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Mary Cassatt, Lydia dans une loge portant un collier de perles, 1879, Philadelphia.

Jeudi 8 février, 20h, cette nouvelle rencontre organisée par LesArts57 en partenariat avec Echange et Culture de Longeville, a rassemblé 73 personnes, ravies de retrouver Catherine Bourdieu, Maîtresse de conférences en Histoire de l’Art à l’Université de Lorraine. Cette année, LesArts57 propose une programmation en lien avec « Les 150 ans de l’impressionnisme ». Le thème choisi pour cette soirée va permettre de découvrir les expositions fondatrices du mouvement de 1874 à 1886.

Cette photographie d’un artiste peignant en extérieur sur la plage du Havre est représentative de la façon de travailler des impressionnistes. Assis par terre devant son chevalet, Albert Marquet peint sur le vif un motif qui lui est cher : l’estacade.

Prémices de l’impressionnisme.

Dès le milieu des années 1860, de jeunes peintres s’intéressent à l’observation de la nature et découvrent les travaux de leurs ainés parmi lesquels Corot, Courbet, Daubigny, Jongkind, Boudin.

Courbet, Vue de Honfleur, 1841, Lille. --- Jongkind, Paysage, 1860, Chartres.

Comme eux, ils ont arpenté la campagne, choisi des sujets anodins mais riches d’innovations. Ils ne sont, cependant, pas considérés comme dignes de figurer au Salon, exposition annuelle, majeure pour faire connaître leur production. Ces jeunes peintres impressionnistes fondent leur travail sur le modèle de ces peintres paysagistes et des peintres réalistes qui représentent la vie courante, les mœurs pour Courbet, Un enterrement à Ornans, le labeur paysan pour Millet, les Glaneuses.

Gustave Courbet, Un enterrement à Ornans,1849-50, Orsay. --- Jean-François Millet, Les Glaneuses, 1857, Orsay.

La technique impressionniste.

1  Choix des thèmes.

Ils représentent la vie moderne, les mœurs de leur temps que ce soit le monde du travail ou celui du divertissement et aussi bien la ville que la campagne. Ils privilégient les portraits, scènes de vie quotidienne, paysages et natures mortes mais écartent les thèmes historiques, mythologiques et religieux.

2  Peinture sur le motif, en extérieur.

Dès le XVIe et le XVIIe siècle, les peintres sortaient de leur atelier pour dessiner en ville ou à la campagne. Le fonds le mieux conservé est celui des dessins de Nicolas Poussin qui a parcouru la campagne romaine.

Nicolas Poussin, Deux bouleaux argentés, v.1629, Vienne.

3  La construction de l’espace.

Par leur formation néoclassique ou académique et l’observation des grands maîtres de la peinture au Louvre, les impressionnistes ont acquis une technique solide. Ne jamais oublier que les artistes les plus novateurs de chaque époque ont une grande culture artistique.

4  Le contour, le trait a presque disparu contrairement à la peinture académique fondée sur le dessin. C’est la couleur qui crée la forme.

Monet, La Seine à Vétheuil,1879, Orsay.

5  Le coloris est clair et lumineux, les ombres sont colorées, plutôt des tons bleus ou mauves que gris ou marron. C’est la modulation.

Monet, La Pie, 1868-69, Orsay.

6  La Touche.

Eugène Delacroix utilisait déjà presque systématiquement la touche libre.

Eugène Delacroix, Portrait de Thalès Fielding, v.1824, --- détail --- Chevaux arabes se battant dans une écurie, 1860, Orsay.

Les impressionnistes emploient la touche libre par la forme (ex : Pissaro, L’Hermitage à Pontoise), par les dimensions, (ex : Sisley, Bateaux sur la Seine), par l’épaisseur ( ex : Renoir, La Parisienne).

Ils ne peignent pas ce qu’ils voient (réalisme), ni comme ils voient (romantisme) mais comme ils ressentent. Ils représentent la sensation éprouvée à la vue d’un site ou d’une circonstance : le lever du soleil, le passage d’une course, l’arrivée d’un train, la modification d’un paysage sous l’effet de la lumière…

Première étape : fondation de la Société anonyme coopérative d’artistes peintres, sculpteurs et graveurs aussi appelée la Société nouvelle. Elle est actée par une charte signée le 27décembre 1873 par Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, et Pierre Prins. Elle a pour objectifs :

1. Organiser des expositions libres, sans jury ni récompenses
2. Vendre les œuvres exposées
3. Editer un journal des arts

Le fonctionnement financier est simple, chaque membre achète une action, et cotise mensuellement. Les revenus de la société sont abondés par le prix d’entrée aux expos, par un pourcentage sur les ventes des œuvres ou ouvrages …

Des divisions apparaissent rapidement, deux orientations coexistent, l’une autour de Caillebotte qui voudrait donner une cohérence de style, avec Monet, Renoir, et Sisley, l’autre autour de Degas et Pissarro qui souhaitent ouvrir le groupe à des artistes plus jeunes aux pratiques nouvelles. L’absence d’une unité de style entre tous ces peintres est un reproche souvent formulé.

Les expositions collectives entre 1874 et 1886 représentent un aboutissement pour ces peintres arrivés à maturité artistique ainsi qu’une dernière chance d’être présentée au grand public. Pissarro participe à toutes, Berthe Morisot, Degas, Monet, Renoir et Sisley souvent, tandis que Manet, Van Gogh et Toulouse-Lautrec n’ont participé à aucune.

Le terme d’impressionnisme est inventé en 1874 par le journaliste Louis Leroy critique devant le tableau de Monet : Impression. Soleil levant. Degas aurait préféré le terme d’indépendant pour qualifier le mouvement.

La première exposition du 15 avril au 15 mai 1874 se tient dans les anciens ateliers du photographe Nadar, boulevard des Capucines, loués pour l’occasion. Les murs brun-rouge mettent en valeur les toiles réparties sur 2 rangées superposées contrairement au salon officiel où l’accrochage couvre les murs jusqu’au plafond. Réunies en fonction de leurs dimensions, c’est un tirage au sort qui détermine leur emplacement. 30 exposants, 165 œuvres. Mais en même temps à Paris, ont lieu de nombreuses expositions : à la galerie Durand Ruel, à l’Ecole des Beaux-Arts, à l’Hôtel des Ventes, celle des Alsaciens-Lorrains…

Ateliers Nadar, 35 boulevard des Capucines, v.1870. Paris.

Paul Cézanne.

Paul Cézanne, La maison du pendu, v1874. Orsay. - Une moderne Olympia, 1873-74. Orsay.

La maison du pendu, dans le village d’Auvers-sur-Oise. Cézanne poursuit ses recherches sur la perspective. Maisons représentées dans un point de vue resserré, l'horizon lointain est placé très haut. Le titre vient du nom breton du propriétaire : Pen Du. C’est le premier tableau de Cézanne vendu.

Toile peinte en réaction à Olympia de Manet peinte en 1863 qui avait scandalisé le public. Touche très rapide, coloris vif et lumineux. Contrairement au tableau de Manet, le client est visible de dos, au premier plan, la servante dévoile le corps de la jeune femme. Acquis par le Dr Gachet.

Edgar Degas expose des tableaux sur ses deux thèmes de prédilection : la danse et les chevaux.

Petit tableau peint sur bois, (19 x 27 cm) sur le thème de la danse. Degas n’est pas encore autorisé à fréquenter les salles de répétition, les jeunes filles posent dans son atelier. Il ajoute les rubans colorés à la taille des danseuses pour contraster avec le blanc des tutus. L’arrosoir servant à humidifier le parquet, le chapeau contenant des partitions du violoniste, et l’étui forment une nature morte placée au premier plan et créent une distance entre la scène présentée et le public.

La course, les jockeys et les chevaux ne constituent pas l’objet essentiel de ce tableau, ils sont utilisés comme situation d’une sortie familiale, d’une scène de loisirs. L’homme, conduit la calèche, accompagné de son chien. C’est Paul de Valpinçon, ami d’enfance du peintre. Il regarde vers l’arrière où se passe une scène inattendue, son épouse tient une ombrelle et observe leur bébé qui tête sa nourrice. Les scènes d’allaitement sont rares dans les scènes de genre.

Claude Monet. Peint depuis une chambre d’hôtel devant le port du Havre, à l’aube. Le titre originel donné par Monet était Vue du Havre. Edmond Renoir, frère d’Auguste, rédacteur du catalogue lui suggère de trouver un autre titre. Monet choisit Impression, Edmond le trouve trop court et ajoute Soleil Levant. C’est un paysage marin où l’activité portuaire est suggérée par les barques au centre, les mâts des navires et cheminées d’usine à gauche, les grues à droite. La lumière du jour naissant dilue les formes traitées à grands coups de pinceaux et en couches fines qui ne recouvrent pas toujours la toile, le tout dans une harmonie bleutée. Seul, le soleil a une forme solide, pleine et épaisse. Ce tableau a acquis une place symbolique dans le mouvement impressionniste. Il a été acheté par E. Hoschedé, mécène et ami du peintre.

Monet peint ce tableau à Argenteuil où il habite en 1873. La ligne d’horizon, située à mi-hauteur, est limitée par les arbres et une maison, vaste ciel aux nuages blancs. Grande prairie et talus où poussent des coquelicots, deux femmes se promènent avec deux enfants. La touche libre est appliquée en taches juxtaposées : coquelicots, personnages, visages sans traits. Couleurs fraîches où domine le rouge. Tableau acheté par le marchand Paul Durand-Ruel.

Berthe Morisot, membre fondatrice de la société des impressionnistes. Une de ses sœurs, Edma, pratique la peinture avec elle. Elèves de Guichard, elles fréquentent le Louvre, rencontrent Fantin-la-Tour, Corot, Manet… Les parents respectifs se lient d’amitié. Les maisons de vacances permettent à Berthe et Edma de peindre en plein air. Edma épouse un ami de Manet. Ils s’installent en Bretagne, elle cesse de peindre. Berthe fréquente l’atelier de Manet pour poser et prendre des leçons de peinture. En 1874, elle épouse Eugène Manet, frère d’Edouard, peintre lui aussi. Conscient du talent de Berthe qu'il trouve supérieur au sien, il a toujours soutenue son épouse.

Berthe peint sa sœur Edma près du berceau de sa fille Blanche. Silence, immobilité, contemplation du nouveau-né endormi se dégagent de cette toile. Grande maitrise dans la représentation de la transparence du voile. Le thème de la mère et l’enfant devient récurrent dans ses choix picturaux.

