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Bel après-midi ensoleillé pour la visite organisée par LesArts7 au Centre Pompidou, jeudi 25 Août à 15h. C’est avec grand plaisir que nous retrouvons Mélodie, notre guide, souriante, pour décrypter cette exposition un peu mystérieuse du " Musée sentimental" d'Eva AEPPLI.

C’est la première exposition monographique en France consacrée à cette artiste suisse dont l’univers particulier est peu connu du grand public. Dès l’entrée, cette belle série de têtes en bronze réalisée dans les années 1970, vers le milieu de sa carrière, impressionne et donne un aperçu de l’ampleur de son travail. Elle est née en 1925, grandit à Bâle, dans une famille aisée. Elle fréquente l’Ecole Rudolf Steiner qui dispense un enseignement valorisant la réalisation de soi, et favorise la pratique artistique.

Ces sculptures en bronze doré, marquées par des cicatrices révèlent la technique textile de leur fabrication : cousues avant d’être coulées. Vers le milieu des années 70, ses sculptures changent d’aspect, elle supprime le corps pour ne se concentrer que sur l’expression des visages et de leurs traits de caractère. Sensible à la spiritualité, elle étudie les différentes caractéristiques des signes astrologiques et nourrit aussi son travail de mythologie, de divinités… pour traduire la complexité des êtres humains.  

La série commence par le Soleil, graphique, ouvert, dynamique, porteur d’espoir puis la Lune argentée, rêveuse, mélancolique, Mercure, Vénus au visage plus fin, apaisé contrairement à Mars conquérant, dieu de la guerre, belliqueux, menton volontaire, … les visages sont bien individualisés par l’ajout de rembourrage pour former menton, pommettes saillantes, orbites plus marqués, le front plissé de Saturne… Les têtes originales qui ont servi pour couler les sculptures en bronze sont présentées à l’arrière, en soie cousue, remplie de kapok et d’ouate pour le modelé du visage et enduites avant d’être coulées. La fonderie parisienne réussit à préserver la délicatesse des coutures des modèles.

La première salle consacrée à son musée sentimental, titre de l’exposition, rassemble des œuvres, des objets d’Eva Aeppli et de ses proches qui jalonnent sa vie et racontent son histoire. A l’Ecole Steiner, elle a sans doute découvert l’eurythmie, chorégraphie rituelle et poétique en musique dont les figures sont codifiées par de la géométrie. Les eurythmistes portent de longues robes. Elle y confectionne aussi des poupées textiles. Proche de la frontière allemande, elle est marquée par les évènements de la seconde guerre mondiale, les bombardements, les personnes décharnées qui fuient les camps… sa famille s’engage en accueillant des enfants juifs.

La naissance de son fils, en 1946, la plonge dans un profond désarroi. Soignée en clinique, elle dessine. Elle rencontre Jean Tinguely, ils ont une petite fille en 1950 et s’installent à Paris. Elle coud des petites poupées qu’elle vend dans les magasins de jouets pour gagner quelques sous. Dans un tableau réalisé à 4 mains avec son ami Daniel Spoerri, on découvre squelette, crâne, roses de soie, cuillers en argent… assemblage de tableau-piège propre à Spoerri et le leitmotiv du squelette d’Eva Aeppli. Elle signait souvent ses lettres « Vive la vie, vive la mort ». Le coupe-ongles de Brancusi, pris dans l’atelier abandonné du célèbre sculpteur, leur voisin, impasse Ronsin à Paris, objet fétiche qui matérialise la mémoire du lieu, du temps. Cabotine, elle faisait semblant de ne pas le connaître, Brancusi était pourtant déjà un immense artiste ! L’endroit était fréquenté aussi par Yves Klein. Dans une autre vitrine, la machine à coudre qu’elle emportera partout avec elle.

Dans les années 50, elle dessine au fusain, peint à l’huile. Dans les années 60, elle réalise des grandes figures textiles à l’échelle humaine, dans les années 70, elle se débarrasse des corps, ne gardant que les têtes et envoie les mains à ses amis. Dans un extrait filmé, Jean Tinguely nous la fait revivre, facétieuse, drôle, indépendante, libre, détruisant avec énergie souvent ce qu’elle avait réalisé. Cette salle très riche témoigne du réseau d’amour et de fidèles amitiés d’Eva Aeppli, très connectée avec le milieu de l’art parisien. En 1960, elle quitte Jean et le pousse dans les bras de Niki de Saint Phalle, puis se marie avec l’avocat Samuel Mercer. Les 3 artistes resteront amis toute leur vie.

Rare œuvre de jeunesse qui n’a pas été détruite, cet ensemble de 8 grands dessins au fusain, a été présentée à la galerie Iris Clert à Paris en 1959. Les cartons d’invitation annonçant « Le Strip-tease » d’Eva Aeplli, couleur rose chair, attisent la curiosité des visiteurs. Pour cacher le sujet de la rue, l’œuvre est accrochée en paravent. Elle ressemble au story-board d’une figure clownesque qui se dévêtit, se met à nu et finit par disparaitre complètement jusqu’à perdre son âme. Ce clown mélancolique, à tête squelettique dont la vie se dépouille progressivement, n’est pas sans rappeler les personnages d’arlequin de ses premiers autoportraits avec des fleurs sur la tête.

Théatre miniature pour des spectacles en petits comité (max 18 personnes), les figurines ont des corps noyés dans du velours, tout le travail se concentre sur le visage inspiré autant des personnages de Jérôme Bosch que de l’univers d’Hollywood.

Œuvre en 2 parties, créées de manière indépendante : une grande huile sur toile et 7 figures assises. Les juges, comme sortis du tableau, dans un contexte d’après-guerre, s’apprêtent à considérer les actions des uns et des autres. Ce portrait de groupe, un peu théâtral, alliant peinture et sculpture ouvre la voie du changement de médium pour Eva « Les personnages en trois dimensions sont un prolongement des tableaux à l’huile » et vont devenir son moyen d’expression de prédilection.

 La Table s’inscrit dans une longue tradition de représentation de la Cène, fresque peinte par Léonard de Vinci. Cette œuvre occupe une place particulière dans l’œuvre d’Eva Aeppli : contrairement aux autres groupes, chaque personnage est individualisé : visages brodés, costumes variés mais aucun n’est un portrait de personne réelle ou ne porte de nom, pas de Christ ni d’apôtres. Ce rare témoignage d’Eva dans une lettre à sa doctorante met les choses au point : « J’ai mis la Mort au centre de ce groupe … pour figurer les crimes… commis au XXe siècle. … Cette œuvre serait plutôt le message d’amour et de tolérance du Christ… qui n’est pas passé dans le cœur des hommes. », 1999. Elle représente l’humanité dans sa diversité, peut-être les différentes attitudes face à la mort ?

En regard de La Table, The Last Supper, d’Andy Warhol créé un face à face étonnant. Dessiné de manière fidèle, le maitre du pop art, y ajoute le nombre 57 (pour les 57 recettes de Ketchup Heintz, et non pas pour notre département 😊), et un logo de Camel. Cette œuvre classique en devient presque un logo identifiable immédiatement. 

En 1987, Andy Warhol avait été invité à exposer à Milan, dans le palazzo situé en face du cloître Santa Maria Delle Graazie où a été peint le chef d’œuvre de Léonard et avait réalisé différentes versions de la Cène.

