelant la feuille de Gingko, allie aussi design et nature :  DNA : Design, Nature, Art, (DNA est aussi la traduction anglaise de l’ADN, clin d’œil et convergence intéressante avec la structure microscopique des chromosomes du vivant). Le designer Ross Lovegrove utilise la fibre de carbone, matière très prisée dans le secteur automobile, facile à travailler. Suivant le processus naturel de croissance, les 3 pétales se plissent en leur centre et s’étalent progressivement. La surface unique, brillante, concentre en son centre sa force originelle.

Ross Lovegrove, The Gingko Carbon Table, 2012.

Avec ce petit prototype différent des autres sièges, la jeune designer néerlandaise Lilian Van Daal remporte le concours Volvo Design Challenge en 2015. Son projet consiste à réaliser des sièges de voitures recyclables alliant technologie et éléments organiques. Elle utilise le bois de pin de Suède, une impression 3D, et un processus biométrique imitant la croissance végétale. Les entrelacs maitrisés favorisent la souplesse du bois. Ce siège d’une seule pièce, aisément reproductible, est lui aussi recyclable.

Lilian Van Daal, Siège Shapes of Sweden for Volvo, 2015.

La salle suivante nous entraine dans les rêveries urbaines des frères Bouroullec. Ce sont des maquettes d’études visualisant des réflexions sur l’aménagement urbain, créant des espaces qui rassemblent, des écosystèmes pour rendre la vie plus agréable… Elles sont pensées comme un vaste répertoire de motifs urbains, pergolas, kiosques, fontaines, mobiliers… destinés à réenchanter les lieux de promenades, de rencontres, d’échanges comme l’agora grecque ou le forum romain tout en favorisant le retour des formes du vivant, végétaux, animaux, eau… Les plantes jouent un rôle important, apportent de l’ombrage, protègent de la pluie, filtrent la pollution … Elles créent un écosystème où l’air y est plus agréable.  Plusieurs de leurs projets ont déjà été réalisés ponctuellement dans l’espace public : à Paris : les fontaines sur le rond-point des Champs Elysées, en Allemagne au Vitra Campus, à Miami (Etats-Unis), au Danemark, (à Aarhus), …

Dans le design des années 1980, on associe à des éléments de production industrielle des éléments naturels. Andrea Branzi, créateur italien ajoute à l’étagère, en aluminium patiné et lisse, un tronc de bouleau brut. Il rompt l’équilibre de la forme standard en l’individualisant, c’est comme capter les variations de la nature, les objets se ressemblent mais sont tous différents. Chaque meuble est le vôtre. Respectueux de sa formation, il « a une âme », vous le chérissez davantage.

Ce magnifique banc est comme un hommage à cet arbre tombé. Le travail industriel de toute beauté pour rendre le bois lisse n’empêche pas ce chêne de garder son essence et son rôle de soutien très symbolique. L’arbre tombé est comme en lévitation grâce au verre transparent, et c’est comme s’il prenait sa force au sol par les racines.

Dans les années 1960, le mouvement hippie influencent les designers. Les motifs floraux, les espaces de vie communautaire, chaises longues, poufs, inaugurent l’idée d’un rapprochement vers le sol. Les formes nouvelles et colorées illustrent l’idée de jeunesse, de liberté, de vivre différemment.

Conçu par un collectif italien, ce canapé bulle blanc en matière plastique est une de leur pièce emblématique. Armature de polyester et fibre de verre, habillé de mousse de polyuréthane, il est recouvert de tissu et forme un cocon confortable et isolé phoniquement. Il allie biomorphisme et expérimentation de nouveaux matériaux de synthèse.

Pierre Paulin propose des fauteuils incroyables : un fauteuil ruban (imaginé à partir d’un pliage de serviette) qui obtient de nombreuses récompenses, un fauteuil champignon où piètement, dossier et corps ne font qu’un ! Le fauteuil langue, lui aussi très étonnant, par sa forme anthropomorphique, confortable, empilable. Armature minimale en métal gainée par un tissu flexible, sans couture apparente, il est vraiment très novateur.  Cet autre fauteuil inspiré de l’Odyssée de l’espace 2001, semble intemporel. Pierre Paulin a révolutionné la manière de penser le siège par ses recherches sur l’élasticité du textile, ses housses stretch en jersey d’une seule pièce qui habille l’armature des assises.