Elle peint toutes sortes de paysages, des jardins, la campagne, des bords de mer. Sur cette toile, le point de vue insiste sur les bateaux et quelques maisons. L’activité humaine est presque inexistante. La jeune femme assise apporte la présence discrète et familière d’un instant saisi sur le vif. Les parties latérales, à dominante ocre jaune, encadrent l’eau claire du port et le bleu du ciel dans une harmonie colorée très réussie.

Camille Pissarro place la nature, plus que les êtres humains, au cœur de ses recherches et de son inspiration : le travail de la terre, les arbres, en toutes saisons. Ce type de composition abonde dans ses œuvres, dans des formats et points de vue sans cesse renouvelés. Une touche libre de formes et d’épaisseurs variées domine dans ses tableaux. 

Pissarro, Le Verger en fleurs à Louveciennes, 1872, Washington.

Camille Pissarro, Matinée de juin à Pontoise, 1873, Karlsruhe.

Paysage typique de l’œuvre de Pissarro : il partage le format en deux parties égales, l’une pour la terre, l’autre pour le ciel. L’horizon est traité en deux temps dans ce paysage vallonné : une première ligne au-delà de laquelle le chemin descend, une seconde délimitée par la colline plus lointaine. Ciel clair, parsemé de petits nuages blancs. La terre est ouverte par un chemin central qui serpente. Au loin, une femme, un homme tenant un cheval, les vestiges d’un moulin. A gauche, un champ parsemé de coquelicots, à droite une prairie puis un champ de blé. La touche plus épaisse au premier plan puis plus fine en arrière-plan renforce la profondeur du paysage. Le coloris clair et lumineux évoque une atmosphère douce et paisible.

Auguste Renoir. C’est un des tableaux majeurs du peintre. Le spectacle, la mode et la femme sont des thèmes chers aux impressionnistes. Le peintre ne peint pas ce qui est représenté sur scène mais deux spectateurs. Au second plan, un homme regarde dans ses jumelles, pas vers la scène mais vers les gradins situés plus haut. C’est Edmond Renoir, frère du peintre et journaliste. La jeune femme est l’un des modèles du peintre, Nini Lopez. Robe élégante, bijoux, fleurs piquées dans son corsage et dans son chignon. Pour les vêtements, la touche libre restitue une impression de confort et de luxe tandis que celle du visage plus fine et lisse met en valeur l’éclat de ses yeux, celui des perles et boucles d’oreilles.

Le portrait en pied de La Dame en bleu est celui d’une jeune fille, âgée de 17 ans. Fille de modiste, elle devient actrice au théâtre de l’Odéon sous le nom d’Henriette Henriot. Renoir la représente dans une dizaine de tableaux. On pense qu’elle posait comme modèle professionnel. L’harmonie colorée bleutée est très lumineuse malgré le ton réputé froid. Le contraste imprécis entre le fond et le sol et les traces effacées de tentures mettent en valeur la représentation de la jeune femme.

Alfred Sisley.

Vaste point de vue représenté dans ce tableau, la ligne d’horizon est située à mi-hauteur. Remarquable alignement de peupliers au feuillage orangé. Les zones colorées créent une harmonie d’ensemble dans laquelle tout contour a disparu. Tout se met en place au fur et à mesure du recul.

Sisley, L'automne, bords de la Seine près de Bougival, 1873, Montréal.

Si l’exposition semble avoir rencontré un certain succès avec ses 3500 visiteurs, il n’en reste pas moins que les comptes rendus des journalistes ne sont pas toujours élogieux, tant à propos des sujets trop ancrés dans la vie quotidienne que dans l’exécution des tableaux considérés comme inachevés, ou réalisés par des peintres qui ne savent pas peindre ! La société, presque en faillite est dissoute.

En mars 1875, lors d’une vente de tableaux à l’hôtel Drouot, 73 œuvres de Renoir, Monet, Sisley et Morisot sont vendues à prix très bas. Le critique Albert Wolff écrit « L’impression que procurent les impressionnistes est celle d’un chat qui se promènerait sur le clavier d’un piano… ». Les soutiens aux impressionnistes faiblissent Durand -Ruel n’achète plus de tableaux, heureusement des collectionneurs prennent le relais :

1.  Victor Choquet, direction des douanes, grand collectionneur, proche de Renoir et Cézanne. Ils  ont tous deux réalisé Le portait de Victor Choquet, au même moment. Style très différent pour deux peintres qui appartiennent au même mouvement.

2.  Jean -Baptiste Faure, baryton très célèbre, grand collectionneur, 800 tableaux (dont le Déjeuner sur l’herbe), répartis entre son appartement de Paris et sa villa d’Etretat. Il n’est pas toujours apprécié des artistes car il spéculait sur les œuvres achetées.

3.  Georges Charpentier, éditeur. Son épouse tient salon, où elle reçoit hommes politiques, musiciens, écrivains, et des artistes parmi lesquels Caillebotte, Degas, Manet, Monet, Sisley et Renoir. Grace à eux, certains ont pu organiser des expositions personnelles plus tard.

4.  Gustave Caillebotte commence sa collection vers 1875. Il aide les impressionnistes en finançant des locations d’ateliers, l’achat de matériel, il a un véritable rôle de mécène auprès d’eux.

5.  Léon Monet, frère du peintre, chimiste et industriel à Rouen. Il achète beaucoup de tableaux à son frère, à Berthe Morisot, Pissarro et Renoir.

6.  François Depeaux, industriel lui aussi et grâce à Léon Monet acquiert environ 600 tableaux.

La 2^e exposition des impressionnistes en avril 1876 est installée dans 3 salles à la Galerie Durand-Ruel. 19 exposants parmi lesquels Degas, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley… Caillebotte, Marcellin Desboutin, graveur, se joignent à eux, tandis que Boudin et Cézanne se retirent. Manet, quant à lui, organise une exposition dans son atelier en même temps. Les tableaux sont présentés par artiste et non plus par format.

Gustave Caillebotte. Ce tableau est l’un des rares de cette époque représentant les ouvriers des villes alors que le monde paysan est régulièrement pris pour sujet. L’ouvrier de droite passe en premier pour raboter les joints des lames. Il pousse le rabot vers l’avant. Le marteau lui permet d’amener son outil dans la position idéale. Les deux autres ouvriers raclent la partie médiane des lames. Le racleur tire l’outil vers lui. Les racloirs sont bien affûtés grâce aux affiloirs. L'ouvrier de gauche est en train de saisir l’affiloir posé entre eux par celui du milieu. On peut suivre l’avancement du travail à la couleur des lames.

Etonnant tableau, le Bureau de coton est à la fois une scène de genre, un portrait collectif et une scène familiale ! En 1872, Degas se rend à La Nouvelle Orléans dans sa famille maternelle accompagnant son frère René qui y était installé. L’oncle d’Edgar, Michel Musson, est un homme d’affaires prospère dans le négoce du coton, véritable découverte pour Degas. Il est représenté assis au premier plan, vérifiant la qualité d’un envoi de coton. L’homme qui lit le journal, c’est René, tandis que le personnage appuyé à la cloison est l’autre frère du peintre : Achille. Au centre, celui qui tient un morceau de coton est le gendre de Michel Musson. Associés ou employés, les personnages peuvent être identifiés. Représentation très savante de l’espace : pièce longue et étroite, paroi vitrée qui crée un second espace, porte transparente au fond qui en ouvre un autre… de plus l’oncle coupé par la bordure du tableau inclue le spectateur dans cette scène instantanée, vue de l’embrasure de la porte.

Marcellin Desboutin, peintre et graveur, participe aussi à cette deuxième exposition. Très célèbre et apprécié pour ses portraits, il a produit environ 300 gravures à la pointe sèche. Il figure dans certains tableaux de ses amis impressionnistes, le plus connu étant celui de Degas : L'Absinthe, où il pose aux côtés d’une actrice Ellen André.

Claude Monet. Malgré la richesse du coloris sur le kimono porté par Camille, l’épouse du peintre, ce n’est pas un tableau majeur du peintre mais un symbole du japonisme. Durant la 2^e moitié du XIXe siècle, les estampes japonaises affluent en Europe. Artistes et amateurs d’art y découvrent une manière de représenter le monde si différente qu’elle inspire les arts décoratifs et la peinture en particulier par l’emploi de grands aplats colorés. Van Gogh avec plus 400 pièces est sans doute celui qui a collectionné le plus grand nombre d’estampes.

Claude Monet, La Japonaise, 1876, Boston.

Cette 2e exposition attire moins de visiteurs que la première. Les comptes rendus ne sont pas très enthousiastes. Dans le Figaro, Wolff écrit « La rue Le Pelletier a du malheur…on vient d’ouvrir une exposition qu’on dit être de la peinture… ». Par contre, Louis Edmond Duranty, écrivain, critique d’art à la revue La gazette des Beaux-arts, publie un livre élogieux intitulé « La Nouvelle Peinture. A propos du groupe d’artistes qui expose dans les galeries Durand-Ruel. » Il étudie les œuvres et soutient les peintres.

La 3e exposition en avril 1877 se tient dans un appartement loué, grâce à Caillebotte, au 6 rue Le Pelletier. Une grande question les préoccupe : peut-on exposer à la fois au Salon et avec les impressionnistes ?

18 exposants dont Caillebotte, Degas, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley… Cézanne et Guillaumin reviennent. Sur les 31 tableaux exposés par Monet, seuls 10 ne sont pas encore vendus, ce qui témoigne d’un début de succès pour certains peintres.

Auguste Renoir.

Ce bal se tenait le dimanche après-midi à l’extérieur du Moulin de La Galette à Montmartre. C’était un évènement très prisé de la jeunesse parisienne pendant les beaux jours. Des amis et modèles habituels de l’artiste figurent au premier plan. Technique remarquable de Renoir qui représente la modification des couleurs sous l’effet de la lumière du soleil filtrée par le feuillage, bien visible sur la veste du jeune homme au premier plan.

 Georges Rivière, ami de Renoir écrit à propos de ce tableau : « C’est une page d’histoire, un monument précieux de la vie parisienne… ». Il publie une revue éphémère « L’impressionnisme, journal d’art » qui soutient les artistes. Victor Choquet passe beaucoup de temps à l’exposition pour présenter et expliquer les tableaux.