La scénographie de Jean Kalman place judicieusement une autre œuvre contemporaine à proximité sans trop déranger, juste un petit peu. Les 13 pigeons, dont un intrus blanc au milieu, de Maurizio Cattelan, semblent posés naturellement. Faux sentiment de bienveillance, leur ombre surplombe aussi le Groupe de 13. Dans ce nouveau groupe, crée pour Amnesty International, les personnages semblent avoir été maltraités. Pour donner aux visages et aux mains un aspect contusionné, elle trempe l’étoffe dans sa baignoire remplie de thé. Les 3 chaises vides accentuent le caractère dramatique de l’installation. Déjà membre d’Amnesty international, elle crée en 1990 sa propre fondation dans le Nebraska, pour combattre l’oppression, la pauvreté et l’ignorance.

Ghosts, Maurizio Cattelan, 2021. -- Groupe de 13, Hommage à Amnesty International, Eva Aeppli, 1968.

Ami fasciné par la puissance et l’originalité des œuvres d’Eva Aeppli, Jean-Pierre Raynaud propose cette œuvre : Peinture 10L. Ces pots fermés de peinture expriment pour lui la « puissance de rêve… un kilo de peinture peut devenir aussi bien un chef- d’œuvre qu’une croûte … » ! De plus, la forme de l’étoile (jaune de surcroît !)  s’accorde bien au contexte historique qui la hante et au goût d’Eva pour les planètes.

Avec cette gigantesque installation, Annette Messager rend hommage « aux petites mains ». Elle détourne la sculpture textile pour attirer l’attention avec espièglerie et humour sur ces femmes invisibles, anonymes et les valorise par ces outils géants, réalisés en en simili cuir. Autre artiste féminine, Annette Messager est bien en phase avec les valeurs et œuvres d’Eva Aeppli qui, avec ses personnages textiles, a vraiment fait figure de précurseur.

Les Spectres des couturières, Annette Messager, 2015.

Placées en face des têtes en soie de la série des planètes, les œuvres graphiques d’Emma Kunst, médium, guérisseuse. Elle a soigné la famille d’Eva. Sa pratique et ses recherches entre science et spiritualité, ont toujours fasciné celle-ci. Orientée par son pendule et son intuition, Emma Kunst réalise ses dessins. Les points et lignes, les couleurs envahissent de grandes feuilles, presque de manière inconsciente. En 1976, lors de l’exposition de ses planètes à Paris, Eva aurait subtilisé le pendule. Considérant l’agitation du pendule contre le corps de ses sculptures comme un signe sérieux, elle détruit les corps de ses personnages, et ne conserve que les têtes et offre leurs mains à ses amis…

Impressionnante procession qui gravit un escalier d’honneur, « ouvrant sur l’infini ». Les 47 grands personnages d’allure androgyne, presque semblables défilent, visages orientés dans toutes les directions. Sans oreilles, bouche grand ouverte, ils semblent laisser échapper des cris étouffés remplis d’effroi. Le coté théâtral, l’effet de masse de ce groupe interpelle, dérange, Eva « préfère qu’on regarde plutôt qu’on bavarde ».

Pour pouvoir exprimer différents caractères humains, elle utilise le langage de l’astrologie basée sur la mythologie grecque. Toute la pensée se concentre dans l’expression de la tête, le corps est devenu superflu. Le dernier cycle de sculptures associe les planètes aux 7 péchés capitaux qu’elle nomme faiblesses humaines et trouve aussi aux Erinyes, déesses vengeresses, furies dans la mythologie, une correspondance avec les trois dernières planètes.

Quelques Faiblesses humaines, sculptures en bronze noir toujours moulées sur textile. La Paresse, Lune – l’Envie, Mercure – la Luxure, Vénus – l’Orgueil, Soleil – La Colère, Mars – La Gourmandise, Jupiter – L’Avarice, Saturne. Bâle, Musée Tinguely. 1993-94.

La salle suivante est scénographiée comme une pièce de maison dans laquelle des sculptures se reposent dans des coins, tète de squelette souriant, fleurs aux oreilles, lugubres et drôles à la fois. Les œuvres d’Eva Aeppli cohabitaient dans les intérieurs de ses amis. Chez Niki Saint Phalle et Jean Tinguely, ses œuvres côtoyaient les Nanas de Niki et les machines de Jean.

La seule collaboration entre Eva Aeppli et Jean Tinguely, en 1991, pour une exposition à Bâle, réunit plusieurs œuvres dans un train fantôme : Hommage à Kate Kollwitz dans laquelle, Eva subtilise une figure du groupe de 48 qu’elle allonge sur l’échafaud que Jean met en mouvement, Sorcières terrestres et Sorcières aériennes.

La dernière salle, différente des autres, présente les Livres de vie d’Eva Aeppli de 1954 à 2002. Très grands cahiers à spirales où elle rassemble des photographies familiales, et de son entourage, -une photo de son fils, Felix Leu, célèbre tatoueur-, lettres de ses proches, dessins de ses enfants, photos de ses œuvres détruites, cartons d’invitation, vernissage d’exposition, croquis, traces de l’avancée des projets de ses amis … ils constituent un formidable témoignage de l’art de son temps en 15 volumes.

Le dernier très émouvant, lorsqu’elle décide d’arrêter de créer, écrase et colle son matériel de couture : « l’aiguille ne parlera plus », « les dés sont jetés »...  Elle décède en 2015 à Honfleur où elle a passé les quinze dernières années de sa vie.

A la fin du parcours, une autre artiste féminine, Louise Bourgeois, fascinée par « le pouvoir magique de l’aiguille » fait profondément écho à l’œuvre d’Eva Aeppli en considérant que la couture répare, fait du bien.

Etonnante découverte que cette artiste singulière, « Figure très solaire, très enthousiaste, profondément poétique et en même temps très destructrice » selon Chiara Parisi, commissaire de l’exposition. Son œuvre engagée à la fois sombre et drôle, ne laisse pas le visiteur indifférent. Merci à Mélodie pour cette visite tres agréable.

Prochaine rencontre avec Les Arts 57 :

Conférence lundi 26 septembre à 20 H au Temple de Longeville-lès-Metz.

Représenter les fleurs, les fruits et les coquillages. La nature morte en peinture.

Soirée présentée par Catherine Bourdieu.

 Réservation  par mail ou par tél.

lesarts57@gmail.fr   ou tél.   03 87 32 05 03 

Participation : 3 euros adhérent et étudiant- 5 euros non adhérent

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Au matin du 18 juin, nous sommes 49 à avoir répondu à l’appel !  La journée organisée par LesArts57, s’annonce déjà très chaude. 7 h30, parking de la salle polyvalente de Saulny, Chantal est soulagée, les participants inscrits sont tous présents. Après avoir bouclé nos ceintures, le bus conduit par Dominique démarre. Marie-Laure SCHUCK, guide-conférencier que nous retrouvons avec plaisir, nous a concocté un joli programme pour la journée et bonne nouvelle, comme nous nous dirigeons vers le nord, nous gagnons 3° : 34° au lieu des 37° prévus !  Geneviève indique la mise à disposition possible de bouteilles d’eau.

1^ère étape : le plateau du Kirchberg.

Depuis l'installation des premières institutions européennes dans les années 1960, le quartier des affaires de la ville de Luxembourg est en constante mutation. Ce paysage urbain allie des monuments centenaires à des bâtiments modernes conçus par de célèbres architectes européens. La capitale luxembourgeoise est un des trois sièges institutionnels de l’Union européenne. Bruxelles abrite la commission européenne et le conseil des ministres tandis que Strasbourg est le siège du parlement européen, et Luxembourg, celui des institutions financières et juridiques.