Un espace particulier est réservé au créateur français de luminaires : Serge Mouille. Acquises par le Centre Pompidou, ces pièces jamais exposées ne nous semblent pourtant pas toutes inconnues. Très jeune, il entre en formation aux Arts appliqués à Paris dans la section orfèvrerie et travail du métal. Par son approche biomimétique, à partir des formes de coquilles, conques, flocons, il combine plusieurs techniques de fabrication et découpe du métal. Il crée des objets harmonieux, élégants.

Serge Mouille, Abat-jour Lèvres, 1957.

Nous continuons à remonter le temps. Dans les années 1930, la designer Charlotte Perriand, proche de Le Corbusier, revient aux matières organiques, bois flottés, galets… collectés en montagne, sur les plages… et photographiés. Les lignes, les formes vont influencer sa création de mobilier. Dans les années 1940, son séjour au Japon enrichit et oriente son travail. A la manière d’un origami, la chaise Ombre en contreplaqué cintré, noirci est légère, empilable.

Charlotte Perriand, Table basse, aluminium atelier J. Prouvé, Chaise Ombre, Contreplaqué de frêne, 1955.

Dans les années 1930 aussi, le designer italien Carlo Mollino, architecte, photographe, pilote de voiture de course… travaille avec l’armée, crée des attelles pour soldats blessés, invente le contreplaqué moulé : la forme suit la fonction.

Le piètement courbe de ce bureau rappelle l’art nouveau. Le plateau de verre, lui aussi, évoque à la fois un profil féminin allongé, motif récurrent dans l’art nouveau, et l’aérodynamisme des voitures Mazzerati, Alpha Roméo… Inspirées par la nature, les formes imaginées par le designer, alliées à la chaleur de l’érable et à la transparence du verre en font un meuble audacieux et harmonieux.

Comme d’autres artistes, les designers utilisent le nombre d’or (= 1,618) et la suite de Fibonacci, symboles de l’harmonie universelle. La suite de Fibonacci apparait dans de nombreuses formes végétales ou animales : disposition de pétales d’une fleur de marguerite, coquille d’escargot…  Chaque terme de la suite est obtenu en faisant la somme des 2 précédents : 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21 … 0+1=1,  1+1=2,  1+2=3, 2+3=5, …

Cette heure, trop vite écoulée, a limité les choix mais donne un petit aperçu du lien entre nature et design et des différents paliers qui, au cours du siècle dernier, ont permis de le faire entrer dans l’ère numérique de la biofabrication. Un grand merci à nos guides Benjamin et Julien qui nous ont fait découvrir si agréablement et mieux comprendre certaines œuvres de cette exposition étonnante..

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

Conférence le lundi 6 février à 20 H à Longeville-lès-Metz.

au Centre Social Robert Henry. (Derrière l’église)

Soirée présentée par Laurent COMMAILLE

Thème : "La Nouvelle Objectivité et son temps"

 Réservation obligatoire par mail ou par tél.

 lesarts57@gmail.fr   ou tél.   03 87 32 05 03 

Participation : 3 euros adhérent et étudiant- 5 euros non adhérent

.

.

.

Cette soirée proposée par LesArts57 et présentée par M. Eric Pedon, spécialiste de la photographie contemporaine, enseignant chercheur en information et communication à l’université, a réuni 29 personnes, ce lundi 14 novembre 2022, à Saulny.

Les images de reportage sont, pour nous, des témoignages, des preuves, ayant pour but d’informer les citoyens. Elles permettent de voir et comprendre le monde, et même son histoire grâce aux images d’archives.

1 Place de la photographie d’information dans notre société.

 Notre environnement est saturé d’images fugaces que l’on consomme sans avoir le temps de se questionner. La presse est une industrie soumise à des logiques économiques. De nos jours, la couverture journalistique est en concurrence avec les réseaux sociaux. Le terme de couvrir a un double sens : révéler ou masquer une partie de la réalité. L’action politique, militaire se modèle selon leur capacité à devenir image d’actualité.

Une image doit savoir visualiser efficacement une situation complexe. Elle résulte du meilleur choix tenant compte des impératifs techniques, économiques, esthétiques, du point de vue du photographe et obéissant à la fonction précise assignée par le directeur de presse. Une photo de reportage de conflit peut être investie d’une forme de sentimentalité au détriment de l’information. Tendance à l’uniformisation des styles, recherche du déjà vu : par exemple actuellement, les photos d’immeubles détruits en Ukraine présents partout.