La 4e exposition en 1879 se tient dans un appartement, avenue de l’Opéra sans Cézanne, Renoir et Sisley admis au Salon et Berthe Morisot enceinte. 14 artistes dont Caillebotte, Degas, Monet, Pissarro. Mary Cassatt, américaine, rejoint le groupe. Gauguin expose une statuette. L’exposition attire près de 15400 visiteurs.

Née à Pittsburg en Pennsylvanie, Mary Cassatt, réalise surtout des portraits. Elle se lie d’amitié avec Degas, Pissarro et Berthe Morisot. Ce portrait  met en évidence la beauté et la grâce de sa jeune sœur. Coloris raffiné, composition subtile grâce au miroir où se reflètent les loges de l’autre côté de la salle. Après la mort de la jeune femme, 3 ans plus tard, elle peint de nombreux jeunes enfants, seuls ou avec leur mère. Lorsqu’elle découvre les estampes japonaises dans une exposition en 1890, elle se consacre à la gravure, adaptant le modèle japonais à ses sujets.

Mary Cassatt, Lydia dans une loge portant un collier de perles, 1879, Philadelphia.

La 5^e exposition, 1880, rue des pyramides. La discorde entre Degas et Caillebotte s’accentue. 19 artistes dont Caillebotte, Cassatt, Degas, Gauguin, Guillaumin, Morisot, Pissarro… Cézanne, Monet, Renoir et Sisley n’y figurent pas.

Gauguin utilise une touche divisée : de longues touches parallèles dans le ciel, et déjà une tendance à la géométrisation des formes dans le traitement des maisons et jardins. Dans les paysages de neige, les impressionnistes représentaient les ombres colorées. Gauguin choisit d’opposer le blanc presque pur de la neige aux troncs fins et sombres des arbres. Les deux premiers plans sont séparés par la ligne franche des arbres tandis que l’arrière-plan est très effacé.

La 6^e exposition, 1881, boulevard des Capucines. 13 artistes : Cassatt, Degas, Gauguin, Guillaumin, Morisot, Pissarro… sans Caillebotte, Monet, Renoir et Sisley. La sculpture est plus présente lors de cette exposition.

Edgar Degas.

La statue originale avait un corps en cire colorée imitant l’épiderme, portait vêtements et chaussons en tissu, une perruque de cheveux. Traduite plusieurs fois en bronze : le bustier est alors en soie, le tutu en tulle et un ruban de satin retient la tresse. 

Degas, La Petite danseuse de quatorze ans, 1875-1880, h.98 cm.

La 7^e exposition, 1882, est organisée par Durand-Ruel, rue Saint-Honoré. 8 artistes présents : Caillebotte, Gauguin, Guillaumin, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley c’est-à-dire presque tout le groupe originel. Le public boude un peu l’exposition et le coût de location n’est pas amorti.

La scène est située sur la terrasse du restaurant Fournaise à Chatou. A travers le feuillage, on aperçoit les voiliers sur la Seine, loisir alors très prisé qui a souvent inspiré les peintres. Tous les personnages sont des proches : debout à gauche, le propriétaire du restaurant et sa fille au premier plan, Aline Charigot, future épouse du peintre. A droite de profil, Gustave Caillebotte, à côté l’actrice Ellen André. Coloris clair, palette colorée variée, répartition harmonieuse des personnages en de nombreux petits groupes, nature morte très réussie sur la table.

Cette exposition est remarquée pour la cohérence de style, pourtant cette similitude peut empêcher les artistes de poursuivre leurs recherches vers la nouveauté.

La 8^e et dernière exposition, 1886, au premier étage du restaurant la Maison dorée, rue Laffite. 17 peintres dont Cassatt, Degas, Gauguin, Morisot, Pissarro … et l’arrivée de Georges Seurat et Paul Signac.

Seurat représente des promeneurs sur une île de la Seine, à hauteur de Neuilly et Courbevoie. Il utilise une division particulière de la touche posée par points juxtaposés, que l’on appelle le pointillisme. La géométrisation des objets, l’immobilité des personnages, le coloris clair et plutôt froid annoncent une nouvelle tendance de la peinture et l’avènement du post-impressionnisme.

La 1ere exposition de 1874 incarnait l’avènement du style impressionniste résultant de recherches graphiques et picturales menées depuis au moins une décennie. Après la dernière exposition de 1886, les principaux artistes du mouvement continuent de peindre avec les principes impressionnistes. L’exemple le plus significatif est Claude Monet qui crée des œuvres emblématiques encore bien des années plus tard : les Meules en 1890-91, les Cathédrales de Rouen en 1892-94, et bien sûr les Nymphéas du Jeu de Paume en 1918 !

Encore un grand merci à Catherine, passionnante comme à chaque fois, qui nous a permis de mieux comprendre ce mouvement et ces artistes non reconnus pendant quelques temps et pourtant si novateurs.

Prochaines rencontres avec Les Arts 57 :

l'AG de notre association Les Arts 57,  le mardi 19 mars à 18h30

à la salle polyvalente de Saulny.

Vendredi 5 avril, à 18h30, à Woippy, salle « Michel Bonnet »

en partenariat avec l’association « Histoire de Woippy »

 sur le thème de « L’école de Metz » avec Catherine Bourdieu.

C’est au 65 rue Mazelle devant l’église St Maximin, jeudi 14 décembre, à 13h30, que LesArts57 ont donné rendez-vous aux participants à cette visite. Le temps est gris mais pas pluvieux, nous sommes une vingtaine, et retrouvons Marie-Laure SCHUCK, notre guide-conférencière, dans cette jolie église urbaine, véritable écrin pour les vitraux de Jean Cocteau, (1889-1963).

En 2023, à l’occasion du 60^ème anniversaire de sa mort, nombre d’évènements, conférences, expositions ont été organisés dans la ville. Lors du 50^ème anniversaire en 2013, un hommage lui avait aussi été rendu par l’inauguration de la Place Jean Cocteau, à laquelle participait son cartonnier Jean Dedieu. Il s’agit de la placette triangulaire au début de la rue Mazelle. Poète, écrivain, cinéaste, dessinateur, cet artiste aux multiples facettes a laissé une œuvre considérable.

Il avait, entre autres, réalisé aussi le décor de différents édifices, de l’église st Pierre des pêcheurs à Villefranche-sur- mer, N.D. de France à Londres…et les vitraux de la chapelle St Blaise des Simples à Milly la Forêt dans l’Essonne où il résidait. Dans cette chapelle, il a utilisé le thème des simples, ces plantes médicinales qui soignent, en mémoire du lieu dédié à st Blaise qui préfigurent un peu ceux de st Maximin.

En 1952, Cocteau avait été sollicité ainsi que Picasso, Chagall, Villon, Bissière … pour participer au projet de création de vitraux pour la cathédrale de Metz. Mgr Schmitt et Robert Renard, architecte des Monuments historiques, souhaitaient un certain renouveau dans l’art sacré et pariaient sur le talent d’artistes contemporains. Cocteau présenta des maquettes, mais le projet de ses 4 évangélistes, fut refusé par la commission d’art sacré : « A supposer que l’ingéniosité de ce célèbre poète soit du génie, Cocteau ne semble pas qualifié pour l’art sacré. » Une solution de remplacement fut trouvée, soutenue par André Malraux, la commande d’un programme pour l’église St Maximin, fragilisée par la guerre, et en restauration depuis 1950.

En 1961, Cocteau présente un projet pour la création de vitraux dans les baies du chœur, le premier panneau présenté est accueilli avec enthousiasme.  L’atelier des maîtres-verriers Emile et Michel Brière de Levallois-Perret est choisi. Il réalise des maquettes sous forme de vignettes que son collaborateur Jean Dedieu agrandit pour réaliser les cartons préparatoires au vitrail.

Les vitraux de l’abside ne seront posés qu’en 1964, Jean Cocteau disparu en 63, n’aura pas pu les contempler. Mais il avait suivi et surveillé de très près le travail et accordé une grande confiance à J. Dedieu et à l’atelier Brière. Les 15 verrières ne seront terminées qu’en 1970.

Depuis l’ouverture du centre Pompidou, Les vitraux de Cocteau font partie des circuits culturels prisés mais la petite église Saint Maximin, complètement intégrée dans le tissu urbain du quartier Outre-Seille, est intéressante pour elle-même.

On peut y accéder aussi par la ruelle de la Baue, aux allures de passage médiéval. St Maximin, était évêque de Trèves au IVe siècle. Les parties les plus anciennes, le chœur, la partie basse de la nef, le chevet, et la tour, datent du la fin du XIIe. Un portail baroque est ajouté sur la façade au XVIIIe et, de part et d’autre, deux petites portes plus tard.

Si la nef et ses bas-côtés ont conservé une arcature romane, ils présentent cependant un couvrement d‘ogives, sans doute XVe, qui témoigne de la transition entre l’art roman et l’art gothique.  A droite du chœur, une jolie chapelle privée, transformée au XVIe pour accueillir le tombeau de la famille de Gournay, s’ouvre sur le chœur par deux arcs style renaissance. 

Le temps gris de l’hiver ne donne pas la mesure de la douce couleur bleue qui baigne le chœur  par les 7 vitraux de l'abside. 

Le vitrail central.

• Une magnifique colombe apparait immédiatement dans le réseau de formes géométriques. Judicieusement représentée par des petits quadrilatères dynamiques, dans un camaïeu de bleus, elle descend ailes déployées, yeux rouges et bec jaune, (colombe de la paix ?).

• En dessous, un homme aux bras levés. L’attitude peut être interprétée comme celle d’un orant ou prêtre célébrant devant un autel à la forme courbe.
• Dans le troisième registre, une table (un autel ?) de laquelle émanent des rayons qui se dirigent vers la partie inférieure et la partie supérieure, (liaison entre la partie terrestre et la partie céleste ?).
• Sur la table est posée une croix, entouré de lumière, aux motifs acérés, un point rouge au centre (évocation de la crucifixion ?).
• La colombe et la croix évoquent la Trinité, l’Esprit et le Fils. Au-dessus une croix de st André, au centre de laquelle un losange bicolore ressemble à un œil (qui conventionnellement figure souvent le Père).
• Dans le compartiment supérieur, sont peut-être représentées les tours de Notre Dame sous un arc, selon les dires de M. Brière au cours d'une entrevue en 2003 avec Mme Kuhn-Mutter auteur  de "Les vitraux de Jean Cocteau à Metz", Editions Serpenoise.