Au début des années 1950, Joseph Bech, ministre luxembourgeois des affaires étrangères, participe avec son homologue français, Robert Schuman à la création de la Communauté européenne du charbon et de l’acier, la CECA. Robert Schuman est né à Luxembourg en 1886. Sa mère luxembourgeoise avait épousé un Lorrain qui s'était soustrait à l'annexion de l'Alsace-Lorraine en 1870 par les allemands, en allant s'établir au Grand-Duché près de la frontière. Le jeune Robert Schuman fréquente l'école à Luxembourg, passe l’habitur au lycée Fabert à Metz, fait des études supérieures en Allemagne et à Strasbourg. En 1912, il ouvre un cabinet d'avocat, avenue Foch, à Metz. Né de père français, il le redevient en 1919. Ses connaissances linguistiques (luxembourgeois, français, allemand), le droit qu’il maitrise, et ses origines favorisent son engagement politique européen.

Etape essentielle dans l’histoire de la construction européenne : la signature du Traité de Rome, en 1957, entre les 6 pays : Luxembourg, France, Allemagne, Belgique, Pays bas et Italie. Il institue la Communauté européenne (CEE) et la Communauté européenne de l’énergie atomique (CEEA ou Euratom).

La grande Duchesse Charlotte, à la tête du pays de 1919 à 1964, européenne convaincue, elle aussi, favorise l’implantation des institutions sur le plateau. Le pont grande duchesse Charlotte (ou pont rouge) inauguré en 1966, long de 355m, au-dessus de l’Alzette, relie la ville au nouveau quartier. Le tram dessert aussi le Kirchberg maintenant, et depuis 2 ans environ, les transports en commun sont gratuits.

13 000 fonctionnaires eurocrates travaillent au Kirchberg. La ville de Luxembourg compte 122 000 habitants. En semaine 100 000 travailleurs frontaliers viennent de France, 52 000 de Belgique et 51 000 d’Allemagne. En constante évolution et sans cesse en chantier pour s’agrandir et se remettre aux normes, les bâtiments du Kirchberg abritent des nombreuses institutions :

• Cour de justice de l’Union européenne
• Cour des comptes européenne
• Banque européenne d’investissement (BEI) et Fonds Européen d’investissement (FEI)
• Secrétariat du parlement européen.
• …

Le Kirchberg est aussi connu pour son rayonnement culturel avec la présence du Mudam (Musée d’art moderne), de la Philharmonie, ses installations de loisirs comme le complexe sportif la Coque avec sa piscine olympique et le Multiplex, cinéma,… plus au nord-est, le centre d'exposition Luxexpo, lieu de foires internationales, salons des antiquaires, du design, d’art contemporain …, zone commerciale, et hôpital en contrebas…

A l’extrémité de l’avenue J. F. Kennedy, la place de l’Europe, imaginée par Ricardo Bofill, représente l’entrée du Kirchberg en venant de la ville par le pont rouge. A proximité, le parc des 3 glands, le bus peut y faire une petite halte pour nous permettre d’aller admirer le panorama de la ville.

Le long du chemin qui mène au panorama, Marie-Laure nous raconte l’histoire du site et celle, très mouvementée, de ce petit pays de 2586 km2, et 600 000 habitants.

La forteresse va servir de structure solide pour l’implantation du Mudam, Musée d’art moderne Grand-duc Jean, dû à l’architecte I. M. Pei (concepteur de la pyramide du Louvre). Il ouvre en 2006.

Le fort Thüngen a été utilisé par les autrichiens et les prussiens au 18^ème.. Ces derniers ajoutèrent des glands de chêne au sommet des tours défensives marquant leur domination. Détruites au moment où le Luxembourg a acquis sa neutralité en 1867, elles ont été restaurées. Les glands redorés en 2000, lors de l’avènement du grand-duc Henri, sont visibles de loin, en particulier depuis la maison natale de Robert Schumann, dans le quartier en contrebas. A la fin de sa vie, il avait souhaité les revoir lors d’une balade avec Jean-Marie Pelt.

Le site primitif de la ville est situé sur le rocher du Bock. Un petit fortin romain « Lucilinburhuc», installé sur l’éperon rocheux, est acquis par le comte ardennais Sigefroi en 963. Il fait construire son château à proximité, et des murs d’enceinte successifs, c’est le berceau de la ville, au croisement des voies reliant Arlon à Trèves et celle descendant sur Thionville.

La légende raconte qu’il s’est uni à la sirène Mélusine, retournée dans l’Alzette, lorsqu’il n’a pas respecté sa promesse. Il l’a épiée lors de son bain secret et découvert sa queue de poisson.

Très convoité par les puissances voisines, de par sa position stratégique, le site est élevé au rang de Duché en 1354. Au cours des siècles suivants, Bourguignons, Espagnols, Français, Autrichiens et Prussiens ont tour à tour cherché à dresser des murs de plus en plus puissants.

Les fortifications renforcées par Vauban en 1684-88 le seront encore sous la domination des Pays-Bas autrichiens par l’aménagement des forts et le réseau de casemates creusé dans la roche. La forteresse quasi imprenable, qualifiée de Gibraltar du nord, doit capituler devant les armées de la République française en 1795, le Duché devient « Département des forêts ». En 1815, Le Luxembourg est promu Grand-Duché et le roi des Pays-Bas devient Grand-Duc de Luxembourg mais accueille une garnison prussienne, jusqu’ en 1867. Après avoir perdu la partie wallonne, cédée à la Belgique, le Grand -Duché accède à l’indépendance sous sa forme actuelle en 1839 et par le traité de Londres acquiert sa neutralité en 1867. Le démantèlement de la forteresse ouvre alors de nouvelles possibilités d’extension de la ville.

Reprenons le bus qui va déposer, le 1^er groupe à la villa Vauban pour la visite guidée à 10h, le 2ème place de la Constitution pour le parcours pédestre dans la ville haute avec Marie-Laure.

La neutralité du pays n’a pas empêché l’Allemagne d’occuper le pays au cours des deux guerres mondiales. Sur la place de la Constitution, ce Monument du Souvenir, est surmonté par Gëlle Fra (femme en or). Installée en 1923, elle symbolise l’indépendance et la liberté du pays. Cachée pendant la 2^ème guerre, elle a pu être restaurée et réinstallée. Elle a été présentée à l’exposition universelle de Shanghai en 2011.

L’entrée par un vaste jardin dévoile la très jolie Villa Vauban, musée d’Art de la Ville de Luxembourg. Elle est construite sur le site de l’ancien fort Vauban, démantelé fin 19^ème qui a servi de fondation, encore visible au sous-sol. L’exposition permanente va nous faire traverser trois siècles du 17^e au 19^e de peinture flamande, hollandaise et française.

Le 17^e représente l’Âge d’or des Pays-Bas (Gouden Eeuw), avec le développement du commerce. Les marchands aiment montrer leur richesse, une nouvelle classe bourgeoise émerge : elle commande beaucoup de tableaux. La Hollande appartient à la république des Provinces-Unies, tandis que les Flandres dépendent à nouveau de la couronne d’Espagne. La liberté de culte qui règne en Hollande attire de nombreux intellectuels et artistes.  

La 1ère salle est consacrée à la peinture de genre, scènes du quotidien : une fête familiale, un intérieur au bœuf écorché, deux fumeurs devant un tonneau, la dentelière, le médecin qui contrôle les urines…

La 2^ème salle est consacrée aux portraits et paysages, très prisés aussi. Les personnages représentés sont si bien vêtus qu’on ne sait s’ils sont nobles ou paysans. Les paysages, très demandés, sont réalisés dans des ateliers nombreux dans les villes.