2 Photographie d’information et mémoire visuelle.

Le photojournalisme puise aussi dans la mémoire collective et utilise l’aspect mythique et symbolique des grands récits humains pour produire des images. Une photo apte à documenter l’actualité est une représentation potentiellement chargée de codes symboliques. Des photographies exemplaires qui parviennent à condenser le discours en dépassant les conditions qui les ont produites sont celles qui perdurent. Elles provoquent une interprétation plus large. Lecteur, spectateur appartiennent à une même culture visuelle, celle de l’icône qui valide la compréhension du monde. L’importance de l’image symbolique guide les critères artistiques et médiatiques.

3 Catégorisation des images d’actualité.

• Le hasard d’enregistrement : l’image relate l’événement avec un témoin au moment où il arrive.  C’est une coïncidence et plutôt une exception à la règle. L’instant décisif ne peut pas se reproduire, et forge la légende du photojournalisme. Ces clichés sont souvent primés par le prestigieux World Press Photo, concours annuel de photographie de presse, mondialement reconnu.

• Le recours à l’anecdote : l’image est comprise d’un seul coup d’œil. Exemplaire, symbolique, comme la morale d’une fable, la photo est souvent construite avec thèse et antithèse : jeune femme face aux soldats, mains différentes…. Elle relate souvent une situation tragique et peut devenir mythique.

• La puissance esthétique : une composition habile, un cadrage réussi, une belle lumière renforcent l’impact de la photo. La présence d’un personnage dans un environnement l’humanise.

  

La référence picturale d’un clair-obscur, l’utilisation des couleurs, -le rouge de la robe- et la parfaite composition du cimetière canadien de jeunes filles donnent un caractère allégorique à cette photo. Les croix auxquelles ont été suspendues des robes, érigées le long d'une autoroute de Colombie-Britannique en mémoire des enfants indigènes décédés au pensionnat. L’arc-en-ciel plonge près du lieu du charnier. Cette macabre découverte a forcé les canadiens à affronter leur passé colonial

4   Images d’actualité et culture visuelle : Les références picturales.

Un réalisateur d’images, photographe, cinéaste s’inscrit dans une culture visuelle où des milliers d’images ont imposé un certain mode de fonctionnement. Peinture, BD, jeux vidéo, produisent des codes visuels souvent réutilisés par les producteurs d’images.

La célèbre image du Che, Esnesto Guevara, acquiert une grande puissance visuelle par sa référence christique, visage émacié, barbe… pour obtenir ce résultat, la photo originale a été recadrée. Dans le même esprit, le cliché de sa dépouille diffusé par les autorités boliviennes rappelle les toiles de Rembrandt et Montegna.

Alberto Korda, Guérillero héroïco, 1960.

Comment ne pas penser à La Liberté guidant le peuple de Delacroix devant ces photos de manifestations, hommage à Charlie, gilets jaunes…ou au Radeau de la Méduse de Géricault devant ce bateau de migrants, partagé de nombreuses fois sur les réseaux sociaux, couverture de l’Obs…

Sergey Ponomarev, Prix Pulitzer 2016, World press photo 2016. Des migrants accostent à Lesbos (Grèce), en provenance de Turquie, en novembre 2015.

Le choix de certaines photos de presse ou d’affiches d’évènement ou de cinéma s’inspire d’images déjà produites auparavant. Des photos « stéréotypes » de guerre et de souffrance n’informent pas mais renvoient le spectateur aux codes qu’il connait. La photo de presse risque de ressasser toujours les mêmes motifs. Les emprunter à la peinture contribue à la lisibilité de l’évènement. La source d’inspiration majeure se trouve dans le répertoire iconographique chrétien.

 La piétà, thème artistique dominant en peinture et sculpture aux 15-16^ème siècle, est centré sur la douleur de la Vierge éplorée portant le corps sans vie du Christ. Au-delà de la religion, il représente la souffrance et l’amour d’une mère pour son enfant. La structure en triangle, bien équilibrée, est  très souvent reprise dans les photos d’actualité.

Paula Bronstein, The Silent Victims of a Forgotten War, Afghanistan, 2016.