Cocteau n’a pas laissé de clé de lecture permettant volontairement au spectateur sa libre interprétation. Si l’interprétation religieuse est vraisemblable dans ce lieu, en position centrale derrière le chœur, d’autres interprétations sont possibles. Une lecture profane peut imaginer une sorte de totem, tête sous l’arc, bras levés autour d’un torse, jambes et pieds de part et d’autre de la queue de la colombe.

Le père Philippe Boissé, curé de la paroisse de st Maximin, propose une comparaison avec le masque Kanaga, emblématique du pays Dogon au Mali. (2011) Il représente l’oiseau mythique qui aurait amené la graine de l’arbre à palme, à l’origine de la vie. Les 2 petites figures en haut, le couple originel, la parte supérieure de la croix, le monde surnaturel, la partie inférieure le monde terrestre, à la base du masque la tête de l’oiseau. Cocteau s’intéressait beaucoup aux arts premiers, collectionnait des sculptures non seulement pour le côté esthétique mais aussi ethnographique. Il a apporté un soutien financier à des expéditions ethnologiques en Afrique noire.

Vitrail latéral droit.

La base semble représenter la rotation des éléments, des astres en mouvements : la genèse, puis le jour et la nuit, de plus en plus de lumière vers la partie haute.

Un visage mystérieux aux yeux étirés et à la bouche ronde semble étonné.

Ce vitrail est le premier à avoir été posé.

Côté droit, le vitrail suivant, montre une végétation exubérante, germination, feuillages touffus, des bouquets montés évoquant les rites égyptiens, des formes géométriques, des points rouges, la lumière du soleil tout en haut ?

La dernière baie côté droit est entièrement couvertes d’arabesques qui serpentent, s’entrelacent, est-ce en référence au labyrinthe ?

Coté latéral gauche, la 1ère baie semble représenter, avec un tronc central, un arbre de vie. A la base, un papillon au ailes ouvertes. Des masques, des formes évoquant les civilisations précolombiennes d’Amérique du sud. D’un triangle au centre jaillit une fleur, qui se transforme et s’épanouit au dernier niveau, la fleur d’hibiscus chère à Cocteau et pour lui symbole d’immortalité.

Dans le vitrail suivant à gauche, trois colombes planent, ailes étalées, la plus sombre en bas sous un arc. Le deuxième niveau évoque l’arche de Noé et la colombe au-dessus plus lumineuse, l’approche de la terre ? la dernière colombe tout en haut plane dans un espace lumineux.

La dernière baie à gauche est aussi constituée d’entrelacs aux douces couleurs bleues et rose. Avec son homologue à droite, elles encadrent joliment les vitraux du chœur.

A droite du chœur, transept partie sud, juste avant l’arc de la chapelle Gournay une verrière est composée de 3 lancettes. Dans la première un homme taureau, aux yeux rouges impressionnants (Minotaure ?) émerge d’une composition feuillue, un vase, ou même un calice ? Masque africain longiligne dans la lancette centrale tandis que dans celle de droite apparait un petit cavalier dans un massif feuillu de forme ovale, joue-t-il le rôle de psychopompe accompagnant solennellement l’âme d’un défunt ? (ombre noire ?). Au-dessus un autre masque taurin à cornes étonnant, coiffé d’un némès égyptien dont les pans retombent sur les épaules. Cocteau admirait Picasso et avait collaboré avec lui.

Chapelle de Gournay. 

La verrière située au-dessus de la porte de la sacristie est surmontée d’un étrange visage aux yeux de poissons. Ce quadrilobe ressemble aux têtes en feuilles du modèle gothique rémois, (vu à la cathédrale). Dans la lancette de droite, peut-être l’arbre de Jessé, aux racines visibles, qui s’enfonceraient dans le corps allongé de Jessé ? (vu à Sillegny) et au bourgeon terminal. 

Feuillages, visages, masques, yeux énigmatiques, chacun peut laisser libre cours à son imaginaire selon le souhait de l’artiste poète.

Sur le mur sud de la chapelle, 3 baies encadrent l’enfeu du tombeau disparu. Une inquiétante araignée est visible au bas de la lancette droite de la 1ere verrière tandis qu’au-dessus peut-être une mante religieuse qui dévore son mâle après l’accouplement et redonne vie, ou pourquoi pas la silhouette d’une danseuse à la robe bariolée, bras levés ?...

Sur le vitrail central, des bouquets montés, à droite une fleur d’hibiscus protégée par des mains, différentes portes se superposent, un masque bleu-vert dans lequel est implanté un calice surmonté d’une hostie ? …  ou serait-ce Demeter, la déesse de l’agriculture régissant le cycle des saisons ?

La dernière verrière fait référence au Testament d’Orphée, film de Cocteau (1960) où il incarne lui-même le rôle du poète qui meurt et ressuscite et introduit la notion de « phénixologie », possibilité de renaître de ses cendres. Il se promène à travers le temps et croise sur sa route ses anciennes créations, créatures mythologiques ou imaginaires. Il porte en guise de talisman, une fleur d’hibiscus. L’homme cheval, belle crinière et longue queue mais vêtement d’arlequin a un corps d’homme (alors que le centaure, autre être hybride possède un corps de cheval à tête d’homme). Il fait allégeance à la déesse Minerve casquée, munie d’une lance et d’un bouclier, vêtement africain, debout sur ce qui ressemble à un caducée mais la tête des serpents se dirige vers le bas. Minerve avec sa lance tue le poète qui renait les yeux irradiés. Au-dessus de l’homme-cheval, une araignée tisse sa toile. Dans la mythologie grecque, elle est associée à Athéna (Minerve) qui a transformée sa rivale, la jeune Arachnée, talentueuse brodeuse, en araignée qui tisse sa toile.

A l’extrémité nord du transept, sur le mur d’entrée de la petite chapelle des fonds baptismaux une baie aux couleurs rose, mauve et bleus.

A gauche, une créature s’échappe de la fleur, tige florale à la main, bracelets sur le bras, vêtue de pétales de fleur. Encore des masques dans la lancette centrale, un homme-taureau au décor égyptien rappelle le minotaure. Il est surmonté d’un masque félin à la crinière abondante qui n’est pas sans évoquer la Bête dans le célèbre film de Cocteau La Belle et la Bête. Elle se transformera en prince charmant pour la Belle. A droite, trois splendides roses nouées par des rubans. La rose, symbole d’éternité, de régénération, et aussi justement élément déclencheur du terrible pacte dans le film.

 D’autres voient en la créature issue d’une fleur la renaissance de Hyacinthe. Aimé par Apollon dans la mythologie et tué par le retour d’un disque, il est métamorphosé en fleur.

M. Christian Schmitt, auteur de Mon ami Jean, est venu nous rejoindre et nous ouvre la petite chapelle. Il a réalisé un film-documentaire « Je décalque l’invisible » et nous présente une vidéo intéressante sur l’homme aux bras levés, geste traditionnel dans de nombreuses cultures qui signifie « j’ai atteint le ciel, je suis immortel ».

Les deux petites baies au fond de la chapelle laissent deviner des visages. Dans la première, deux têtes sont baissées tandis que dans la seconde deux profils sont face à face sous un soleil (serait-ce ses amis Jean Marais et Edouard Dermitt ?).  Ils surmontent un autoportrait de Cocteau coiffé du bicorne de l’académicien qu’il était devenu en 1955, et dont le vêtement rappelle aussi son cher arlequin. Ses yeux énigmatiques nous fixent, il est là, immortel !

Cocteau n’a pas eu le temps de prévoir les vitraux de la nef. Optant pour la simplicité, le maitre verrier munira les fenêtres de simples losanges pastel bleus et roses, s’harmonisant parfaitement aux entrelacs du maître. Il y ajoute des étoiles, fidèle au dessin que Cocteau utilisait dans sa signature.

Inspirés du cubisme, du surréalisme, les dessins simplifiés sont terriblement expressifs, les couleurs harmonieuses douces et dynamiques à la fois. Par le biais des civilisations anciennes, de la mythologie, des contes, … il célèbre la mort et la renaissance, l’immortalité. Ces magnifiques vitraux nous laissent perplexes par toutes les interprétations possibles. Ils donnent envie de revenir prendre le temps se plonger dans les univers multiples du poète-esthète par un jour ensoleillé.

Judicieuse suggestion de Marie-Laure, nous prolongeons la visite par l’exposition présentée à la porte des Allemands tout près de St Maximin. Organisée par le service du patrimoine de la ville de Metz, la première salle donne un aperçu de ses talents de dessinateur et de la constellation d’artistes contemporains qui rayonnait autour de lui.

Il avait écrit le texte du ballet Parade pour Diaghilev, musique d’Éric Satie, décors de Picasso. Il fréquentait des écrivains : Proust, Colette, J Genet…, des peintres : Duchamp, Buffet, … dans d’autres domaines : Coco Chanel, C. Trénet, E. Piaf, … sans oublier l’aide de son mécène F. Weisweiller. Il eut plusieurs liaisons sentimentales dont celle avec le comédien Jean Marais jusqu’en 1947 puis il partagea sa vie avec Edouard Dermit.

La deuxième salle expose justement des photos, lettres sur cette étonnante rencontre avec celui qui sera son dernier compagnon et deviendra son fils adoptif. Mineur de fer à Bouligny en Meuse, le jeune homme fasciné par la peinture, rencontre Cocteau au cours d’une visite de galerie à Paris en 1947. D’abord engagé comme jardinier, il participe aux activités artistiques puis « Doudou » entre dans la vie de Cocteau qui l’encourage à devenir « peintre du lundi et non du dimanche ». Il a poursuivi l’œuvre de Cocteau et repose auprès de lui à Milly la forêt. Après la mort de Cocteau, il s’est marié, et a eu deux enfants Jean et Orphée.

Cette salle présente aussi les coulisses de Pelléas et Melissandre, pièce créée pour l’Opéra-théâtre de Metz (1960-62), musique de C. Debussy. Cocteau a dessiné les décors. La chaise d’Arkel, fabriquée plus tard par le ferronnier J.P. Hugon d’après le dessin de Cocteau, en 2 exemplaires pour J.Griesemer, assistant de Cocteau et pour  C. Schmitt.

La dernière partie présente la maquette à l’échelle du vitrail central de l’abside à st Maximin, carton réalisé par J. Dedieu. Après la mort de Cocteau, c’est J. Dedieu, Edouard Dermit et Michel Brière qui ont œuvré pour terminer les vitraux à partir des ébauches de l’artiste.