« Du grand art en petit format » dans la 3^ème salle. Les voyageurs emportent avec eux ces œuvres, véritables petites merveilles…. Elles peuvent être réalisées sur différents supports : porcelaine, cuivre, bois…

Ph.  J.L.L.

La salle suivante est consacrée à « l’Italie rêvée ».  Voyageurs et peintres apprécient l’ambiance et la lumière du sud. Ces toiles ont beaucoup de succès, elles sont achetées, rapportées comme souvenirs. Ph. J.L.L.

G. Bodinier, Jeunes Napolitaines, 1835.- Le Canaletto, Le Canal Grande, 1723.- J.V. Schnetz, Vieux pâtre italien, 1822. Lorenzo Nencini, Petrarque,1830 - Bacchus, 1830, marbre. --- Reproduction moderne d’un buste de F. Laurana, 2019.

Le musée s’enorgueillit d’avoir une copie « originale » commanditée par la famille royale et réalisée du vivant de Velasquez : Los Borrachos, (les ivrognes). L’œuvre originale réalisée par le maitre est conservé au Prado.

Passage par le sous-sol pour admirer la grande Mosaïque en verre de Murano de Francois Gillen, offerte par la Banque Internationale.

Accédons à la salle de « l’art français autour de 1850 », paysages romantiques, peintres naturalistes, Ecole de Barbizon, invention de tube de peinture, sculptures animalières…

Ph. J.L.L.

Somptueuse nature morte, le plateau de fruits est posé sur une étoffe précieuse. L’écureuil représente le diable, il saute partout, est imprévisible comme la mort.

Peintre français (1613-1699), Reynaud Levieux séjourne à Rome puis dans le midi.

 Reynaud Levieux, Nature morte - Fruits, perroquet, chiens et écureuil, 2^ème moitié du 17^e.

Dans la salle suivante, Une collection royale acquise par Jean-Pierre Pescatore. Riche homme d’affaire franco-luxembourgeois, il lègue à la ville de Luxembourg, sa ville natale, une importante collection. Il avait acquis de nombreuses œuvres de grande qualité lors de la vente aux enchères de la collection du roi Guillaume II des Pays-Bas en 1850.

Louis Aimé Grosclaude, Portrait de Jean-Pierre Pescatore, 1844.

La dernière salle dédiée à la mer si chère au peuple néerlandais. Quittons ce bel écrin, en se promettant d’y revenir pour admirer ces œuvres un peu plus longuement. Une exposition dédiée à John Constable’s, peintre britannique célèbre pour ses paysages et sa maitrise de la lumière, y est programmée du 02-07 au 09-10 -2022.

Ph. J.L.L.

Les vestiges de la forteresse et le centre historique de la vieille ville figurent sur la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO depuis 1994. La “Corniche” aménagée sur les remparts offre des points de vue spectaculaires du “plus beau balcon d’Europe”. Un peu plus loin, le château comtal a été reconstruit sur les rochers. Dans le Grund, l’ancienne abbaye de Neumünster a été transformée en centre culturel, les rives de l’Alzette et de la Pétrusse aménagées en jardins et espaces verts. Sur les remparts aussi, est installée la cité judiciaire.

A l’intérieur des remparts, il existe encore des ruelles étroites, passages médiévaux, vieilles tours, petites portes, échauguettes… Sur l’une d’entre elles, la devise nationale « Mir wëlle bleiwe wat mir sinn ! », « Nous voulons rester ce que nous sommes » est encore visible.

Le passage Goethe nous amène vers le Palais grand-ducal, élégante bâtisse Renaissance, reconstruite au 16^ème, à l’époque de la souveraineté espagnole. La façade présente un décor de frise, sorte de macramé d’inspiration hispano-mauresque. Les gardes, dont la relève est toujours spectaculaire, veillent sur la résidence de travail du souverain, le grand-duc Henri. En 1981, il a épousé Maria-Thérèsa, d’origine cubaine. 5 enfants sont nés de cette union.  Jouxtant le palais, la chambre des députés. Le Luxembourg en compte 60.

En face, actuellement en travaux, la grande place Guillaume II, en son centre la statue équestre de Guillaume II d’Orange-Nassau qui dote le pays de sa première constitution (1840-49).  Sur le parcours, la place Clairefontaine avec une très jolie statue de la grande duchesse Charlotte.

La cathédrale Notre-Dame de Luxembourg, incluse dans le tissu urbain, est à l’origine une église jésuite érigée au 17^ème, élevée au rang de cathédrale en 1870.

A l’entrée nord, un beau portail baroque, colonnes cannelées, chapiteaux composites, statues de saint Ignace et saint François Xavier, visages de prophètes qui jaillissent, la Vierge est entourée de st Pierre et st Paul avec les instruments de leur supplice. Au-dessus, st Nicolas, patron des bateliers de la Moselle luxembourgeoise.

A l’intérieur, style gothique tardif. Belle tribune d’orgue, des anges musiciens en albâtre, décor maniériste chargé : dragons, lézards… Certains vitraux ont été réalisés par Laurent Charles Maréchal (le cycle marial), la verrière du chœur, plus récente, par le maitre verrier parisien Louis Barillet. Un autre, plus moderne, représente saint Willibrord, patron des vignerons luxembourgeois et allemands. Il tient dans ses mains l’abbaye d’Echternach qu’il a fondée. Sur le côté gauche, près du chœur la tribune grand- ducale.

Dans le chœur, la petite statue de la Vierge, joliment vêtue, est promenée en procession lors de l’octave, grande fête religieuse le 5^ème dimanche après Pâques qui rassemble de nombreux pèlerins.

Sur le portail d’entrée, une statue de la vierge art déco d’inspiration médiévale.

A 13h, les 2 groupes se retrouvent à la brasserie du Cercle, place d’Armes, dans la confortable salle privatisée pour l’occasion, au 1^er étage. Un crémant luxembourgeois, servi bien frais, permet de patienter. Au menu, le plat typique luxembourgeois, « Judd mat Gaardebounen an Gromperen», « épaule de porc fumé, fèves et pommes de terre ». Choisi à l’avance, il ne parait pas des plus adaptés à la chaleur de cette journée, mais bien préparé, et terminé par la traditionnelle tarte aux pommes et sa glace vanille, l’ambiance s’est révélée très conviviale. 

Le Cercle, belle bâtisse municipale, place d’Armes, est un lieu culturel. Il a été le siège des réunions de la CECA. Depuis 2020, en raison de la pandémie de covid, les séances de la chambre des députés s’y tiennent pour respecter la nécessaire distanciation physique.

14h45, il est temps de reprendre la route vers le Mullerthal, Petite Suisse Luxembourgeoise, jolie région boisée, un peu plus au nord-est. De belles forêts, des passages rocheux, traversés par des petits cours d’eau, c’est un territoire idéal pour la randonnée dont certains sentiers sont labellisés « Best of Europe ».

Arrêt au bord de la route pour admirer le pittoresque cascade de Schiesssentümpel.  Le charmant pont de pierre et de bois permet de descendre jusqu’au torrent qui se divise en 3 parties sur les rochers. Beaucoup de fraicheur se dégage de cet endroit, certains s’aventurent même jusqu’à un petit bain de pieds rafraichissant.