Eugene Smith, Tomoko, Uemura in her bath, Minamata, Eugene Smith 1972. ---  S. Aranda, World Press Photo 2012, Fatima al-Qaws console son fils Saïd 18 ans, blessé lors d'une manifestation à Sanaa, au Yémen,15/10/2011. --- Manu Brabo, Un Alépin pleure son fils tué le 3/10/12 dans un attentat suicide, Alep, Syrie.

Le thème de la Vierge entourée de nombreuses personnes autour du corps est aussi utilisé dans de nombreux clichés actuels, exemple « la Piéta du Kosovo ».

Jean Fouquet, Piétà de Nouans, vers 1460-1465.

La douleur de cette mère, saisie par Hocine Zaouar, en Algérie en 1997 évoque une Mater Dolorosa moderne. L’expression du visage, la lumière, le voile… rendent cette photo exceptionnelle et primée en 1998. Elle fait la une de 750 journaux internationaux et devient une image mythique et polémique. Pourtant sa genèse est discutable : L’AFP recadre, recentre les deux femmes, recolorise la photo sans demander l’avis de son auteur. Les couleurs plus chaleureuses, accentuent le caractère tragique. Elles esthétisent la douleur et rendent le cliché iconique, référence, plus ou moins consciente, de la Mater Dolorosa du Titien.

Etonnant paradoxe de surnommer ce cliché, pris dans un hôpital d’Alger, « La madone de Bentalha ». Pourquoi utiliser cette référence chrétienne : la douleur des femmes, commune à toutes les cultures, ne relève pas d’une référence iconographique pieuse mais de l’antique tradition des pleureuses. A la sortie de la guerre, le motif de la femme souffrant est aussi très utilisé par les associations humanitaires.

Dans le photojournalisme, certaines photos font aussi référence au thème de la Vierge à l’Enfant, ou de la Madone (= représentation de la Vierge).  Grand succès éditorial de la photo de la jeune japonaise, au milieu des décombres surnommée « La Madone du tsunami » en mars 2011. La photo fonctionne comme un décalque de la Vierge, image matricielle, facile à comprendre, elle incarne la souffrance du pays tout entier. Les photographes de presse savent quels clichés proposer : pour une agence, une bonne photo, c’est de l’information + de l’émotion.

Actuellement, la publicité, le cinéma, les artistes s’emparent de ces thèmes en les détournant en images esthétiques sans rapport avec la religion.

L’artiste Gregor Podgorski réalise un pari fou pour le 500 ème anniversaire de Michel-Ange en photographiant 500 couples posant dans l’exacte attitude de la Pieta.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

En décembre

 Conférence « Les crèches »

 par Catherine Bourdieu au Temple, place de la comédie, Metz.

.

Lundi 26 septembre, soirée programmée par LesArts57 et Les Amis du Temple de Longeville-les-Metz « Point Orgue ».  En cette rentrée 2022, 47 personnes ont bravé une pluie battante pour retrouver avec un très grand plaisir Catherine BOURDIEU, maîtresse de conférence en histoire de l'art à l'Université de Lorraine. Par quelques mots d’accueil chaleureux, Martine remercie les adhérents pour leur fidélité et trace le programme à venir.

Le sujet choisi pour cette conférence fait écho à l’exposition « Les Choses. Une histoire de la nature morte depuis la préhistoire. » au Louvre, jusqu’au 23-01-2023.

Une nature morte désigne une image, dessinée, peinte, sculptée ou en mosaïque qui représente des objets inanimés. Elle peut être soit un élément dans un tableau soit une composition d’objets présentés pour eux-mêmes. Le terme d’objet inclut la faune et la flore. On parlait de « choses naturelles » au XVI ème ou de « nature inanimée » au XVIII ème.

A l’époque romaine, le thème des xenia se retrouve fréquemment sur des peintures ou des mosaïques. Les xenias sont des présents (souvent des aliments) offerts par le maître de maison à ses invités.

Ce Memento mori illustre le devenir de l’être humain : l’équerre, où pend le fil à plomb, symbolise l’équilibre du monde. Le crâne, entouré par des vêtements rouges à gauche (richesse) et des haillons à droite (pauvreté), rappelle que la mort nous rend égaux. Au-dessous une roue de la fortune évoque les aléas de la vie, et le papillon prêt à s’envoler, l’âme humaine.

Memento mori, Villa des maçons, Pompéi, musée Naples.