Maquette de la baie centrale des vitraux de l’abside de st Maximin, sur panneau isorel. Dessins préparatoires, feutre sur papier. 1961-63.

Visite passionnante, un grand merci à Marie-Laure pour sa disponibilité malgré les conditions un peu difficiles.

Prochaines rencontres avec LesArts57 :

L'exposition "LACAN : quand l'art rencontre la psychanalyse" au Centre Pompidou-Metz. (Complet).

« LES EXPOSITIONS IMPRESSIONNISTES A PARIS, 1874-1886 » présentée par Catherine BOURDIEU,

Le 8 février, 20 h, Centre Social Robert Henry à Longeville les Metz.

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Belle soirée programmée par LesArts57 et Les Amis du Temple de Longeville-les-Metz en cette rentrée 2023. Jeudi 28 septembre, le sujet choisi est particulièrement attirant, et de plus, traité par Catherine BOURDIEU, maîtresse de conférences en histoire de l'art à l'Université de Lorraine. Par quelques mots d’accueil chaleureux, Martine remercie les 65 personnes présentes pour leur fidélité et trace le programme à venir.

Le sujet choisi pour cette conférence fait écho à l’exposition « Van Gogh à Auvers-sur-Oise, les derniers mois. » au Musée d’Orsay, jusqu’au 4-02-2024.

Le 16 mai 1890, Vincent Van Gogh (1853-1890) sort de l’asile de St Rémy de Provence où il a passé un an à se soigner et peindre. Il séjourne trois jours à Paris pour voir son frère Théo. Sa peinture commence à être appréciée. Il avait envoyé à Théo de nombreux tableaux. Il a exposé au Salon des Indépendants à Paris en 1888, 1889, 1890 et au Salon des XX à Bruxelles. Un critique Gabriel-Albert Aurier  a publié un article majeur pour le peintre dans le Mercure de France en janvier 1890 : « éblouissement des saphirs ou des turquoises […] soufres infernaux, chauds, […] aveuglants, […] étrange nature à la fois vraie et quasiment supranaturelle […] œuvres intensives et fiévreuses de Vincent Van Gogh, ce compatriote et non indigne descendant des Vieux maîtres de Hollande. ». Théo lui conseille d’aller consulter un médecin qui soigne la mélancolie et réside à Auvers-sur-Oise.

Auvers-sur-Oise.

Située à 30 km de Paris, la petite ville compte 2000 habitants environ en 1891. Plusieurs peintres s’y sont installés : Charles-François Daubigny (1817-1878) en 1861, Cézanne en 1873, d’autres y ont séjourné : Pissarro, Daumier, Guillaumin …

Van Gogh arrive à Auvers le 20 mai 1890. Beaucoup d’éléments de sa vie sont connus grâce à sa correspondance surtout avec Théo. 24 lettres datent du séjour à Auvers.

Lettre 635 ; 20 mai 1890 : « réellement, c’est gravement beau, c’est de la pleine campagne caractéristique et pittoresque. »

Lettre 636 ; 21 mai 1890 : « et je m’aperçois déjà que cela m’a fait du bien d’aller dans le midi pour mieux voir le nord. Auvers est décidément fort beau. […] C’est très coloré ici. »

Au cours des 71 jours qu’il passe à Auvers-sur-Oise, du 20 mai au 29 juillet 1890, il réalise 74 tableaux et 33 dessins. Il peint tous les jours.

Dr Gachet.

Paul Ferdinand Gachet (1828-1909), médecin, artiste, et collectionneur connait bien le milieu artistique parisien. Il a eu pour patients Cézanne, Corot, Daubigny, Daumier, Guillaumin, Manet, Renoir et la famille Pissarro. En 1872, il achète une maison à Auvers et partage son temps entre la capitale où il consulte et Auvers où il cultive ses plantes médicinales.

Cézanne, La Maison du docteur Gachet, v.1873. Orsay.

Il réalise des tableaux et gravures sous le pseudonyme de Paul van Ryssel.

Le docteur invite souvent le peintre chez lui à déjeuner ou diner. Dans un des premiers tableaux réalisés dans son jardin, on y retrouve encore les formes tourbillonnantes présentes dans les tableaux de Provence. Le médecin lui propose aussi de s’essayer à la gravure, Van Gogh crée une seule eau forte, le 25 mai.

Pour ces deux portraits, Van Gogh reprend la posture très connue de la Mélancolie de Dürer rappelant la spécialité du médecin. La première version (3 juin) le présente assis derrière une table, coiffé d’une casquette. Il soutient sa tête de la main droite. Sur la table, des livres et un vase contenant 2 branches de digitale pourprée, plante qui permet la fabrication de digitaline utilisée pour certaines pathologies cardiaques. Ces fleurs sont utilisées comme symbole de sa profession. Couleurs vives, contraste dynamique, les divers éléments du tableau sont précisément réalisés, pour chaque partie un fond coloré rehaussé de coups de pinceaux d’un ton différent qui illuminent le coloris général. Sur le visage, le traitement des ombres est assuré par des touches de vert. C’est le principe de la modulation qui veut que les ombres soient exprimées par des couleurs froides, du bleu, du mauve, du vert…

Dans la seconde version, le fond bleu est traité pour lui-même en touches épaisses, visibles. La table est plus grande, sans décor, en aplat rouge. Les livres ont disparu, la digitale n’est plus dans un vase mais posée près de la main du docteur. Le coloris du visage met en valeur l’harmonie bleue du tableau, relayée par la couleur des yeux.

Le docteur Gachet a deux enfants : Marguerite, 20 ans et Paul, 17 ans. Van Gogh peint Mademoiselle Gachet dans son jardin le 25 ou 26 juin. La jeune femme de détache en robe blanche dans le jardin luxuriant aux dominantes vertes, touche épaisse, nerveuse. Elle n’est pas reconnaissable, il s’agit davantage d’animer le jardin que de représenter un portrait. Le 26-27 juin, il réalise Mademoiselle Gachet au piano. Marguerite a posé pour le peintre, lorsque son père l’apprend, il interdit toute nouvelle séance de pose ne voulant pas qu’une amitié se développe entre eux. Début juillet, les deux hommes cessent de se fréquenter après une querelle au motif insignifiant.

L’auberge Ravoux.

A Auvers, Van Gogh est hébergé à l’auberge Ravoux, ancien Café de la mairie tenu par Gustave Ravoux. Le patron mettait à la disposition des peintres une salle pour entreposer les tableaux et même pour peindre, on aperçoit sur la photo au fond la porte qui y menait. L’auberge a subsisté, dans le toit se trouve toujours la petite fenêtre de la chambre du peintre.

D’autres peintres séjournent aussi dans l’auberge en particulier Anton Hirschig, néerlandais, 23 ans, nouvel arrivant lui aussi. Les deux hommes sympathisent. L’ainé Van Gogh donne des conseils techniques à son cadet. Hirsching réalise un portrait qui semble plus naturaliste et plus fidèle à la physionomie de Van Gogh que ses propres autoportraits dans lesquels il scrute ses tourments.

La fille de l’aubergiste Adeline Ravoux (1877-1965) a témoigné plus tard sur le quotidien de l’artiste. En général, il se levait tôt et passait toute sa matinée à travailler sur le motif c’est-à-dire en extérieur. Il déjeunait à l’auberge sauf les jours où il était chez le docteur Gachet. Certains tableaux ont été réalisés l’après-midi : L’église d’ Auvers par exemple. Il dinait aussi à l’auberge le plus souvent et très ponctuellement, c’est pourquoi ils se sont inquiétés lorsqu’ils ne l’ont pas vu arriver le jour de son suicide.

Adeline apparait dans 3 portraits réalisés en juin 1890. Elle a expliqué avoir posé 5 ou 6 fois, Van Gogh parlait peu, fumait beaucoup sa pipe. Réalisé entre le 17 et le 21 juin, le premier portrait la représente assise sur une chaise, à mi-corps, de profil, version qui semble presque achevée. Le fond est composé de larges et longues touches parallèles. Le second peut-être peint d’après le premier, mais pas en présence du modèle. Sur le fond du troisième apparait un arbuste, un rosier peut-être, elle est représentée en buste de trois-quarts, costume identique mais de couleur différente.

 Auvers-sur-Oise.

« Il y a ici des toits de chaume moussus qui sont superbes et dont certainement je ferai quelque chose » écrit Van Gogh à sa sœur Willema, le 21 mai. Il réalise de nombreuses toiles de vues d’Auvers, chaumières, maisons bourgeoises fleuries sous des angles différents …Il adopte parfois le format du double carré où la largeur est le double de la hauteur.

La maison blanche est située près de l’auberge. Ce tableau emporté par l’armée soviétique pendant la seconde guerre fut considéré comme perdu. Il réapparut au musée de l’Ermitage en 1995. Des astronomes américains ont déterminé qu’il représente la planète Vénus dont la position exacte correspond au 16 juin à 8h du soir. C’était alors l’astre le plus brillant dans le ciel du mois de juin 1890. Le traitement du rayonnement autour de la planète évoque la technique utilisée à Saint-Rémy.

La maison blanche, de nuit. L‘Ermitage.

Un homme descend l’escalier, des femmes s’en vont par 2, vues de dos. La couche picturale moins épaisse laisse voir la trame à plusieurs endroits. Harmonie colorée fondée sur des tons jaunes et verts rehaussées par les ocres-rouges des toits. Cet escalier semble avoir subsisté au 8 rue de la Sansonne entre l’église et la maison de Daubigny.

L’escalier à Auvers, Saint-Louis, Missouri.

Vues actuelles d’Auvers : l’escalier, rue Sansonne, l’église, la mairie.

L'église ND de l’Assomption d'Auvers, XVIII e, gothique sauf l’absidiole nord romane. Tableau mythique pour l’interprétation donnée par le peintre :

1. Les lignes sinueuses de l’architecture :  personne n’a de réelle explication sur ce dessin sinueux adopté pour les toitures, il en ressort une vibration particulière, comme si l’église s’animait. Etant donné que d’autres lignes, les verticales en particulier, sont nettement droites, il ne faut pas attribuer ce dessin à un tremblement de la main du peintre.

2. Le point de vue : le bâtiment est représenté vu d’en-bas, en contre-plongée, ce qui augmente sa masse et sa monumentalité.