Attentionné pour ses voyageurs, notre chauffeur Dominique revient nous chercher au plus près malgré les difficultés pour manœuvrer le grand bus sur les petites routes. Echternach, la plus ancienne ville du Luxembourg, située au bord de la Süre, n’est plus très loin. Les vestiges d’une grande villa romaine y ont été mis à jour à l’occasion du creusement d’un lac en 1975. Ce domaine a été occupé sans doute entre le 1^er et le 5^ème siècle après J.C.

Les terres appartiennent au diocèse de Trèves (situé à 18km). Dans le but d’évangéliser la région, l’abbesse Irmine de Trèves, mère de l’épouse de Pépin II, fait don du sanctuaire à Willibrord, missionnaire anglo-saxon. Il fonde l’abbaye bénédictine en 698. Son expansion est considérable. Les fontaines dites de St Willibrord jalonnent la route du missionnaire, en Belgique, Pays bas et Rhénanie. Elles témoignent de son activité baptismale et sont vénérées par les croyants qui cherchaient la guérison de maladies nerveuses liées au mouvement : épilepsie, chorée, … Il meurt en 739, son tombeau draine une foule de pèlerins. Le bourg se développe et prospère. Charlemagne, attaché à ce lieu par ses ancêtres, l’élève au rang d’abbaye impériale. Elle devient un centre de production de manuscrits enluminés, son scriptorium est très réputé dans tout le royaume franc. Il a produit le « codex auréus », célèbre ouvrage enluminé à l’encre d’or au 11^e s.

Située sur l’emplacement originel de l’église bénédictine fondée au 8^e s, la Basilique a connu de nombreuses vicissitudes. Détruite en partie lors de la bataille des Ardennes en 1944, l’édifice actuel date de 1953, style néo-roman comme à l’origine. La façade s’inspire de celle de Paray-le-Monial.

L’intérieur présente un système original alternant colonnes et piliers quadrangulaires appelé le système d’Echternach, rare en architecture.

La crypte du 8^e s. a été préservée, elle abrite la sépulture de st Willibrord : un très beau monument néogothique en marbre de Carrare, à l’intérieur le sarcophage contenant les restes du saint. Dans une autre partie de la crypte, la fontaine baptismale d’origine.

Echternach doit sa célébrité à sa Procession Dansante, inscrite au patrimoine culturel immatériel de l'Unesco depuis 2010. Chaque année, le mardi de la Pentecôte, de nombreux pèlerins et spectateurs se rejoignent pour participer à ce phénomène cultuel en l’honneur de Saint Willibrord.

Accompagnés de fanfares et violons, les danseurs, alignés par rangées de cinq à six personnes, se tiennent par le bout de leurs mouchoirs. Chemises blanches, ils avancent sautillant en rythme, deux pas à gauche, deux pas à droite. L’origine, assez mystérieuse, est peut-être à rechercher dans les processions des saints dansants, fin 15^e, pour la guérison des semblables par les semblables, épilepsie, danse de saint-Guy…

Quittons l’abbaye, petit tour sur la place du marché pour admirer le Dënzelt : cet ancien palais de justice avec salle de torture et prison date du 15^e s. Passons près de l’église st Pierre et st Paul bâtie sur un rempart romain du 4^ème s.

Il est temps de reprendre la route après cette journée découverte très intéressante et bien remplie. Finalement peu incommodés par la chaleur si redoutée, un grand merci à Marie-Laure pour cette bonne organisation et la qualité de ses présentations.

 Des rencontres sont prévues avec LesArts57 cet été, la Villa Majorelle à Nancy en juillet, en août Eva Aeppli au Centre Pompidou Metz. Arrivée à Saulny 19h30, on se souhaite un bel été à tous.

Des visites d’atelier d’artisans d’art ont emmené nos adhérents à l’Opéra Théâtre de Metz. Cette proposition, très suivie, comme à chaque fois que nous explorons la ville et ses lieux d’intérêts, a nécessité l’organisation de deux groupes limités à 25 personnes. Par une belle journée de printemps, rendez-vous est donné sur la place de la Comédie. Le soleil est là, il fait vibrer l’éclat de la pierre de Jaumont qui définit si bien la beauté des bâtiments de Metz.

Cette visite guidée, proposée par les services culturels de la ville nous a permis de découvrir sous la conduite de Léa, notre médiatrice, l’histoire et l’architecture générale du bâtiment, la salle de spectacle, les coulisses et l’atelier décor. Nous n’avons pas eu accès à l’atelier des costumes, trop exigu, pour recevoir un groupe.

Cette place a été voulue par le Maréchal de Belle Isle, gouverneur militaire de la ville, paire de France et prince du Saint Empire. Il l’a intégrée dans une vaste opération d’extension et de modernisation, choisissant d’urbaniser le terrain marécageux et boisé de l’Ile du Grand Saulcy.

Les travaux débutent en 1732. Dès le début, la gestion financière des travaux est rendue très ardue par le choix d’un architecte peu scrupuleux, Charles Francois Roland, dit de Virloys, qui finit par s’éclipser, laissant une construction à reprendre complètement en raison d’innombrables malfaçons. Il est remplacé par un architecte messin, Jacques Oger, qui mènera le chantier à son terme, en 1752. Le plan d’urbanisation installe la nouvelle salle de spectacles autour d’un bel espace ouvert en arc de cercle, faisant face à un bras mort de la Moselle et regardant vers la colline de la Cathédrale. Plusieurs bâtiments complètent cette implantation : le pavillon Saint Marcel, l’Hôtel des Douanes, des bâtiments servant à loger des officiers, dans un grand ensemble de style classique : symétrie, harmonie et clarté ...

Pierre Pougnaud, historien de l’architecture des Théâtres, en donne cette description : « L’extérieur, donnant sur une vaste place ornée d’une fontaine, a les proportions d’un palais et ne cède en rien aux opéras construits à la même époque dans les capitales européennes. Un passage sur terrasse permet un accès direct à l’hôtel de l’intendant, depuis la loge réservée à ce dernier, disposition classique dans les théâtres de cour. Ce bâtiment, malgré les restaurations et les modernisations de la salle, reste sans doute le témoin le plus révélateur de l’art de bâtir les théâtres dans la première moitié du XVII siècle. Considéré comme le premier exemple de théâtre-monument, le théâtre de Metz inspirera celui de Lyon. »

Il est le plus ancien de France encore en activité. Il est composé de trois pavillons distincts accolés : sur la gauche en regardant le bâtiment, le Hall d’entrée, puis la salle de spectacle, puis à droite les ateliers et stockage. En 1754, ces trois pavillons sont réunis en façade par un péristyle de 21 arcades, dégageant ainsi une terrasse. Le pavillon central est en avancée, surmonté d’un fronton triangulaire.

Les fenêtres rectangulaires et cintrées portent en clé de voûte une pierre sculptée d’un symbole représentant l’eau.

Pour l’exposition Universelle qui se tient à Metz en 1861, Charles Pêtre va sculpter 6 statues disposées sur la façade. Elles représentent les déesses des Arts ; au sommet du fronton triangulaire, Erato, déesse de la poésie lyrique. Il va ajouter aussi le blason de la ville, comme il avait été précédemment redessiné sous Napoléon I°, un blason auquel furent accolés des trompettes et des masques de comédie.

Notre guide nous entraîne maintenant vers le hall d’entrée, fait pour accueillir les vestiaires, qui datent de 1817. Ville de garnison, Metz compte un grand nombre de militaires et ces vestiaires ont été au départ conçus pour accueillir les armes et les couvre chefs des officiers fréquentant la salle. En effet, on demande aux officiers de la ville de garnison de s’abonner, pour garantir la rentabilité de l’établissement, mais on craint les échauffements !