XIVème siècle. Pendant la longue période du moyen-âge, les objets servent de symboles, d’attributs pour identifier les personnages dans des scènes. L’objet isolé, représenté pour lui-même apparait dans la peinture, au tout début du XIVème, dans les fresques de la chapelle Scrovegni à Padoue. Peintes par Giotto, des loggias en trompe-l’œil abritent un lustre en fer forgé dans certains compartiments. La chambre du palais des papes à Avignon, un peu plus tard, est ornée de cages à oiseaux vides suspendues.

Chapelle Scrovegni – 1. chœur --- 2. lustre --- 3. Palais des papes, chambre - cages

XVème siècle. Le genre de la nature morte apparait plus précisément dans des œuvres de marqueterie en Italie. Les motifs sont réalisés grâce à l’incrustation de lamelles de bois de différentes essences, taillées et assemblées.

   Manetti, Sacristie cathédrale Florence.  -  Studiolo d'Urbino de Fréderic III, 1470.

En 1436, Antonio Manetti réalise une belle série de placards en trompe l’œil, dans la sacristie de la cathédrale de Florence. Les portes à claire-voie entrouvertes laissent apparaitre des objets liturgiques. Cette œuvre crée une émulation parmi les princes italiens qui en font orner leur cabinet de travail ou studiolo. La corbeille de fruits est un motif très prisé ainsi que la cage à oiseaux, véritable défi pour sa représentation spatiale.

En France, Flandre et Allemagne, les peintres utilisent aussi rayonnages, empilements de livres et objets divers pour créer l’environnement de leurs scènes historiées ou le revers de leurs panneaux.

Barthélémy d'Eyck, Triptyque de l'Annonciation d’Aix, 1442-1445.

Revers d’un portrait de la Vierge, cette composition d’un peintre anonyme, reprend le motif de la serviette blanche sur un porte serviette en bois, motif connu et utilisé dans L’Agneau mystique de Jan Van Eyck (1432). La niche, découverte par le rideau tiré, montre en outre un empilement de livres sur une étagère, une cruche en cuivre dans un bassin.(1470).

Van Eyck, L'Agneau mystique (fermé) - Niche avec bassin. 1432. Gand --- Anonyme, Bassin et broc en cuivre, 1470/80. Rotterdam.

Intéressant tableau : il n’est le revers d’aucune scène. L’artiste maîtrise la perspective avec le placard entrouvert, la clé dans la serrure, les ombres portées. Les objets se rapportent à la pharmacie : pot, bouteille dont l’étiquette indique un remède contre les maux de dents, un bézoard, concrétion du système digestif très prisée par les collectionneurs… Ce tableau aurait été une commande spécifique et souligne le changement de statut des compositions d’objets.

Anonyme, Nature morte aux bouteilles et aux livres, 1470, musée Unterlinden, Colmar.

 XVI ème siècle. Longtemps considéré comme la première nature morte de l’époque moderne, ce tableau, dû à Jacopo de Barbari, date de 1504. Sur le fond peint en imitation bois, un clou retient des gantelets d’armure, une perdrix et un trait d’arbalète. Un petit billet en bas à droite porte l’inscription « Jac de Barbari P. 1504 ». C’est bien une œuvre indépendante conçue à partir de plusieurs trompe-l’œil : le fond, les 3 objets suspendus et le petit billet plié en quatre qui porte la signature.

Jacopo de Barbari, Nature morte avec perdrix et gants de fer. 1504, Alte Pinakotek, Munich.

Plusieurs thèmes apparaissent récurrents dès cette époque : peinture de fleurs, de fruits, nature morte inversée, trophée, vanités.

Au milieu du XVIème, les peintres flamands développent un nouveau procédé : la nature morte inversée. L’essentiel de la surface du tableau est occupé par une nature morte tandis qu’une petite scène religieuse existe à l’arrière-plan.

Pieter Aertsen, L'Etal du boucher avec la Sainte Famille faisant l’aumône durant la fuite en Egypte, 1551, Uppsala University, Suède.

Abondance de quartiers de viande, saucisses, volailles, crème, bretzels, tête de porc, tête de bœuf, poissons séchés ou frais… une inscription sur un panneau à droite rappelle l’obsession humaine pour le profit. Sur la poutre est gravée la date : 1551.