3. L’éclairage : 3 moments de la journée semblent se succéder. La femme qui marche ne projette aucune ombre, semblant indiquer le zénith. L’église projette une ombre évoquant la fin de journée tandis que le ciel d’un bleu profond et foncé évoque le début de la nuit.

4. Le coloris :  intense, modelé par le soleil et par la touche.

  La mairie d'Auvers.

Fleurs.

Les bouquets rassemblent de simples fleurs des champs ou de jardin : coquelicots, bleuets, marguerites, chardons, roses, œillets… Les compositions sont simples et utilisent les formes géométriques des tables et des vases. Les couleurs franches et vives créent une harmonie dynamique renforcée par des épis de blés piqués çà et là. La couche picturale assez fine laisse apparaître la trame de la toile. La gamme colorée est plus douce pour les roses et les œillets.

Portraits.

Van Gogh ne parvient pas à trouver facilement des modèles pour peindre des portraits pourtant c’était pour lui une source essentielle d’inspiration et une nécessité pour développer son art : « la seule chose en peinture qui m’émeut le plus profondément et me fait ressentir l’infini, plus que toute autre chose ». Seuls quelques familiers acceptent de poser pour lui : le Dr Gachet, sa fille Marguerite, Adeline Ravoux, des enfants et deux jeunes femmes non identifiées.

Les portraits s’appuient sur un dessin simplifié et certains sont réalisés sur des formats carrés. L’enfant Raoul, 3 ans est le fils du charpentier Levert, habitant près de la mairie. Le titre indique une orange mais il semble que ce soit probablement une balle qu'il tient dans ses mains. Pour la jeune fille au chapeau, il avait précisé dans une lettre du 24 juin qu’une « fille de la campagne » pourra peut-être poser pour lui et dans une lettre du 2 juillet, il envoie le dessin du tableau terminé.

Paysages.

Van Gogh peint 20 tableaux de paysages purs, sans aucune maison (ou seulement quelques-unes) en s’inspirant des alentours du village. Ces étendues désertes correspondent à la solitude vécue par le peintre.

Dans une forêt, deux promeneurs, un homme et une femme, s’avancent vers le peintre, ils ne sont pas reconnaissables. Les peupliers représentés à mi-tronc structurent et cloisonnent le point de vue. Au sol, une prairie fleurie avec de hautes herbes. Coloris très réussi grâce à la modulation : les ombres froides d’un bleu franc sur les troncs gris clair cernés de noir. Les coups de pinceaux accentuent la verticalité de ces demi-troncs.

Van gogh aimait représenter la campagne pendant ou après la pluie. Ce tableau semble inspiré d’une estampe japonaise d’Utagawa Hiroshige. Van Gogh les collectionnait. Le paysage est structuré en strates superposées au coloris uniforme et le rideau de pluie masque les volumes.

Ce tableau est décrit par le peintre dans une lettre à sa sœur Willema : « De ces jours-ci, je travaille beaucoup et vite [...] Hier dans la pluie j’ai peint un grand paysage où l’on aperçoit des champs à perte de vue vus d’une hauteur, des verdures différentes, un champ de pommes de terre vert sombre, entre les plants réguliers, la terre grasse et violette, un champ de pois en fleur blanchissant à côté, un champ de luzerne à fleurs roses avec une figurine de faucheur, un champ d’herbe longue et mûre d’un ton fauve, puis des blés, des peupliers, une dernière ligne de collines bleues à l’horizon  au bas desquelles un train passe, laissant […] une immense traînée de blanche fumée. Une route blanche traverse la toile. Sur la route une petite voiture et des maisons blanches à toit rouge cru au bord de cette route. »

Longtemps présenté comme le dernier du peintre en raison de son atmosphère inquiétante : trois chemins divergeants, des nuages bleu très foncé, de nombreux corbeaux, et d’une touche nerveuse (mais répétitive et ordonnée, identique à la plupart de ses tableaux). 

Une lettre du 10 juillet donne des indices « … immenses étendues de blés sous des ciels troublés, et je ne me suis pas gêné pour exprimer de la tristesse, de la solitude extrême ».  Les blés ici ne sont pas moissonnés alors qu’ils sont mis en gerbes dans au moins 2 autres tableaux.

Les derniers jours.

Difficile de reconstituer les derniers jours du peintre à Auvers : lettres lacunaires et témoignages des gens qui l’ont cotoyé tardifs et parfois peu fiables. Mais son suicide ne semble pas pouvoir être remis en question :

 1. il avait déjà fait plusieurs tentatives.

2. il souffrait de crises de démence dont il avait très peur.

3. il savait son frère Théo atteint de la syphilis et ses jours comptés. (Il meurt 6 mois après Vincent).

 Le dernier tableau.

Depuis l’exposition organisée pour le centenaire de sa mort en 1990, ce tableau est présenté comme le dernier réalisé par le peintre. (Louis van Tilborg, Ottelo, Pays-bas). En 2012, Louis van Tilborg et Bert Maes réalisent une analyse de l’œuvre pour le musée Van Gogh. Sur ce tableau au format en double carré qu’affectionnait Van Gogh, le sujet est difficile à distinguer : des racines ou des arbres ou les deux ? le traitement des formes et la touche annoncent l’abstraction et l’expressionisme allemand. C’est un sujet unique par le traitement en gros plan d’un taillis sur un talus.

Les différents spécialistes de van Gogh se sont interrogés à propos du site choisi comme modèle. Beaucoup peuvent correspondre mais la composition complexe et le temps nécessaire à sa réalisation ne permettaient pas d’envisager une distance trop lointaine de l’auberge Ravoux.

Pendant le premier confinement, Wouter van der Veen, directeur de l’institut Van Gogh d’Auvers-sur-Oise, classe des scans de cartes postales représentant divers sites d’Auvers. En répondant à un appel téléphonique, il regarde machinalement les cartes les unes après les autres et raconte : « Mon regard se fixa sur quelque chose que je n’osais pas voir. Je ne me souviens pas d’avoir raccroché. Mais je me souviens d’avoir fait apparaître le dernier tableau de Van Gogh à l’écran et d’avoir comparé des éléments les uns après les autres, cherchant fiévreusement à découvrir ce qui allait infirmer l’hypothèse vertigineuse et improbable qui se présenta devant mes yeux ébahis : les racines que je voyais semblaient être les Racines de Van Gogh, 20 ans plus tard. Ce qui signifiait que je savais soudainement où il avait passé sa dernière journée et qu’un mystère tenace de la fin de sa vie venait d’être levé ».

A la fin du confinement, Wouter van der Veen part à la recherche de l’endroit exact : « je me rendis sur place où un miracle m’attendait : une souche monumentale, momifiée, couverte de lierre, trônait au bord du chemin à l’endroit identifié.

C’était la pièce centrale du tableau. Elle avait traversé le temps patiemment, discrètement, cachée à la vue de tous », à 150m de l’auberge Ravoux !

Auvers-sur-Oise, le côteau, 4 juin 2020.

Van Gogh utilisait les sites comme modèles, source d’inspiration mais ne les reproduisait jamais en les copiant ; il modifiait les formes, les perspectives, inventait des angles de vue parfois impossibles à retrouver…

Les propriétaires du terrain, d’abord incrédules, surent accueillir la nouvelle avec une élégance rare, et acceptèrent les mesures conservatoires qui s’imposaient pour protéger un morceau de bois, devenu en quelques semaines, un témoignage patrimonial exceptionnel. Autour des souches, la mairie a fait construire une palissade en bois avec une petite fenêtre permettant de les admirer.

Après une vie intense, une évolution constante et radicale de son style, une maturité atteinte dans les champs autour d’Auvers-sur-Oise, le peintre avait trouvé un sujet nouveau. Malheureusement, cette découverte ne lui donne pourtant aucun espoir, il meurt le 29 juillet 1890.

Passionnante et agréable séance comme toujours avec Catherine et jolie surprise finale.

Prochaine rencontre avec LesArts57 :

Mardi  7 novembre à 20 h salle Muller (dans la salle polyvalente de Saulny)

Le faussaire dans la peinture, entre technicité, psychisme et marché,

présentée par M. Laurent Commaille,

Maître de conférences en histoire contemporaine à l'Université de Lorraine.

Inscription par mail : lesarts57@gmail.fr  ou tel : 03 87 32 05 03

Samedi 17 juin 2023, la sortie annuelle organisée par LesArts57 va nous conduire à Lunéville. Parking de la salle polyvalente à Saulny, 7h28, le bus ronronne. Arnaud, notre chauffeur rappelle les consignes de sécurité puis Martine accueille chaleureusement les 27 participants à cette excursion préparée par Catherine. Au programme de la matinée deux expositions : Les faïences de Lunéville et La duchesse Elisabeth-Charlotte, épouse du duc Léopold de Lorraine. Après le repas, visite de deux édifices majeurs de la ville : la synagogue et l’église Saint-Jacques.

9h40, sous un soleil encore timide, le bus nous dépose face au château. Après avoir franchi le portail qui le sépare de la ville, nous pénétrons dans l’immense cour des communs bordée de longs bâtiments de service. La statue équestre du général Lassalle nous accueille, messin d’origine et mort à Wagram. Au fond, le bâtiment principal du château est percé par des arcades spectaculaires laissant entrevoir le ciel. Deux ailes latérales encadrent la cour d’honneur.

Situé sur la colline dominant la Vezouze, le château actuel a été rebâti sur l’emplacement d’anciens châteaux détruits, incendiés, reconstruits par les ducs de Lorraine depuis le XIIe siècle. En 1703, c’est le duc Léopold Ier, désireux de quitter Nancy, occupée par l’armée française, qui en initie la reconstruction pour y installer sa cour. Germain Boffrand, élève de J. Hardouin-Mansart, en sera un des principaux architectes. Lunéville devient ainsi “le petit Versailles lorrain”. A la mort de Léopold en 1729, son épouse Elisabeth-Charlotte, régente, occupe le château avant de céder la place à Stanislas Leszczynski en 1737.  Tous trois, instruits et amateurs d’art, ont su réunir architectes et artisans prestigieux, musiciens, écrivains (dont Voltaire) et artistes faisant de la cour de Lorraine une des plus brillantes d’Europe au XVIIIe siècle.