En quittant ce grand Hall des vestiaires dont tout un côté donne par des fenêtres vitrées sur un bras de la Moselle, nous gravissons l’escalier aux marches confortables qui nous amène devant une curiosité placée sur le premier palier : une maquette très précise du Théâtre, minutieusement reproduit, où on reconnaît tous les détails de façade.

Nous avons le privilège de pénétrer dans une salle vide et calme, moment étonnant et un peu magique pour qui ne la connaît que bruissant de murmures et de monde. La disposition reprend les principes du théâtre antique : parterre, gradins, mais en les modifiant quelque peu. Le public est face à la scène, la salle comporte plusieurs étages disposés en forme de fer à cheval, autour d’une scène de très grand volume dont la plus grande partie, recevant la machinerie est invisible des spectateurs.

Pierre Pougnaud, qualifie cette salle de prototype du style français et d’architecture pilote : pour la première fois chaque balcon est construit en retrait, on abandonne la conception « cage à poule » des salles italiennes même si l’influence transalpine est très présente.  De modification en transformation, la décoration intérieure va abandonner en 1851 son style pseudo grec un peu rigide, dont les colonnes rendaient fort inconfortable la vision depuis certaines places. Des ornementations sont ajoutées sur les devantures des loges. La jauge de la salle est elle aussi modifiée : elle passe de 1384 places en 1777 à 750 en 1963. C’est à cette date que la plus grande métamorphose de la scène et de la salle interviendra. Plus aérée, les stucs, les moulures et les angelots rajeunis sous une couche de vieil or, cadre de scène agrandi, rehaussement d’un mètre du plafond, fauteuils neufs plus souples et commodes, lumière de la salle plus diffuse.

Nouvelle toilette onéreuse et supportée principalement par la ville en 1981/1982 : Pierre Gaucher, décorateur et architecte, remplace le bleu et or (couleurs royales) par une couleur grenat, rappelant l’époque Napoléon III, pour les murs et les sièges. Le grenat se marie à des teintes rosées et vanillées, et légèrement pistache. A noter que les panneaux intérieurs et extérieurs de la salle sont constitués d’un revêtement en fibro-ciment qui rend l’acoustique assez mauvaise.

Les loges côté jardin à D sont le côté du Roi. Le côté cour à G est le côté de la Reine. De ces loges, on est vu mais on ne voit pas grand-chose ! Ces loges sont, à l’époque, occupées par les notables militaires et civils de la ville et font donc l’objet d’une pointilleuse et tatillonne répartition. Le public est en quelque sorte une micro représentation de la société, et si ces notables sont de droit invités, tout le monde a un accès aux spectacles à condition de payer sa place. Mais signalons que l’on paie des groupes pour « faire la claque », et ajoutons que jusqu’en 1885, les femmes sont interdites au parterre à cause de la hauteur de leur coiffure ...

La fosse d’orchestre peut accueillir 60 musiciens, l’avant-scène ou proscenium est fermé par deux rideaux coupe-feu, un scène/salle et un autre  fond de scène/ scène. Le cadre de scène cache les coulisses, sur le dessus, il comporte le blason noir et blanc de la ville de Metz encadré par deux médaillons qui cachent un mécanisme permettant de faire apparaître les masques, selon la pièce représentée, de la Comédie à G et la Tragédie à D.

Le plafond repeint en 1981 évoque une sorte de ciel suggérant nuage et coucher de soleil. Il est occupé par un lustre monumental.  Au XIX siècle il était en cristal de Baccarat. La question de l’éclairage est fondamentale : si le théâtre a été un des premiers de France à être électrifié, au XVIII siècle, seules les bougies étaient utilisées, et le temps qu’elles mettaient à se consumer déterminait le temps maximum d’un spectacle.

Et puis, signalons quelques petites superstitions : on dit cintres et pas cordes dans un théâtre, de même qu’on ne porte pas de couleur verte car c’est la couleur portée par Mac Beth mourant dans un des spectacles de Shakespeare !    Encore une caractéristique intéressante de ce bel ensemble : il est un des rares à posséder une scène tournante, qui permet de faire tourner les décors ; malheureusement, on parle de la supprimer lors de la prochaine rénovation, qui en principe devrait débuter en 2024.

Après ce temps consacré à la salle elle-même, notre guide nous emmène vers les ateliers pour le quatrième temps de notre parcours. Il faut donc ressortir, et par une porte située sous le péristyle, accéder à la ruelle aujourd’hui recouverte qui sépare le bâtiment de la salle du bâtiment des ateliers.

Comme seulement deux ou trois autres en France, l’Opéra Théâtre possède ses propres ateliers :  atelier costumes où travaillent à l’heure actuelle 5 couturières, 3 menuisiers pour l’atelier menuiserie et 3 peintres dans l’atelier peinture. Circulant derrière le théâtre, nous traversons sans nous arrêter l’atelier peinture où sont déployées à terre sur une vingtaine de mètres de longues bandes que les artisans s’emploient à recouvrir d’une teinte crépusculaire.

Nous arrivons à l’atelier menuiserie, c’est Benjamin qui nous reçoit et nous éclaire sur le fonctionnement de cet atelier. Les 3 menuisiers qui y travaillent ont le statut de fonctionnaire territorial. Pour sa part, Benjamin a passé un CAP d’ébénisterie, puis un brevet professionnel des métiers d’Art. il a ensuite opté pour un Master de scénographie et exerce depuis plus de 10 ans dans l’atelier. Les décors sont conçus 4 à 5 mois à l’avance, et 4 à 5 productions sont menées à bien chaque année. Le décorateur envoie à l’atelier des plans, et il est le seul à pouvoir les modifier car c’est lui qui est propriétaire des droits d’auteur.

 La maquette est la référence. Chaque décor demande au moins un mois pour son exécution (et autant à l’atelier peinture). Les techniques utilisées sont particulières à l’activité, les techniques d’assemblage en particulier, qui utilisent beaucoup le trompe l’œil. On utilise la résine pour reproduire les différents motifs ou parties de décor, les ajouts se font en polystyrène sculpté puis peint.

Les décors peuvent mesurer jusqu’à 5/6 mètres de hauteur, sur 9 mètres de long et le cadre doit être démontable. Le coût en est important, il peut y avoir par exemple jusqu’à 60 000 € de bois. Le décor peut être quelquefois repris, ou loué à d’autres salles. (Dans ce cas, un machiniste part avec les pièces pour les remonter sur place). De même on ne peut pas toucher au décor des tournées. Les décors sont ensuite stockés dans des hangars à Frescaty, et peuvent être détruits au bout de dix ans.

Dernière étape de la visite : nous passons par les grandes salles de stockage, encombrées de matériel divers.

Trappe de passage pour les costumes, haute porte-passage des grands décors, puis déboulons par le « toboggan » vers les coulisses.

Apercevoir la salle depuis là est curieusement déstabilisant, tant la technique brute et tous ses éléments de machineries sont omniprésents au premier plan tout en ménageant un dégagement vers l’ordonnancement harmonieux et habituel de la salle. Le règne du trompe l’œil, encore une fois. 

     Petit frisson d’avoir presque occupé la scène … !!!   A.S.

Organisée par LesArts57, la visite guidée de l’exposition « Toi et moi, on ne vit pas sur la même planète » a rassemblé 31 personnes dans le hall du Centre Pompidou, en ce lundi pluvieux, 21 février, peu avant 15h. Munis de nos audiophones, nous retrouvons Mélodie et Clémentine, nos sympathiques guides, déjà bien appréciées lors de précédentes visites.