En arrière-plan, trois ouvertures : à droite une petite scène devant la taverne : un valet remplit d’eau une cruche près du puits, des coquilles de moules et d’huitres au sol, à gauche un paysage avec une église et au centre la scène religieuse. Se rendant à l’église, un cortège de paroissiens croise la Sainte Famille, saint Joseph conduisant l’âne qui porte la Vierge tenant l’Enfant emmailloté. Un garçon demande l’aumône, elle lui donne un pain, symbole de l’Eucharistie.

Tous les personnages y compris la Sainte Famille portent des costumes flamands de l’époque du tableau. Ce procédé permet de créer une proximité entre le divin et les croyants. Ce tableau dans lequel la question de nourriture est au cœur du symbole spirituel opposant abondance et pauvreté, a connu un grand succès.  Il en existe 4 versions un peu différentes, ce ne sont pas des copies, elles ont sans doute été l’objet de commandes.

Le château de La Bastie d’Urfé, demeure prestigieuse et raffinée construite dans le Forez, contient des stalles de grande qualité. Un des panneaux présente des figures géométriques, bel exemple de trophée de mathématiques.

XVII ème siècle. Période la plus féconde pour la nature morte, les thèmes s’enrichissent : animaux aquatiques, fruits, fleurs, insectes, gibier, victuailles, bodegon, nature morte inversées, épices, objets, allégories, vanités, trompe-l’œil.

Les représentations de nature mortes liées aux études scientifiques dans différents domaines ont souvent une place de choix dans les cabinets de curiosités.

Clara Peeters, spécialiste de nature morte signait ses tableaux en plaçant son autoportrait dans les reflets métalliques des objets. Grande précision de la peinture flamande.

1 les animaux aquatiques.

Fils d’un cuisinier d’Anvers, Frans Snyders mélange poissons de mer, de rivière, entiers ou découpés, crustacés, tortue, un phoque et un chat vivants. Les postures sinueuses, contours et couleurs offrent de belles possibilités graphiques.

Frans Snyders, L'étal de poissons. 1618-21, Saint-Pétersboug.

Scène tout en légèreté, transparence et délicatesse : fleurs, verre raffiné rempli de vin blanc, assiette en étain, petits oignons et crevettes aux reflets superbement réalisés.

Frans Ykens, Nature morte aux crevettes.

Les coquillages très prisés par les collectionneurs sont traités avec le même souci du détail, parfois mêlés à des fleurs, insectes… comme pour illustrer un catalogue, ou parfois pour eux-mêmes, dans une composition les mettant en valeur par des tissus chatoyants. La coquille des nautiles, plus précieuse, est représentée soit dans son état naturel soit transformée en objet d’orfèvrerie.

2 Fruits.

Le peintre Caravage trouvait aussi difficile de représenter une composition florale que des personnages ! La corbeille posée sur une tablette en léger débordement, met en place l’espace. Les fruits, pommes, poires, raisins, figues, pêches sont plus ou moins mûrs, certains portent des traces de morsures d’insectes, le tout bien mis en valeur par le jaune pâle du mur. La position de la corbeille à hauteur des yeux lui confère une monumentalité inédite. Ce thème de la corbeille va être souvent repris dans la représentation de nature morte de fruits.

Louise Moillon, Nature morte aux mûres avec des abricots, Toulouse --- Nature morte aux cerises, fraises et groseilles.1630, Californie.

 En France, Louise Moillon, est très adroite pour restituer les couleurs, textures, reflets et certains jolis détails comme les perles de rosée.  En isolant les divers contenants avec des feuillages débordants, sans les lier, ils acquièrent aussi une certaine monumentalité.

3 Fleurs.

Thème le plus infini de la nature morte, les fleurs représentées en bouquets, guirlandes, pentes, couronnes ou parsemées témoignent de connaissances en botanique, en symbolisme… Les tulipes cultivées en Hollande, au XVII ème sont rares et coûteuses. Peu accessibles et fragiles, elles figurent sur les tableaux, qui préservent leurs couleurs et deviennent impérissables pour leurs collectionneurs.

Johannes Bosschaert, Nature morte avec tulipes. 1628 Stockholm -- Jacob Marrel, Nature morte. -- Bernardo Strozzi, Nature morte.1630.

Cette brassée de tulipes est comme plantée dans un jardin avec ses hôtes : grenouille papillon, limace…  Une belle tulipe flammée rouge et blanche couronne cette jolie composition. Nombreuses variétés de fleurs, qui occupe tout l’espace de la niche. Une fine tige de myosotis s’en est échappée de même que des insectes ….