Passionnante comme toujours, Catherine s’attarde un peu sur l’architecture classique du bâtiment et son élégante sobriété. Deux niveaux d’élévation, alignement des ouvertures. Au fur et à mesure de l’approche, le portique original ouvre de plus en plus la vue sur des jardins à la française. Les arcades permettaient le passage des calèches et l’arrêt dans le vestibule à l’abri des intempéries. Aspect monumental par la triple arcature, la dimension des colonnes lisses dont le fût réunit les deux niveaux (ordre colossal), l’entablement et fronton triangulaire rappelant les temples antiques. Les chapiteaux des colonnes sont d’ordre composite : corinthiens (feuillages) et ioniques (volutes) et sur le fronton les armoiries de Stanislas : trophées d’armes et aigles impériaux. Le blason a été bûché à la révolution. Peu de sculptures sur les façades mais des mascarons de grande qualité réalisés par le sculpteur François Dumont.

Les bâtiments latéraux comportent un sous-bassement percé de soupiraux qui compense la pente, et un niveau supplémentaire aux petites fenêtres (l’attique).

A 10h, les deux groupes de 14 personnes se séparent pour visiter en alternance les expositions hébergées au château.

L’association des amis de la faïence ancienne de Lunéville Saint-Clément présente, cette année, ses nouvelles acquisitions. Elle existe depuis 1998. Indépendante et active, elle œuvre pour conserver et faire connaitre le patrimoine ancien. Un travail de veille sur tous les sites d’art est effectué, l’association recherche des pièces de faïence emblématiques, originales. Certaines peuvent être achetées en fonction des disponibilités financières et du panel représentatif nous explique M. Levieuge, le président de l’association.

Lorsque le duc Léopold, revenu d’exil, réintègre ses terres en 1698, la Lorraine, zone de passage qui a subi guerres, épidémies…, est dévastée. Léopold veut relancer l’économie. A cette période, Louis XIV, pour renflouer les caisses de l’état, fait fondre la précieuse vaisselle d’or, d’argent et de vermeil. « Tout ce qu’il y a de grand se mit à la faïence » écrit Saint-Simon. Les ressources naturelles, l’argile, l’eau et les moulins, les forêts fournissant le bois pour les fours, sont propices à la création de faïenceries et de verreries.

L’histoire des manufactures de Lunéville et Saint Clément est liée à la famille Chambrette. En 1711, Jacques Chambrette, maître faïencier fonde la première faïencerie à Champigneulles, près de Nancy.

Son fils, Jacques Chambrette s’installe à Lunéville et devient fournisseur de la cour. En 1730, il y crée la manufacture. La duchesse accorde des privilèges et effectue de nombreuses commandes pour le château. La manufacture prospère. Il s’attache à améliorer sa production en créant « la terre de pipe » qui permet un modelé plus fin se rapprochant davantage de la porcelaine. La faïencerie est élevée au rang de manufacture royale.

Le commerce entre le duché de lorraine et la France impose le paiement de taxes élevées. En 1758, il obtient l’autorisation d’installer une autre manufacture à Saint Clément, à 8 km de Lunéville mais en France. A sa mort, son fils Gabriel et son gendre maintiennent l’activité, puis les deux manufactures évoluent séparément.

Pièce remarquable : vase de jardin en faux marbre, vers 1770. Il provient du château de Lunéville. C’est un des deux seuls exemplaires sauvés des destructions ordonnées par Louis XV, après la mort de Stanislas.

En 1832, elles sont à nouveau réunies sous le nom de Keller et Guérin. Innovations techniques, arrivée du chemin de fer, de l’électricité, des grands magasins, la marque KG est déposée en 1879. Dynamisme encore accru par l’arrivée des ouvriers de la faïencerie de Sarreguemines après l’annexion. En 1923, Edouard Fenal (faïencerie de Badonviller) devient propriétaire de Lunéville - St Clément. Après de nombreux changements, la manufacture, mise en liquidation, est finalement reprise par le groupe Emaux et Mosaïque de Briare en 2012.

La création d’une pièce s’effectue à partir d’argile malaxée. La pâte obtenue est formée à l’aide d’un tour ou dans un moule en plâtre. Cuisson pendant 3 jours à 1000°, 3 autres jours sont nécessaires pour le refroidissement, on obtient un biscuit blanc, poreux qu’il faut émailler en trempant dans un mélange à base de silice et d’alumine.

Peindre les décors et recuire à 1000 ° nécessitent encore une semaine. Les couleurs à base d’oxyde de métal n’ont pas tous le même point de fusion, le rouge fond à 700° et coule plus vite. Une solution consiste à peindre le décor sur le biscuit déjà émaillé, puis opérer une 3^e cuisson à « petit feu » (à 650°). Pour les rehauts d’or, une 4^e cuisson sera nécessaire. A partir des années 1750 environ, les décors de Lunéville à dominante rouge, sont cuits par réverbération dans un four voûté (pas de contact avec la flamme) : c’est l’emblématique série Réverbère : roses, tulipes, motifs chinois…

Au XVIIIe, les pièces produites s’inspirent de l’orfèvrerie, de faux marbre, de la Rocaille (jardinières et statuettes de Cyfflé), de décor chinois, de tulipes et roses pour la série Réverbère. Au XIXe, Auguste Majorelle y fait son apprentissage.

A la fin du siècle, l’époque japonisante, l’Art nouveau puis l’Art déco influencent la production. Des artistes de renom participent aux ateliers : Maurice Ravinel, Alfred Renaudin dont certains motifs sont si fins qu’il les réalise avec un pinceau à un poil !!!, Louis Majorelle, Ernest Bussière, Emile Gallé… de la future Ecole de Nancy pour l’Art nouveau, les frères Mougin pour l’Art déco.

Enthousiaste, M Levieuge ajoutait des précisions intéressantes et nous faisait découvrir des objets curieux : rafraichissoirs pour les verres, pots à oignons : jacinthes ou tulipes (denrée rare et coûteuse), plats à barbe, pièce destinée à une personne nommément …

L’autre exposition concerne la duchesse Elisabeth-Charlotte d’Orléans, épouse du duc Léopold de Lorraine, figure marquante de l’histoire du château de Lunéville.

Fille de Philippe d’Orléans, Monsieur, frère de Louis XIV et de la princesse Palatine Elizabeth-Charlotte de Bavière, elle est donc la nièce de Louis XIV. Elle naît à Saint-Cloud en 1676 et grandit à la cour de France. Ayant reçu une solide éducation par sa mère, elle est appréciée pour ses qualités morales. Elle danse bien, mène « à toute bride » des promenades à cheval, se soumet aux obligations publiques avec une majesté naturelle.

Portrait d’Elizabeth Charlotte dérobant ses armes à l’Amour, attribué à Pierre Gobert, vers 1698, Nancy, Musée lorrain.

Son mariage est une affaire politique. Après des années de guerre, Louis XIV signe, en 1697, la Paix de Ryswick et restitue les duchés de Lorraine et de Bar au duc Léopold 1^er qui revient d’exil (Innsbruck). Le mariage a lieu en 1698, les époux entrent solennellement à Nancy. Une bonne entente règne entre eux.

Portrait de Léopold Ier, duc de Lorraine et de Bar. Attribué à Nicolas Dupuy, vers 1700.

La croix de Lorraine, les alérions brodés sur le manteau doublé d’hermine, le collier de la Toison d’or, ce portrait rassemble les symboles du pouvoir.

Des 14 enfants, quatre seulement parviendront à l’âge adulte.  La duchesse s’investit avec beaucoup d’attention dans l’éducation de ses enfants. Ils vont connaitre un destin européen.

Francois-Etienne sera élu empereur du Saint-Empire romain Germanique sous le nom de Francois Ier. Charles-Alexandre sera gouverneur des Pays-Bas autrichiens. Elisabeth-Thérèse épousera Charles-Emmanuel III, et deviendra reine de Sardaigne. Anne-Charlotte sera élue abbesse de Remiremont puis de Mons.

Esquisse pour un portrait de la famille ducale de Lorraine, J. van Schuppen, vers 1715.

Elisabeth Charlotte possède un sens inné du confort. En 1705, elle demande que son appartement de Lunéville soit équipé d’une « machine à servir à manger ». Le menuisier F. Parmentier réalise un plateau qui monte et descend au travers du sol. Les plats apparaissent de façon spectaculaire sans domestique apparent. Les « tables volantes » connaissent un grand succès en Europe au XVIII e, mais la duchesse compte parmi les pionnières de cet équipement très moderne.

Gastronome, elle n’hésite pas à cuisiner elle-même et partage avec son époux les plaisirs de la table. De sa jeunesse à la cour de France, elle a aussi gardé goût des belles étoffes, et fait installer un atelier de tapisserie, et même un élevage de vers à soie. Elle commande aux meilleurs artisans : orfèvre, ébéniste, bronzier, … des meubles, commodes, coffrets en marqueterie. L’ébéniste parisien Guillemard livre en 1716 des commodes en marqueterie réalisées suivant la technique Boulle.

La duchesse joue de la guitare, se passionne pour l’opéra. Léopold fait construire à Nancy, près du palais ducal, une salle de spectacle commandée à l’architecte italien Francesco Bibiena et inaugurée en 1709. Les fêtes sont nombreuses à la cour de Lorraine, spectacles de concerts, d’opéras, de ballets, farces italiennes, représentations théâtrales, visites de souverain. Le couple ducal souhaite créer un environnement culturel brillant et invite des artistes parisiens, italiens, musiciens, peintres, écrivains. A Lunéville, les spectacles se tenaient sur des tréteaux dans les jardins, Elisabeth Charlotte fait construire un petit théâtre pérenne. Le surintendant Henry Desmarets formé à Versailles, dirige la partie musicale, travaille sur des pièces de Lully.

Si elle encourage les métiers d’arts, elle a aussi un réel sens politique, et assume aux côtés de son époux de nombreuses obligations. Leur fils ainé François est envoyé à Vienne pour parfaire sa formation. A la mort de Léopold en 1729, elle se fait octroyer la Régence, prépare le retour de son fils et sa reprise en main des affaires. Mais en 1731, le nouveau duc François III quitte Lunéville pour épouser Marie-Thérèse de Habsbourg, fille de l’empereur Charles VI. Ils seront les parents de Marie-Antoinette, future reine de France. A nouveau Régente, elle défend avec vigueur le duché mais ne parvient pas à contrer les ambitions de La France qui impose l’installation de Stanislas Leszczynski, roi de Pologne détrôné, beau-père de Louis XV, en 1737. C’est dans les larmes qu’elle s’installe au château de Commercy et fait embellir la ville. Elle y meurt en 1744.