En 2020, la Biennale de Taipei sur l’île de Taïwan, fut le seul évènement qui put avoir lieu, malgré le contexte sanitaire, grâce à son insularité. Imaginée par le philosophe des sciences Bruno Latour, qui s’intéresse à la question des modifications engendrées sur la planète par l’activité humaine, elle rassemble de jeunes artistes du monde entier. Le commissaire d’exposition Martin Guinard et Eva Lin, réunissent une cinquantaine d’œuvres sur 4 étages au Musée des Beaux-Arts de la capitale taïwanaise.  A Metz, 25 sont présentées sur 2 niveaux.

Si, à l’évidence, nous habitons tous sur la même planète Terre, il semble que nous n’appartenions pas tous au même monde. Cette sphère de laquelle on extrait des ressources, sur laquelle on voyage, on échange des marchandises … ce qui génère des crises…, soulève une question philosophique : quelle planète veut-on aujourd’hui ?

La scénographie de l’exposition est pensée comme un planétarium fictif. Les planètes que l’on explore sont les différentes versions de la Terre : la planète Globalisation, la planète Sécurité, la planète Exit, et la planète Gaïa. Mélodie nous conduit dans la planète Globalisation, la planète de ceux qui poursuivent la modernisation à tout prix.

Cette grande toile dépeint la société d’abondance. La Rivière des petits plaisirs étudie le rapport à l’image omniprésente en direct dans les réseaux sociaux. Des images édulcorées cohabitent avec celles de catastrophes, le flux est si rapide que l’on n’a plus le temps de prendre du recul. Des scènes conviviales de partage de gâteaux, massage, pédicure, voisinent avec des scènes de tremblement de terre, accidents, émeutes… en arrière-plan : volcan, centrale nucléaire, blocs de glace qui fondent. L’artiste traite le sujet comme une BD colorée et ludique. Les nombreux personnages sont reliés aux réseaux sociaux qui relatent simultanément des moments de plaisirs et des évènements terribles.

Du même artiste, cet assemblage de jolis dessins au crayon offre une vue aérienne d’une centaine de personnages qui s’activent dans toutes les directions. Une pièce centrale est drapée, un panneau donne une indication : Art Basel. Il s’agit d’une gigantesque foire d’Art contemporain.

Elle vient de fermer ses portes au public, et est en train d’être démontée, pour être réinstallée à Miami. Cette œuvre traite de la question de la mondialisation du marché de l’art. Le transport et l’installation des œuvres nécessite l’intervention de nombreux professionnels d’une foire à l’autre. Elles occasionnent aussi le voyage de visiteurs, collectionneurs, artistes, journalistes, d’Europe en Amérique puis en Asie ce qui pose le problème de l’empreinte carbone générée par la globalisation de la culture.

Depuis l’adolescence, cet artiste, né au Congo fabrique des sculptures, des machines avec des matériaux de récupération : fil électrique, emballage, carton… Son père travaille à l’extraction du cuivre, richesse du pays qui devrait leur apporter du confort, pourtant les conditions de vie sont difficiles. A travers ses sculptures à l’équilibre fragile, et dont les composants ne sont pas choisis au hasard, l’artiste évoque ce paradoxe.

Jean Katambayi Mukendi, Yllux, 2012.

Cette grande tapisserie représente un paysage en feu, dégageant une épaisse fumée, rappelant la déforestation en Amazonie. L’artiste mêle l’informatique et la technique ancienne du jacquard qui utilise des cartons perforés pour encoder les motifs. Dans les images de fumées pixellisées, il intègre aux mailles, à la manière des hackers, les codes d’une liste confidentielle dénonçant les fraudeurs fiscaux. Rappel du scandale des évadés fiscaux en Grèce, l’argent s’est envolé en fumée… L’œuvre acquiert une double lecture : un beau tissage représentant un paysage d’une part, et d’autre part, une archive répertoriant les citoyens fraudeurs qui se soustraient aux lois de leur pays.

Tout comme le choc provoqué par Galilée qui, en 1610, comprend que c’est la terre qui tourne autour du soleil, Bruno Latour établit un parallèle avec celui, que provoque de nos jours la prise de conscience, du réchauffement climatique et de la fragilité de la fine écorce terrestre.

La globalisation touche aussi le domaine de la justice. Depuis la fin de la seconde guerre mondiale, une justice internationale cherche à poursuivre au-delà des frontières les auteurs de crimes les plus graves. La Cour pénale internationale, installée à La Haye, doit faire face à des problèmes de distance : distance géographique, loin des terrains de crime, distance temporelle : enquête puis procès des années après les faits, et enfin distance culturelle : usages dans les pays, ethnies et contextes à connaître.

Cette œuvre étonnante est un dispositif interactif. Composée d’un ensemble de témoignages, photos, documents placés sur un tableau face à de grands portants magnétiques. Julien Seroussi, analyste à la Cour pénale internationale de La Haye, a travaillé sur l’affaire Katanga-Ngudjolo, un procès jugeant ces deux chefs de milice pour l’attaque meurtrière du village de Bogoro au Congo. Franck Leibovici est poète et artiste, il apporte une touche esthétique. L’installation propose au visiteur de choisir et réagencer les éléments de preuves sur les portants en utilisant aimants, codes couleur… Cette organisation différente peut faire émerger de nouveaux points de vue et jugements.

Figure émergente de la peinture chinoise, fascinée par les bâtiments modernistes, cette jeune artiste, déjà reconnue en Asie, vit et travaille à Shanghai. En Chine, le paysage urbain évolue sans cesse.

On pourrait penser que ces immeubles appartiennent au même quartier d’allure futuriste, or ils sont édifiés sur différents continents mais présentent une certaine homogénéité. Ils ne sont pas dépeints comme étant statiques, mais traversés par des routes, connectés à d’autres constructions. Les grandes sculptures métalliques leur confèrent le mouvement d’un monde en perpétuelle transformation.

Nous entrons dans la planète Sécurité. Sous forme de de nombreuses vidéos, l’artiste Jonas Staal présente une rétrospective du travail de l’ancien stratège de Donald Trump en disséquant méthodiquement les mécanismes de la propagande qui montre un futur effrayant. L’installation compile et organise par thèmes des images extraites des films réalisés par Steve Bannon pour argumenter la propagande de l’ultra droite américaine.

Dans ses films, les arrière-plans comportent en permanence des orages violents, avalanches, inondations…, des animaux, métaphores de comportements humains, lions, ours, requins, serpents… des diagrammes de crise…, des immeubles en train de s’effondrer… des collisions entre voitures, avions… des images de guerre, … et propagent l’idée que seul un leader fort peut défendre les valeurs familiales, la foi chrétienne, la puissance militaire et l’économie face à cette décadence à venir. L’installation de Staal explique ce qui rend cette propagande attrayante, déconstruit son mécanisme, et met en évidence la manipulation afin de mieux la contrer.

James T. Hong, The Enemy of my Enemy is my Friend, 2020, storyboard illustré par Chen Yin-Ju.

Ces 18 dessins à l’encre font partie d’un projet de film de science-fiction taïwanais. Le scénario illustre un conflit avec ses voisins, Chine, Japon et Etats-Unis et illustre l’idée du repli sur soi.