4 Peintures d’insectes.

Jan I van Kessel, Insectes et branche de groseilles, 1657 --Jan I van Kessel, Insectes et branche de myosotis.

Ces petites huiles sur cuivre, présentent divers insectes autour d’une branche de groseilles ou de myosotis et correspondent à une curiosité naturaliste.

5 Gibier.

Le thème du gibier est un des grands sujets de la nature morte si bien que l’on confond parfois l’idée de gibier mort et la définition de nature morte. L’étude de ces animaux, leurs volumes, leurs formes, leurs couleurs, leur pelage, leur plumage, nécessite une grande capacité d’observation.

Elève de Rubens, Frans Snyders se spécialise dans les natures mortes de gibier. La chasse fait référence à une catégorie privilégiée de la société, il ajoute à ses toiles des aliments rares : artichauts, asperges, et des objets raffinés : vase, rafraichissoir en cuivre  ...

Frans Snyders, Nature morte de gibier, Musée de la chasse.

6 Les victuailles.

Georg Flegel, Nature morte aux œufs. Vers 1600. Prague - Lubin Baugin, Le Dessert de gaufrettes. 1630. Louvre.

Repas appétissant sublimé par le peintre. Deux gros œufs dont le blanc frise sur les bords de l’assiette, le pain à la mie souple, le verre de vin ambré et bien positionné, dans un vase raffiné, un œillet qui équilibre le tout par sa couleur et ses proportions.

Nature morte très puissante. Le dépouillement, la monumentalité des objets, le contraste des substances, des coloris, la transparence du verre, … tout concourt à sublimer ces gaufrettes blondes, disposées délicatement. Importance des ombres portées des objets (y compris celle du verre plus sombre sur celle plus claire de la pièce).

7 Bodégon.

Le bodégon est un genre de la nature morte spécifique de l’Espagne du XVII ème. Les sujets portent sur l’alimentation, les scènes de cuisine avec présence de personnages, éclairage en clair-obscur.

Le cuisinier souriant présente un grand bol rempli d’un liquide sombre, (vin ou sauce ?). Il est debout derrière une table remplie de victuailles, cailles, maquereaux, citron coupé, canard, tête de dinde, fromage, quartier de viande, petits pains, poisson, cruche…  Par l’alignement des objets suspendus, leur immobilité, le clair-obscur puissant, … il se dégage de ce tableau une atmosphère austère.

8 Nature morte inversée.

La scène est située à Séville. La cuisinière prépare une marinade pour mieux conserver le poisson. Il semble que ce soit la première représentation de piment dans la peinture espagnole.

Velasquez, Le Christ dans la maison de Marthe et Marie, 1618, Londres.

9 Les épices.

Le poivre était contenu dans de petits sachets en papier, le sel dans des salières (en argent souvent), et le sucre était vendu en pain chez l’apothicaire.

10 Objets.

Parfois jugées austères, les natures mortes d’objets peuvent se révéler lumineuses et décoratives.

Sébastien Stoskopff, Nature morte de verres dans un panier, 1644, Strasbourg. --- Meiffren Conte, Nature morte au chandelier d'argent. Versailles.

Composition étonnante que cet empilement de verres dans une corbeille en fin de repas. Avec beaucoup de talent, ce peintre strasbourgeois représente plusieurs niveaux de transparence, que les montures en orfèvrerie et la corbeille dorée illuminent encore davantage.  Rare tableau qui conserve le souvenir de La Grande Argenterie, un chandelier et 2 aiguières réalisés en argent massif pour Louis XIV. Installée à Versailles entre 1682 et 1689, elle fut fondue pour financer la guerre de la Ligue d’Augsbourg.

11 Allégories.

Dans les peintures, le langage allégorique est riche, et plaisant à déchiffrer. Une allégorie est une image à laquelle on trouve une signification différente entre la première et la seconde lecture.

Composition très élégante grâce à la couronne de fleurs posée en biais, en équilibre sur une coupe d’orfèvrerie. Par la douceur de l’éclairage et le rendu de ses couleurs, ce peintre était surnommé le « Brueghel de velours ». Œillets, roses, anémones, pervenches, renoncules, muguets, myosotis, aubépine et tulipes, sont peintes à partir de fleurs naturelles. Sur la table, dans une boite à bijoux : bague en or, pièces de monnaie, collier de perles, deux bracelets identiques en or sertis d’agate. A cette époque, les femmes portaient les mêmes bracelets aux deux poignets. A côté de la boite, d’autres bijoux, dont une épingle à cheveux dorée à perles. Souvent placée à côté du chapeau, l’épingle à cheveux changeait de côté le jour du mariage. La présence du collier de perles, de la couronne de fleurs, et de l’épingle à cheveux évoquent une allégorie du mariage.