Il ne reste que peu de vestiges des œuvres réalisées pour le duc et la duchesse. François en quittant le duché emporte le décor de l’opéra, la bibliothèque, la collection de médailles. Stanislas réalise de nombreuses transformations, et Louis XV opère de nombreuses destructions après la mort de Stanislas.

Le bus nous attend pour nous conduire au restaurant Les Bosquets. Déjeuner convivial sur la terrasse à l’ombre des parasols.

14h30, petite marche dans la ville, pour nous rendre à la Synagogue qui fut la première à être édifiée dans le royaume de France en 1786, à l’initiative d’Abraham Isaac Brisac qui obtint l’autorisation de Louis XVI. Le culte juif n’était alors que toléré, l’édifice dut être placé en retrait de la voie publique, derrière 2 maisons.

La façade recouverte d’un placage en grès rose des Vosges s’inscrit dans la tradition architecturale lorraine. Une opulente guirlande de pampres de vigne décore le second niveau.

Une porte des enfants existait sur le côté. Murée, il en reste l’encadrement. Pour ne pas interdire la présence des enfants qui risquaient de perturber l’office, un petit banc et une porte de sortie leur étaient réservés.

Classée Monuments historiques, la synagogue a échappé à trois destructions.

Nous sommes accueillis par un sympathique membre de la communauté.

L’intérieur est très clarteux grâce aux vitraux en verre de Baccarat. Une verrerie existait à Baccarat avant la cristallerie. Une élégante galerie est réservée aux femmes.

Il nous rappelle quelques fondamentaux : les alliances successives entre Dieu et l’Homme :

• Adam et Eve : au jardin d’Eden, arbre de la connaissance.
• Noé : arche, arc en ciel, 7 lois noahides.
• Abraham : monothéisme, eut 2 enfants : Isaac et Ismaël. Fils d’Isaac, Jacob est à l’origine des 12 tribus d’Israël tandis que son frère Esaü générera la branche chrétienne. Ismaël sera à l’origine de l’islam.
• Moïse reçoit les tables de la loi au mont Sinaï, les 10 commandements.

L’Alliance peut être renouvelée pour chaque enfant juif à 13 ans, lors de la cérémonie de Bar Mitsvah (ou Bat Mitsvah pour une fille). Un juif pieux doit respecter 613 mitsvoth (règles). La présence de dix hommes priant ensemble suffit pour ” faire synagogue”. Les prières ont lieu trois fois par jour, et la lecture de la Torah trois fois par semaine.

Le livre de la Torah (la Bible, l’ancien testament) est le « Sefer Torah ». C’est un manuscrit en hébreu biblique, dont la fabrication et la rédaction répondent à des règles immuables et très strictes. Enroulé sur deux supports, il est souvent très ouvragé et recouvert d’un manteau richement brodé. Le Sefer Torah repose dans l’Arche sainte dont le mur est tourné vers Jérusalem. Devant se trouve l’estrade où prend place le lecteur de la Torah. Déroulé à droite et enroulé à gauche, il suit le texte avec une main. Notre hôte peut nous montrer un livre de la Torah déclassé.

Le Rabin, en prière avant notre arrivée, accepte de dire quelques mots. Il rappelle les 7 lois noaîques, traçant un chemin de vie aux valeurs universelles.

16h, il nous faut quitter notre sympathique orateur qui avait généreusement prévu des boissons rafraichissantes en cette chaude journée pour nous rendre à la dernière visite. Un petit quart d’heure de marche nous amène derrière l’hôtel de ville où se dresse l’impressionnante l’église St Jacques.

Début XVIIIe, le duc Léopold s’installe à Lunéville et transforme la ville, devenue capitale de Lorraine.

L’église est édifiée à l’emplacement de l’abbatiale St Rémy à partir de 1730. Le premier niveau plutôt néoclassique est construit d’après les plans de Nicolas Jennesson. La façade, soulignée par un avant-corps aux colonnes jumelées, lisses, et fût bombé présente un ordre colossal ionique. La porte surmontée d’un fronton courbe est ornée d’un médaillon. Faute de moyens financiers, les travaux subissent de longues périodes d’arrêt. Stanislas finance son achèvement et confie le projet à son architecte Emmanuel Héré. De style baroque, le deuxième niveau se compose des deux hautes tours, coiffées de lanternons. Surmontées des statues de St Michel et St Jean, elles culminent à 58m ! Au-dessus du fronton, l’imposant groupe de l’horloge, fut érigé aux frais des habitants. L’église est consacrée en 1745.

Les dimensions imposantes de l’extérieur se retrouvent aussi dans la vaste nef-halle intérieure composée de trois vaisseaux. (Hauteur 19m, largeur16m) ! Les grandes fenêtres en verre blanc, incérées entre les piles des bas-côtés, apportent un maximum de lumière. Etonnant aussi, le badigeon « jaune Marie-Thérèse » (de Marie Thérèse d’Autriche) choisi par Stanislas. Au fond, transept et chœur forment un ensemble de 3 absides à peu près identiques.

Six colonnes ioniques bordent le vaisseau central, leur fut bombé améliore l’effet optique de la perspective en les faisant paraitre rectilignes. Les vaisseaux voûtés sont soutenus par des arcs-doubleaux peint en jaune, sur chapiteaux baroques blancs.

La croisée du transept, remarquable elle aussi, de forme carrée est surmontée d’une coupole. Aux 4 coins, des triangles de maçonnerie concaves permettent le passage de la forme carrée au cercle, ce sont les pendentifs. Les sculptures foisonnantes des 4 évangélistes, St Mathieu (ange), St Luc (bœuf), St Marc (lion)et St Jean (aigle). Des médaillons honorant Stanislas sont représentés.

Les belles boiseries de la chaire à prêcher, du chœur et de la porte d’entrée sont signées François Vallier. En bois ciré (et non plus doré), elles participent à l’harmonie subtile, soignée et douce de l’ensemble et témoignent du goût du roi pour le baroque d’Europe centrale.   

Au XVIII e, les vitraux en verre blanc répondaient à la demande des clercs souhaitant davantage de lumière dans les églises pour lire la Bible ou leur bréviaire. Seule une frise au bord du vitrail pouvait bénéficier d’un décor plus travaillé : fleurs, coquilles, rinceaux… Mais au XIX e, la lumière fut jugée trop intense pour favoriser prière et recueillement ! La pratique des vitraux colorés figuratifs revint au goût du jour. Dans le chœur, deux vitraux de Laurent Maréchal (XIX e) sont consacrés à la vocation et l’arrestation de saint Jacques.

Une pietà en bois polychrome du XVe, la dalle noire signalant la sépulture d’Emilie du Chatelet, femme de lettres et de sciences ainsi que le monument funéraire ayant contenu les entrailles de Stanislas figurent aussi dans l’église.

L’heure tourne, Catherine n’a plus le temps d’aborder les œuvres peintes, mais privilégie la magnifique tribune et son buffet d’orgue remarquable, conçus par Emmanuel Héré et réalisé autour de 1750, par le facteur d’orgues nancéien Nicolas Dupont.

Exemple rarissime de buffet d’orgue sans tuyaux apparents, les 3880 tuyaux sont dissimulés derrière un décor de théâtre peint en trompe-l’œil. La fresque représente L’Entrée au Paradis. Sur la balustrade des anges musiciens et les armoiries de Stanislas. De style purement baroque, c’est une œuvre unique en Europe. Le buffet a été restauré en 1991, l’instrument dut être reconstruit et fut inauguré en 2003.

Superbe journée dont le programme riche et varié, concocté par Catherine, a permis de belles découvertes.

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Le mercredi 24 Mai à Batilly, la maison aux volets multicolores de la rue des Tilleuls nous accueille. Béatrice nous attend et nous emmène vers l’étonnante terrasse où des arbres de métal, des guirlandes de monstres, des fleurs féeriques nous font place...

Avec simplicité, Johu (c’est plus rapide que l’officiel Jean Hubert !) Thiam nous ouvre les portes de son monde. Petit fils d’Aimé Thiam et fils d’Albert Thiam, Johu est né dans une famille d’artisans d‘art. Aimé, artisan ébéniste inventif et doué, a créé la marqueterie en relief, après avoir fourni en meubles, avant-guerre, les Galeries Lafayette. Son fils Albert travaille dans l’atelier, et en Lorraine, tout le monde connaît ces tableaux d’intérieur typique, en marqueterie d’essences de bois variées, que tout bon messin se devait d’avoir accrochés à ses murs.

A 17 ans, Johu entre dans l’atelier familial dirigé par son père Albert, au côté de ses frères. Il commence à découper, sculpter, coller selon une technique bien codifiée, ce qui lui permet de d élaborer son savoir-faire technique.

Il suit des cours de dessin par correspondance et découvre la couleur à travers la peinture. C’est une révélation et un enchantement. L’esprit toujours en mouvement, explorant toutes sortes de techniques et de support, la main traduisant le torrent des images, Johu travaille le bois, le polystyrène, le plexiglas, le verre, le métal.

Nous suivons le maître des lieux dans ses deux ateliers aux murs couverts d’outils rigoureusement alignés, de centaines de feutres et de tubes colorés, de piles de papiers, cartons, et matériaux divers. 

A côté de panneaux de bois peints (merveilleuse expression d’une femme extatique), d’une vache rouge et d’un cheval bleu nous observant depuis leur toile, s’amoncellent des Graoully noirs ou blancs, des luminaires aux formes étranges, tout un monde inattendu et magique, comme si ce foisonnement prenait appui sur ces outils et cette matière première ordonnée avec soin pour pouvoir naître et s’épanouir.

Créer et faire, permettre à la main d’exprimer ce qui se cache dans la matière, voilà le travail de l’artiste. C’est cette idée que Johu met en œuvre quand il accompagne des ateliers pour des enfants de maternelle avec des étudiants de ENIM. Travailler comme passeur, permettre d’aider ses élèves à mettre en œuvre leurs sensations et visions : autre domaine d’élection.

A maintenant 75 ans, Johu Thiam ne veut plus travailler que par plaisir, s’amusant à faire cracher de la fumée à un monstre de métal ou trouver un système pour en faire une sculpture animée.

Nous prenons congé de notre hôte, tout le monde a un sourire aux lèvres. En repartant, nous notons deux choses à faire : aller saluer le Graoully de l’Enim (atelier Jean Nau) et le Graoully de Woippy, route de Thionville (Atelier Hugon).  A.S.