La planète suivante, Gaïa, tire son nom de la déesse grecque Gê, la Terre. Lynn Margulis, microbiologiste, et James Lovelock, ingénieur, émettent l’hypothèse que la surface de la Terre, façonnée par le vivant, est un système qui s’autorégule. L’oxygène que nous respirons provient de l’activité des plantes (photosynthèse).  Ces interactions entre bactéries, plantes, minéraux, sol, eau, atmosphère forme un système complexe. Lovelock le compare à un système où des boucles de rétroaction permettent de le maintenir dans les conditions favorables à la vie, à la manière d’un thermostat. L’activité de la biosphère affecte diverses variables environnementales, entre autres la température et la composition chimique de l’atmosphère. Cette zone d’interactions, de quelques km au- dessus de nos têtes et quelques km au-dessous de nos pieds, est très fine comparée aux 12 400 km du diamètre de la terre. Si la terre était une orange, cela correspondrait à une mince écorce. Nous sommes dans cette peau aussi appelée « zone critique ». Si tout le monde vivait comme nous, il faudrait 3 Terre. Scientifiques et artistes nous invitent à réfléchir sur nos habitudes et à cet équilibre qu’il faut maintenir.

Su Tu Hsin, jeune femme taïwanaise, s’intéresse à la dynamique de la surface de la terre. Dans les gorges De Taroko à Taïwan, l’érosion est parmi les plus rapides au monde. La courte rivière Liwu, environ 50km de la source à l’estuaire, est particulièrement active. Elle constitue un véritable laboratoire en plein air. Caméras, sismomètres, et stations météo y sont placés et permettent d’étudier comment les conditions météo entrainent les glissements de terrain et affectent le climat. Les données sont transmises à un laboratoire situé à Postdam en Allemagne. Avec l’installation vidéo, Frame of Reference -cadre de référence-, l’artiste aborde le rôle que jouent les images de différents points de vue : sur le terrain, en laboratoire et dans les bases de données. Certaines caméras captent les changements de paysages à partir d’un point fixe, d’autres suivent le mouvement de l’eau vu d’en haut. Les images de l’installation immersive et celles des observations géologiques permettant la modélisation du paysage, prennent aussi une dimension artistique, poétique dans ce travail à la fois en gros plan et à distance.

Née dans une tribu au sud de Taïwan, les Paiwans, Aluaiy Kaumakan crée des sculptures de laine, coton, cuivre, soie et perles de verre en tissant des formes organiques ou végétales. Son village, frappé par un violent typhon en 2009, a éparpillé les membres de la communauté, obligés de se reloger ailleurs. Afin de former un lieu de conversation et de connexion, elle utilise le lemikalik - technique paiwan qui consiste à tisser en cercles concentriques - inspiré de leurs traditions. Par ce processus créatif, qui relie les membres de la communauté éparpillés, l’œuvre créé du lien, apaise le traumatisme.

Dans son installation, Chan Yung-Ta utilise aussi les données recueillies sur le site de Taroko. Dans 9 grands tubes, il reproduit les turbulences de la rivière. Chaque série de 3 correspond à un point d’observation.

Dans chaque tube, la partie basse est constituée d’un bloc de marbre, surmonté d’eau. Un mécanisme (hélice mue par un moteur) agite des petits morceaux de roche qui érodent et sculptent la surface de la pierre créant un relief. Des algorithmes recréent les conditions semblables à celles de la rivière au cours des années 2018, 2019, et 2020. Les vitesses varient selon la saison, sont impactées par le passage d’un typhon …

A la fin de l’exposition, le disque de roche sera modelé comme une minuscule portion du lit de la rivière. Cette usine à fabriquer des petits paysages permet aussi d’entendre le son du processus géologique accéléré, en action. Cette œuvre permet de le rendre visible qui dans la nature prend beaucoup de temps. 

Connu pour ses sculptures cinétiques, Fernando Palma Rodriguez y mêle figures mythologiques mexicaines et esthétique du bricolage. Né au Mexique, il a travaillé en tant qu’électricien sur des chantiers en Europe. Ses chimères sont animées par des circuits électriques visibles, et constituées de matériaux de construction, de matières organiques (épis de maïs, feuillages…) et de masques en cartons inspirés de divinités précolombiennes. Dans ses œuvres, l’électricité est considérée comme un élan vital qui ondule comme un serpent (référence à une déesse). En Europe, il avait l’impression d’être placé constamment devant un miroir, ce qui générait une forme d’attention à soi. De retour dans sa communauté, en admirant les collines de sa ville, il trouve libérateur de se voir comme faisant partie de ce paysage et vice versa. Sa démarche artistique, la question du recyclage font écho à une culture et un paysage qu’il tend à préserver.

Planète Exit. Certaines personnes ont le désir de quitter la terre pour coloniser d’autres planètes (Mars ?). En attendant, l’idée de construire un bunker enfoui sous terre, dans un endroit moins affecté par le changement climatique fait son chemin. Mais aucun de ces projets ne peut être partagé par des milliards d’hommes.  Femke Herregraven imagine l’installation du bunker survivaliste du Dernier Homme. Petite pièce refuge en cas d’urgence, quelques vivres, des jerricans d’eau, petit matelas, téléphone… sur le mur du fond, l’inventaire de toutes les catastrophes : cyclone, tremblements de terre, … un écran présente une modélisation des espèces disparues. Le propriétaire des lieux va-t-il revenir ?

La dernière planète, la planète alternative, présentée à l’espace studio au rez- de- chaussée, nous plonge dans une obscurité partielle, un monde ésotérique. Le décor fragmenté évoque un paysage lunaire ou une planète indéterminée, ces ilots accueillants permettent de s’assoir.

Chen Yin-Ju a dessiné des cartes du ciel montrant la disposition des astres lors de 5 évènements tragiques en Asie : génocide perpétré par les Khmers rouges en 1975, massacre à Taïwan en 1987… l’artiste pose la question de forces exercées par ces configurations astrologiques sur de grands évènements historiques.

Un duo de jeunes artistes français, quant à eux, présentent une vidéo surprenante. Dans une grotte éclairée par un feu de bois, deux scientifiques prestigieux font part de leur réflexion, ils ont une approche différente de la composition ou de l’état de la matière. Pour Michel Mayor, astrophysicien, découvreur de la première exoplanète, le vide est vide, alors que pour Chiara Mariotti, physicienne au CERN de Genève, le vide est rempli d’un champ vibratoire, le champ de Higgs, dans lequel s’agitent des particules, les bosons de Higgs. Malgré l’avancée des recherches, l’infiniment grand et l’infiniment petit présentent encore de grandes inconnues comme s’ils n’appartenaient pas à la même planète. Cette installation proposée par June Balthazard et Pierre Pauze est le contraire des fake-news qui sont d’apparence sérieuse mais au contenu fantaisiste. Ici, c’est l’apparence du film qui est fantaisiste, alors que le contenu est rigoureusement exact.

Un grand merci à nos médiatrices, Mélodie et Clémentine, qui ont su nous rendre accessible avec beaucoup de clarté, cette exposition d’approche un peu complexe mais tellement d’actualité.  Elle renforce encore la prise de conscience de la fragilité de notre planète, et de la nécessité urgente de ménager ses ressources. 

N’oubliez pas le 15 mars 2022, prochaine AG par Skype, à 14h.

Merci de confirmer votre participation par mail :

 lesarts57@gmail.com

ou tél.   03 87 32 05 03 - 06 84 35 19 96

Pour 2022, LesArts57 vous présentent leurs vœux, les meilleurs de santé, de bonheur en famille et entre amis. Notre équipe s’adapte pour vous faire partager visites, conférences et sorties intéressantes selon les possibilités. Prenez soin de vous et de vos proches.