Brueghel l'Ancien, Nature morte à la guirlande de fleurs et coupe en or.1618, Bruxelles.

12 Vanités.

Une Vanité est une allégorie centrée sur la condition de l’être humain, la futilité des biens terrestres et la fragilité de la vie humaine.

Dépassant d’un gros livre aux fermoirs d’argent, l’inscription signifiant « Vanité des vanités, tout est vanité » transforme ce cabinet de curiosité en un tout autre symbole.  Sur cette autre toile, les symboles de la vanité sont nombreux : montre, crâne, bulles de savon, bougie éteinte encore fumante… et l’inscription signifiant « personne ne peut être appelé heureux avant sa mort » !

 13 Trompe-l’œil.

Le trompe-l’œil consiste à brouiller les limites entre un espace réel et un espace fictif suggéré grâce à la perspective mathématique.

Le meuble représenté est un cabinet de curiosités. Le collectionneur s’efforce de rassembler des objets rares, surprenants. Une collection comporte 4 thèmes :

• des naturalia,  d’origine animale, végétale ou minérale,
• des artificiala : objets façonnés par exemple des médailles,
• des scientifica, instruments scientifiques,
• des exotica : animaux ou plantes exotiques, objets ethnographiques.

XVIII ème siècle.

Le XVII ème siècle semble avoir presque tout inventé. Les peintres du XVIII ème enrichissent leur palette. Quelques innovations liées à l’intérêt pour les sciences naturelles …

Jean Baptiste Oudry, spécialiste des scènes de chasse, peint pour Louis XV, six trophées de cerfs en trompe-l’œil, les Bois Bizarres, conservés au château de Fontainebleau. 

L’inscription sur une petite feuille de papier clouée : « Teste bizarre d’un cerf pris par le Roy le 3 juillet 1741. »

J.B. Oudry, Bois de cerf bizarre sur un fond de planches, 1741, Fontainebleau.

En Italie, Bartolomeo Bimbi, peintre attitré duc de Médicis réalise des tableaux de fleurs, fruits et d’animaux. Ces toiles, d’intérêt scientifique étaient destinées aux différentes villas.  Les productions des domaines, différentes variétés de poires, raisins, figues, agrumes… étaient détaillées et listées sur un cartouche, sur un socle… les numéros indiqués dans des petits cercles sur les fruits. Cet ensemble de natures mortes conserve ainsi la mémoire de la richesse et de la diversité de la culture agricole en Toscane.

XIX ème siècle.

Manet peint de nombreuses natures mortes au début de sa carrière avant 1870 puis à la fin de sa vie. Il en place dans des compositions plus vastes : le petit bouquet de fleurs et les oranges dans le compotier dans Un bar aux Folies Bergère. Il peint aussi des poissons, fruits, légumes ou fleurs souvent des petits formats, cadeaux pour ses amis.

Manet, Un Bar aux Folies Bergère. 1881, Londres.

Le vase de pivoines est spectaculaire par son format plus imposant (93x70 cm), cadrage serré, fleurs qui se fanent, pétales tombés sur le meuble. L’anecdote de la botte d’asperges commandée par C. Ephrussi est connue. Tellement satisfait, il lui paye 1000 francs au lieu des 800 convenus. Manet lui renvoie alors un petit tableau d’une asperge avec ce billet : « Il en manquait une à votre botte ».

Encore une fois, Catherine a rendu ce sujet qui, au départ, pouvait sembler un peu austère, vraiment   passionnant et riche de découvertes originales.  Quelques mots pour terminer :  Marianne informe que l’orgue est enfin restauré, mais ATL continue ses actions et organise, au Temple de Longeville, des concerts, expositions et conférences intéressantes à venir.

Prochaines rencontres avec Les Arts 57 :

Le 14 novembre 2022, 20h, à Saulny.

 Conférence « Photographie contemporaine »

 par M. Eric Pedon

Réservation obligatoire par mail ou par tél.

lesarts57@gmail.com      ou tél.   03 87 32 05 03 - 06 84 35 19 96